Hay Cosas De Las Que No Puedes Escapar

Título: "Keepers: The Vanishing" (2018). País: Reino Unido. Director: Kristoffer Nyholm. Guión: Joe Bone, Celyn Jones. Música: Benjamin Wallfisch. Protagonistas: Gerard Butler - Peter Mullan - Connor Swindells - Søren Malling.

Tres fareros se internan en una isla, provistos con lo básico para poder capear el implacable invierno. Su estancia resulta monótona y casi abrumadora, pero las cosas cambiaran de manera drástica, cuando ayuden a un naufrago que ha quedado atrapado entre los roquerios.
Existen instintos que en una situación extrema no somos capaces de entender, tampoco de sobrellevar. Esos instintos, muchas veces, no son compatibles con escalas de valores que pueden llegar a destruir a una persona. Pero en una situación donde las alternativas son casi inexistentes, la caída hacia el abismo salvaje es inevitable.

Este es uno de los muchos tópicos que presenta este interesante thriller escoces, dirigido por el danes Kristoffer Nyholm. Quien tiene un muy especial estilo narrativo, a la hora de presentar los distintos conflictos internos a los que son sometidos cada uno de sus personajes. Y de manera dual, para conseguirlo, recurre a un reparto reducido, inmersos en una atmosfera intimista, para que las cosas de la nada se comiensen a complicar. Dentro del eje central de la historia, es difícil ignorar la profunda soledad y abandono latente, que parece consumirlos en cada escena. Pues la lucha interna, es algo de lo que no pueden escapar. Y es aquí, que Nyholm emplea conflictos morales autodestructivos, que parecen no tener retorno. Sin duda este  es un ejercicio visual que resulta casi hipnotico y a la vez atemorizante para el espectador. Sobretodo si vemos un horror externo, que destruye poco a poco la cordura interna de quien la vive.

Notable pelicula independiente, con un guion que aparentemente puede resultar simple, pero que en el fondo no tiene vacios ni medias tintas. Sin dejar de lado el impecable trabajo tras las cámaras de Nyholm, quien comanda a tres actores principales, que ofrecen un verdadero festín en cada uno de sus roles.

En definitiva, un complejo viaje a la culpa mas desgarradora. El encuentro con nuestros propios monstruos internos que resultan casi imposible de controlar…. Y de los que nadie jamás escapa.

Sería Un Viaje De Ensueño Dijeron....

Título: "Old" (2021). Director: M. Night Shyamalan. Guion: M. Night Shyamalan (Basada en Sandcastle, de Pierre Oscar Levy y Frederik Peeters). Música: Trevor Gureckis. Protagonistas: Gael García Bernal - Eliza Scanlen - Thomasin McKenzie - Aaron Pierre - Alex Wolff - Vicky Krieps - Abbey Lee Kershaw - Embeth Davidtz -Rufus Sewell.

Sin duda que M. Night Shyamalan genera expectativa en cada uno de sus proyectos. Su maestría indiscutida por los momentos inesperados le preceden. Aunque como todo en la vida, no siempre se puede llegar a ser tan asertivo (así lo pudimos corroborar con The Last Airbender, que no logro entusiasmar mucho a la audiencia). Y bueno, otras que en su momento hemos mencionado como sus obras más débiles. No obstante, y después de aquella epopeya esquizoide que se inicio con El Protegido (2000), y finalizó con Glass (2019), las expectativas que generaba su nuevo proyecto, no eran menores.
Y por fin, apareció Old (2021) una obra que tiene todo lo que se puede esperar dentro del universo bizarro e inesperado de Shyamalan. Sin descontar crédito a su estilo, el director esta vez resulta bastante tímido al no arriesgarse en mostrar más de lo debido, y objetivamente, material no le faltaba para hacerlo.

Su visión radica (casi de manera monótona) en la historia personal de cada uno de sus personajes (quienes parecen vivir su peor momento, donde el paisaje de ensueño que los convoca, genera una dualidad incomprensible). Y sin lugar a dudas, esto es Shyamalan visto desde cualquier ángulo. Pero, esta vez nos sorprende con algo que va más allá de su historia. Y es que hay diálogos y actuaciones tan estructuradas, que nos resultan inverosímiles. Aún tenemos la duda si es la intención implícita del director, o solo es percepción individual del espectador. Independiente de todo, nos atrevemos a señalar que Old no es la mejor película de Shyamalan, pues su guion parece escrito al mismo tiempo en el que fue rodada. Pero sin lugar a dudas, su factoría cinematográfica es simplemente impecable. Asimismo la selección de actores, que entregan momentos verdaderamente notables.

Shyamalan nos entrega una obra que nos mantiene en constante duda. A ratos nos puede producir un cierto grado de hastío casi inevitable. Y es que su historia por momentos, va retrocediendo hasta llegar a lo estático, cuando debería hacer todo lo contrario. Pero que, sin lugar a dudas nos abre la puerta a tópicos tan oscuros como el control mental y que muchas veces el ser humano prefiere ocultar lo peor de si mismo, para no ser juzgado como un verdadero monstruo.

Old tiene lo mejor de Shyamalan, a ratos nos entrega un suspenso confuso, para luego perturbarnos con aquello que solo podemos percibir y no ver. Digno de Night.

Mini Ciclo: El peor de los mundos, sólo lo podemos imaginar... (Parte IV)

El Perturbador Mundo Paralelo de David Robert Mitchell 

Título: "Under The Silver Lake" (2018). Director:David Robert Mitchell. Guión: David Robert Mitchell. Música: Disasterpeace. Protagonistas: Andrew Garfield - Riley Keough.

  Tratar de entendernos nosotros mismos, es sin duda un proceso difícil que requiere de cierto rigor y criterio.

Pero tratar de entender todo lo que nos rodea, es sin duda una misión épica. Ahora, a esto agreguemos una buena y generosa pizca de simbología masona…. ¿y que obtenemos? Pues la película que nos convoca en cuestión. Y es que en el universo cinéfilo del director David Robert Mitchell, todo puede pasar…. Repito: todo. Sin duda que estamos frente a uno de los realizadores más renovados y transgresores de esta nueva generación. Primero, nos dejó en el constante umbral de la duda con su ópera prima It Follows (que tardamos varios años en verla debemos reconocer). Y ahora nos desafía (literalmente) adentrarnos en esta obsesiva obra conspirativa. A pesar de lo que se pueda llegar a pensar en primera instancia, resulta bastante más divertida y retorcida vista desde cualquier ángulo.

Sin duda, que Under The Silver Lake recurre a muy llamativos tópicos, bastantes poco frecuentes en este tipo de cine, que podríamos catalogar simplemente como inclasificable. Mitchell no le teme en lo absoluto a lo abstracto e intangible. Y es que en un inicio su obra es casi experimental. Pues Mitchell cambia una y otra vez a distintos géneros cinematográficos, como quien cambia de pantalones (y muchas veces como causa, el espectador en muchos momentos no sabe si reír o llorar). Pero como nos gustan las historias retorcidas, ya en una segunda oportunidad tras verla, todo se nos revela de manera simbólica y subjetiva. Es innegable que el universo de Mitchell tiene una elaboración que se gesta desde las entrañas de lo desconocido, aquello que no se deja ver a simple vista…. Y es que por momentos, puede inducirnos en un sueño implacable generado por las carencias afectivas, la soledad, la tristeza y un sinfín de emociones que siempre preferimos ignorar o no demostrar. Para no quedar vulnerables, ante un mundo oculto que pareciera querernos devorar en un abrir y cerrar de ojos.

Podemos tener un puñado de cosas que añoramos, cuidamos, y recordamos a lo largo de la vida. Pero ¿Qué seria de nosotros, si un día nos damos cuenta, que en realidad en nuestras vidas nos embarga un gran vacío del que nunca hemos querido hacernos cargo? Un vacío que ha estado siempre ahí, pero que tratamos de hacer como si no existiera…. Un vacío que tarde o temprano nos inducirá en un foso de depresión y miseria. Pues creemos ser alguien en la vida, pero en realidad aquello que tanto odiamos de una sociedad que nos presiona, algún día nos convertiremos. Esta es una de las interesantes premisas que Mitchell nos invita a cuestionarnos. Pero su travesía sicodélica hacia el encuentro con el ojo que todo  lo ve, resulta mucho más íntima de lo que se pueda llegar a pensar.

Entre códigos ocultos, Sam (interpretado de manera notable por Andrew Garfield) trata de evitar por todos los medios hacerse cargo de una vida, que pareciera absolutamente congelada, inerte, carente de propósito. Vive en un lugar acomodado, pero sin un centavo para pagar la renta. A un paso de convertirse en un absoluto homeless, conoce a una atractiva mujer de la que parece se ha enamorado. Ha sido la única con la que no se ha acostado, pues ella le ha compartido una manera distinta de mirar el mundo (un mundo casi onírico y fuera de lugar). Pero un día, ella desaparece sin dejar rastro. Y es aquí, cuando las cosas comienzan a complicarse…. Sin querer, entra en un mundo accesible solo para los mas privilegiados (y Sam sólo parece un bicho raro en una especie de mundo atemporal). En busca de su amiga desaparecida, descubrirá de que se compone el mundo del cual todos somos parte. Un mundo dominado por los más poderosos.

Mitchell nos somete en una bizarra conspiración, donde la numerología, las leyendas urbanas, el abuso y control mental de parte de sociedades secretas hacia las mujeres. Son algunos de los temas que  trata de manera hilarantemente descarada (bueno, lo de hilarante es bastante cuestionable). Pero no se engañen, Mitchell también sabe perturbar de la manera más sorpresiva de la que se puedan llegar a imaginar. Pues no está de más agregar, que vale la pena poner atención en cada simbología, cada metáfora, cada guiño cinéfilo que Mitchell ha elaborado de manera maliciosa y absolutamente burlesca. Sin contar, los extraños fetiches sexuales de sus personajes…. Que en el fondo y en conjunto con todo lo expuesto…. No es mas que el retrato de una sociedad enferma y absolutamente manipulable.  

Como si todo esto fuera poco, Mitchell recurre nuevamente al mundo paralelo, que parece obsesionarlo. Y es que It Follows (su opera prima estrenada en el 2014) retrata una maldición de la que nadie se puede salvar….. Es aquí que el paralelo regresa a su fuente, un pasado que nunca fue resuelto del todo. Y que tampoco nada se explica en su inicio. Pero que, tras ver Under The Silver Lake (que antojadizamente es su segundo largometraje), existe una muy intrigante relación que no deja de ser interesante de ver (y de la que no somos capaces de desenredar, pues les haríamos perder toda la magia retorcida de Mitchell). No obstante, una duda traspuesta (o subyacente si se quiere en rigor) es imposible de dejar pasar: ¿Es entonces Under The Silver Lake la génesis de una maldición inexplicable? Como siempre, no existe nada mejor que dejarse llevar por las dimensiones paralelas de un director con ganas de ofrecer algo distinto. Algo que en primera instancia, no es de fácil entendimiento, pero que aún así no le resta una cuota de misterio. Y que rompe estereotipos, tanto a nivel de personajes, como narrativos.

Solo para amantes de historias, por momentos abstractas y por otro, lleno de simbología descubierta y por descubrir (sin contar las punzantes críticas a la cultura Pop). Pues cuando descubran su trasfondo…. La amarán (y claro otros la odiarán, como todo en esta rara vida ¿no?).

 

 

Por si te perdiste un Mini Ciclo, aquí Reviews anteriores: 

 

 

Mini Ciclo 1 (Click sobre la foto para ver).

 

 

Mini Ciclo 2 (Click sobre la foto para ver).

 

 

Mini Ciclo 3 (Click sobre la foto para ver).

Freak

Título: "Freak" (2018). País: Canadá. Director: Adam Stein Zach Lipovsky. Guión: Adam Stein, Zach Lipovsky. Música: Tim Wynn. Protagonistas: Emile Hirsch - Bruce Dern - Grace Park.

Esta pelicula tiene uno de los guiones más osados que hemos podido ver este último tiempo. Primero porque el efecto sorpresa es de lo más agradable de ver. Y segundo, porque tiene momentos verdaderamente alucinantes. Lo malo, es que viene del circuito independiente, por lo que demasiado ruido no hará. Pero si logra atraparnos con una historia que se enreda y desenreda a voluntad, pero nunca dejando de lado mantener el absoluto interés del espectador. Con un magnifico uso de transcicion entre distintos generos…. Puede que tengamos una pequeña joyita del fantástico que hará las delicias de los fans de la ciencia-ficción más inquietos por buscar algo distinto.
Ojo con el reparto.

 

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"Ego Te Absolvo...."

Título: "The Conjuring: The Devil Made Me Do It" (2021). Director: Michael Chaves. Guión: David Leslie Johnson-McGoldrick, James Wan. Música: Joseph Bishara. Protagonistas: Patrick Wilson - Vera Farmiga - Ruairi O'Connor - Sarah Catherine Hook.

Definitivamente es una franquicia que llegó para quedarse… sus secuelas, spin off, etc. así parecen atestiguarlo. Sin duda, es una de las continuaciones mas esperadas. Las expectativas no eran pocas, y resultó un muy interesante producto que se convirtió en trilogía. Dudamos que sea el fin de las experiencias paranormales de los Warren. Con tanto cachureo que habita en aquel sótano oscuro y misterioso, es imposible ignorar que existan más demonios por  conocer.

El problema en cuestión, es la sobreexposicion que generan muchos trailers que terminan por destruir el efecto sorpresa. Muchas películas del género han sucumbido a este innecesario recurso. No obstante, El Conjuro 3 tiene un par de cosas más que ofrecer. Recurre en cierta medida, mas al genero policial…. Y la apuesta parece funcionar de las mil maravillas. Sumamos personajes amedrentados una y otra vez por fuerzas que no son de este mundo…. Y eso a veces suele generar cierto morbo.
El problema es el desnivel entre la fantasia y realidad que no es para nada convincente…. Hay muchos tópicos que no se los toma con la debida seriedad (necesaria para que por lo menos haga juicio con toda esa promoción realista que se le da a su historia)…. Sin embargo, tiene muy buenos momentos que terminaran de agradar a los seguidores de esta franquicia surreal. Una apuesta relativamente diferente, que pretende sobrepasar a sus antecesoras…. Y que parece lograrlo sin mayor esfuerzo.

Michael Chaves (director de la decepcionante Llorona), va poco a poco demostrando que no es tan mal director despues de todo (sobretodo con las notables alusiones que hacen a verdaderos iconos del genero).

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The Hallow.... Para cruzar el bosque debes dar algo a cambio

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De Ángel A Demonio Sin Intermedios

Título: "Cruella" (2021). País: Director: Craig Gillespie. Guión: Dana Fox, Tony McNamara. Música: icholas Britell. Protagonistas: Emma Stone - Emma Thompson - Paul Walter Hauser - Joel Fry - Emily Beecham.

No es necesario haber visto versiones anteriores de esta adaptación de Disney, ya que Cruella es una película absolutamente independiente (además no hay mucho que entender). Si bien, su historia inicialmente está dirigida a un público infantil. Cruella por su parte apuesta por un público juvenil adulto. Y la formula (como muchas películas de hoy en día) parece funcionar sin problemas. Es imposible no destacar las notables actuaciones de Emma Stone, cuyo personaje da nombre a la película. Y (opinión muy personal) la maravillosa actuación de Emma Thompson, quien a pesar de ser un personaje antagónico, (para que nos engañamos, en innumerables veces suelen ser mucho mas atractivos que el resto de los personajes), en varias oportunidades simplemente se roba la película.

El problema de su historia es que, teniendo un impecable preámbulo, la historia se va disolviendo en reiterados recursos para tratar de hacerla entretenida. Sin duda que su duración excesiva, no es divergente con lo poco que puede ofrecer un guion que se va perdiendo una y otra vez en lo mismo. Sin contar con un bonus extra de una bifurcación del personaje central quien por momentos resulta incompresible. Pasar de ángel a demonio sin intermedios es un vacío mas que notorio en su afán por encontrar elementos que logren captar el interés del público. Por momentos lo logra, pero luego cae en una monotonía (avanzado bastante el metraje) que se torna ya difícil de digerir. Sin contar los efectos sorpresa, que son verdaderamente lo mas infantil que se pueda llegar a ver.

¿Entretiene? Pues si. Tiene un par de escenas realmente hilarantes. A veces mantiene momentos bastante notables, pero insistimos en que la historia termina siendo devorada por una monotonía innecesaria. Su banda sonora, es inicialmente (y casi) un personaje mas dentro de las diferentes etapas en la que se ambienta su historia. Pero luego, el abuso de esta misma termina por condenarla… una arma de doble filo, de las que pocos (o casi nadie) se salva. No obstante, cuenta con una cuidada dirección a cargo de Craig Gillespie. Quien agregó un concepto similar a los personajes de su película anterior "I, Tonya", y por muy reiterativo que esto pueda llegar a pasar, funciona sin problemas.

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Somos Humanos Después De Todo

Título: "Nomadland" (2020). Director: Chloé Zhao. Guión: Chloé Zhao. Música: Ludovico Einaudi. Protagonistas: Frances McDormand - David Strathairn - Linda May - Charlene Swankie.
Fern es una mujer esforzada y casi inexpresiva, quien tras luego de la pérdida de su empleo y posterior fallecimiento de su esposo, decide tomar su camioneta y vivir dentro de ella.
Vivir (¿o sobrevivir?) de esta forma, tiene demasiados pormenores… sin un espacio estable, y menos un lugar mínimamente cómodo para dormir, es lo más cercano a vivir como un vagabundo (o derechamente es ser un vagabundo). Pero, al parecer, Fern no está sola. Muchas personas tratan de entregarle su ayuda de manera desinteresada. ¿Lo aceptará?

Dirigida por Chloé Zhao, quien luego de tener una muy breve filmografía, en el que los temas sociales son recurrentes en sus películas. Se ha convertido en un exponente más que interesante a considerar, y no sólo desde el punto de vista cinematográfico, sino también político (sobretodo luego de ser vetada en todos los medios de China, luego de recibir dos Premios Oscar). Zhao, nos entrega una película sumamente realista, y siendo sinceros…. No es de extrañar que haya ganado en las categorías de Mejor Directora y Mejor Película. Principalmente, porque Nomadland posee un guion sólido que en imágenes, diálogos, etc. la hace merecedora de una historia honesta y con tantos matices dignos de ir descubriendo a medida que transcurre el metraje.

Por momentos, se nos pasó por la cabeza que Nomadland podría tener similitudes con aquella joya que fue “Tres Anuncios Por Un crimen” (2017) (ya comentado en este Blog). Pero, obviamente nos hemos equivocado, pues la única similitud, es que ambas son protagonizadas de manera soberbia por la siempre impecable Frances McDormand. No comentan el mismo error que su humilde escritor aquí presente. Pero es que debemos agregar, que también miramos con ojo clínico cada paso que daba McDormand en Nomadland. Porque creímos por un momento que se repetiría el personaje. Pero nos llegó el pastel en la cara, pues es absolutamente lo opuesto…. Y si tienen dudas, solo miren el nuevo Oscar que descansa en sus manos gracias a la película de Zhao.

Últimamente estamos un poco flojos para describir ciertas cosas que son mucho mejor ver, que explicar. Y con Nomadland, no va a ser la excepción. Pero basta que lo expongamos del siguiente modo:
Las perdidas emocionales, son una de las cosas más difíciles de superar…. algunos pueden sobrellevarlo… otros simplemente no pueden. Más todos en algunos momentos de nuestras vidas, hemos querido irnos lejos…. Para estar completamente solos con nuestros pensamientos y nuestros corazones rotos. Somos humanos después de todo, y elegimos aquellos que son dignos de vernos vulnerables… Buscando un mínimo consuelo que nos haga seguir nuestros caminos. Obtener el alivio que desesperadamente vamos perdiendo con cada lágrima derramada. Pero hay ciertas personas, que ya no pueden lidiar con la vida que siempre han conocido… toman el primer bus que ven y se largan a la aventura… completamente solos. Y conociendo personas que están igual que ellas… que verán a diario ver partir a otros, buscando cada uno sus propias aventuras. Pero todo tiene un motivante…. ¿escapar de qué?..........

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Tenet: ¿Es La Peor PelÍcula De Christopher Nolan?

 Título: "Tenet" (2020). Director: Christopher Nolan. Guión: Christopher Nolan. Música: Ludwig Göransson. Protagonistas: John David Washington - Robert Pattinson - Elizabeth Debicki - Dimple Kapadia - Michael - Caine - Kenneth Branagh.

Corría el año 2000, cuando el nombre de Christopher Nolan, se posicionaba dentro de los realizadores más emergentes de esta nueva generación, con su segundo largometraje llamado Memento. (Como suele ocurrir con los realizadores que comienzan a acaparar la atención de la industria), sus nombres poco a poco se transforman en una semántica entre lo sobrevalorado y lo subjetivo. No obstante, si no fuera por Nolan, jamás hubiésemos puesto un ojo en aquella trilogía oscura y supermoderna que fue Batman: Darknight. Pues, conquistó a quienes somos el público más reticente en cuanto a consumir al superhéroe de turno. Aunque (aclaramos) “conquistó” es más que nada un eufemismo bastante antojadizo. Lo interesante, es que quizás, no existan películas buenas o malas. Tal vez el problema radica en un conjunto de cosas importantes que algunos realizadores pasan por alto. Desde contratar a malos escritores, malos actores, presupuestos paupérrimos, etc. ¿o siendo objetivos, existen simplemente directores mediocres, que les recomendamos que se dediquen mejor a otra cosa? Subjetivamente, a veces la formula no aplica, el más claro ejemplo de ello es Ed Wood. Un realizador mediocre, pero con unas ganas enormes de expresar su “particular” estilo de hacer cine. En su tiempo, era un excéntrico en la época equivocada…. Hoy es considerado un director de culto. Caprichos de la vida (no concluyentes).
Después de la extraordinaria Dunkerque (2017), Nolan nos debía, al menos, algo digno que estuviera a su altura….. y llegó Tenet…. (…)

 Últimamente, les hemos llamado películas tanque: dícese de aquellas películas que te bombardean con tanta información, que es imposible tener un mínimo de respiro para procesarlo todo (en tiempo límite). Y Tenet es una de ellas. Los primeros cinco minutos de metraje son bastante interesantes, pero el espectador no se da cuenta cuando todo comienza a tener color de hormiga. Las explicaciones sobre la dominación del espacio/tiempo, son extremadamente tan complejas, que nosotros como espectadores comunes (quienes jamás sacamos sobresaliente en física y sus derivados) nos resulta verdaderamente imposible seguir (y ante esto, creemos ser la gran mayoría). Sin duda, que el intento de Nolan por hacernos parte de una historia tan abstracta, son prácticamente nulas. ¿Quiénes somos nosotros para expresar si es o no la peor de Nolan?. Es mejor que lo subjetivo haga lo suyo, la factoría del realizador está intacta, y eso es evidente. Pero, en este caso, no fueron infinitamente suficientes. ¿La peor? Puede que no, pero si la más olvidable. 

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De nuestros prejuicios, también nos podemos reír.

Título: "Bienvenidos Al Barrio" (2019). País: Francia. Director: Mohamed Hamidi. Guión: Mohamed Hamidi, Khaled Amara, Michaël Souhaité.

Música: Ibrahim Maalouf. Protagonistas: Gilles Lellouche - Malik Bentalha - Camille Lou - Sabrina Ouazani - Anne-Elisabeth Blateau - Loïc Legendre - Hugo Becker - Harmandeep Palminder - Annabelle Lengronne - Nassim Si Ahmed - Karim Belkhadra - Philippe Uchan - David Salles - Djemel Barek - Mahdi Alaoui - Vincent Furic - Thierry Nenez.

 Fred Bartel, es el jefe de una agencia de comunicaciones, ubicada en un acomodado barrio de Francia. Lamentablemente, tiene sus días contados debido a graves problemas financieros. Por ello, Bartel y su reducido equipo, no tienen más remedio que trasladarse a una zona franca, considerada como una de las más peligrosas de la ciudad. 

Con una trama como ésta, es imposible no comenzar a imaginar los enredos que están por ocurrir. Y es que el director Franco – Argelino, Mohamed Hamidi, expone de manera sutil y muy divertida temas tan complejos y controvertidos como el prejuicio social y sus distintas aristas. Sobretodo en un país tan cosmopolita como lo es Francia, país que se abre cada vez más ante la diversidad socio-cultural. 

Jusqu´ici Tout Va Bien (hasta aquí va todo bien, traducido del francés literal). Es de aquellas películas, que de lo negativo rescatan lo positivo, desde las situaciones tragicómicas, hasta las más evidentes desigualdades sociales. Pero como dijimos anteriormente, todos estos tópicos son tratados de manera tan elegante y sutil, que todo nos resulta tan divertido como inesperado. Sin duda, que casi todo el peso argumental se lo lleva el actor francés Guilles Lellouche. Quien tiene momentos verdaderamente notables, en las distintas atmósferas emocionales a las que se ve envuelto su personaje Fred Bartel. Sobretodo, porque de seguro es el único jefe que en la vida te va a caer de las mil maravillas. Sin dejar de lado, que fácilmente podemos sentir cierta cercanía, no sólo con él, sino que con cada uno de los personajes de ésta divertida película. 

Pero como buena película francesa, el enfoque de Hamidi, si bien puede resultar por momentos simplista. No deja de lado el buen sentido del humor, para hacernos reír de ciertas cosas de las que no deberíamos. Es así, que aquí nunca el drama logra protagonismo absoluto (y a decir verdad, está presente en casi toda la película). Pero esto tampoco quiere decir que Hamidi, no nos invite también a la reflexión sobre la amplitud de culturas y los prejuicios a los que generalmente somos meras victimas. El cambio positivo, que podemos adquirir sobre distintos planos dentro de la diversidad, que pocas veces, es la ganadora ante la negatividad que solemos darle a casi todo lo que nos es ajeno.

Sin duda, que estamos frente a una de las películas más reconfortantes que hemos tenido el gusto de ver. Con personajes muy cercanos, diversos y complejos en si mismos. ¿Y el resto? Bueno el resto, descúbralo usted mismo. Imperdible. 

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La Pérdida Del Espacio/Tiempo De Lynch

Título: "Erasedhead" (1977). Director: . Guión: David Lynch. Música: David Lynch. Protagonistas:  Jack Nance - Jeanne Bates -  Jack Fisk - Jennifer Lynch.

Sin lugar a dudas que David Lynch es todo un personaje de culto dentro de la industria cinematográfica actual. Aunque la obra de Lynch, va claramente, contra la corriente dentro de lo concretamente comercial.
Podríamos escribir durante horas para lograr siquiera entender algo de su creatividad retorcida. Pero por ahora, nos limitaremos a analizar brevemente la que es su obra más experimental hasta ahora.

Luego de ser rechazada por varias productoras, finalmente Erasedhead (1977) pudo ser realizada, casi como si fuera un examen de grado, más también, un aporte a la industria under de esos años, entre Éxtasis y LSD.
Con una puesta en escena alucinante, en un formato más cercano al cine experimental vanguardista. La Opera Prima de Lynch, es un dolor de cabeza para cualquier psicólogo.
En un ambiente que no tiene ni espacio ni tiempo, tenemos a personajes bastante perturbadores. Que no hacen otra cosa, que seguir confundiendo al espectador con rebuscados simbolismos y extrañas metáforas.
Y es que lo más notable de todo, es que se pueden interpretar de múltiples maneras posibles.
Un hombre de apariencia deprimida y ausente, vive una vida monótona y sin matices. Un día, recibe una noticia que hará replantearse su existencia en virtud de sus anhelos sepultados y sueños desintegrados.

Aquel hombre pareciera ser el Alter Ego de Lynch, sumido en un complejo universo de expresiones tanto surrealistas, como abstractos. Sin embargo, ilustra de manera notable, el significado de la falta de propósito en la vida (que, dependiendo del punto de vista, no tiene nada de malo). Así también una paternidad obligada, y desprovista de toda emoción. Y lo que pareciera ser aún más alucinante: el caminar por el borde entre la realidad y la imaginación más desquiciada.
Pero no todo son “buenas noticias”, además tenemos fantasías sexuales reprimidas, y una muy aberrante alegoría al aborto.
La genialidad de Lynch, para exponer cada uno de sus tópicos de interés, sin necesidad de caer en emociones y representaciones baratas. Parecen un baile macabro hacia lo más profundo de la psiquis humana. En general, nos hace pensar, que todo es una invitación bizarra hacia lo más oculto que yace en la mente de un hombre, que pareciera no temer a la locura más oscura y desoladora.  

Es absurdo seguir describiendo el inicio (ya que es su primera película) del universo de Lynch. Principalmente, porque queda vulnerable ante las cosas más sencillas de la vida. Como por ejemplo, la paternidad inesperada y forzosamente aceptada. Representado como una criatura deforme y postrada, como cada uno de los espermios que permitieron engendrarlo. Es sin duda, la aparición de este ser, la manifestación del horror ante todo lo negativo que viene del exterior. Más su único refugio, es el gran universo que reside en su mente. Su única escapatoria, ante el hastío de una vida que no es vida, sino la condena de la existencia más abyecta. ¿No quisiéramos nosotros también escapar de nuestras propias miserias? Aquellas miserias que a nadie mostramos, pues no hay nada peor en el mundo, que vernos tan vulnerables como un bebé que depende del resto para sobrevivir. ¿No quisiéramos todos borrar de nuestras mentes todo aquello que nos ha hecho daño? Podemos escapar de la multitud, de todo aquello que nos impone una sociedad enferma, condenada, pero…. ¿Cómo escapamos de nosotros mismos?

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Pronto....

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Retrato de una posesión

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"...Este ingrato sabor de boca. "

                                        Título: "Castle Freak" (2020). Director:Tate Steinsiek.

El alicaído cine de terror actual, parece no importarle seguir pasando vergüenza con los remakes, reboots, entre otras basuras modernas.
Esta vez, le tocó el turno a un verdadero clásico de los noventa, Castle Freak (1995) Dirigida por el experimentado Stuart Gordon (RIP). Quien tiene una vasta trayectoria dentro del genero fantástico y de horror. Desde que supimos que se realizaría un reboot de El Exorcista, hoy ya casi nada parece sorprendernos. Lo interesante de todo, es que la mayoría de los remakes de ahora corren la misma suerte: todo el mundo las olvida en tiempo récord.
El híbrido (dicho desde el sentido negativo) que nos convoca, es una suerte de errores, tras errores. Mientras que Gordon pudo dar vida a una historia con mínimos recursos, generando horror y logrando una notable puesta en escena. Castle Freak (2020), es un disparate que no tiene ni pies ni cabeza, considerando que tenía tan solo un mínimo más de presupuesto que la versión original.
Puede ser (de manera muy remota), que las nuevas generaciones en algo la consideren atractiva. Pero quienes somos seguidores de las obras serie B de Gordon, agradecemos un millón de veces que haya llegado de manera directa al formato digital casero (porque es la única forma de olvidar, lo más rápido posible este ingrato sabor de boca).

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Fulci For Fake: Más Allá De La Mente Del Maestro

Título: "Fulci For Fake" (2019). País: Italia, Reino Unido. Director: Simone Scafidi. Guión: Simone Scafidi. Música: Federico Truzzi. Entrevistados: Lucio Fulci - Sandro Bitetto - Fabio Frizzi - Antonella Fulci - Camilla Fulci - Paolo Malco - Nicola Nocella - Davide Pulici - Michele Romagnoli - Sergio Salvati - Michele Soavi.

Notamos un susurro de angustia en la lejanía de tiempos pasados. Pero luego, un grito despavorido nos alerta que estamos frente a una verdadera joya cinéfila. Aquellos lamentos de ultratumba, vienen de las creaciones más escalofriantes de una mente que trata de exorcizar sus propios demonios internos. Esto es, lo que nos genera Fulci For Fake, un imperdible documental basado en la vida y obra de uno de los directores más reconocidos dentro del género del horror italiano. Sería un error mayúsculo, si nos dejamos llevar tan sólo por su truculenta y lúgubre filmografía. Pues, Fulci For Fake retrata de manera excepcionalmente poética, los episodios más significativos de su vida…. Una retrospectiva del hombre detrás de la leyenda. Desde su prometedora carrera en géneros tan variados como el spaghetti western, el drama, la aventura, ciencia-ficción, etc. Hasta aquellos acontecimientos dentro de su vida personal, que fueron determinantes. Una antesala al horror de sangre que correría entre la década de los 70¨s y principios de los 90¨s.

Fulci (reconocido casi como un director maldito), traspasó sus propios miedos y su inherente problemática por ser misógino en cada una de sus películas. En esencia, el documental nos lleva a distintas etapas, que a largo plazo, nos hacen entender del por qué Fulci tenía una violenta y oscura obsesión con la mutación (tanto a nivel físico como emocional) del comportamiento humano. Pues todos sabemos que los grandes filósofos, científicos, etc. eran reconocidos por su genialidad dentro de cada ambiente donde desempeñaban sus atributos. Pero que eran verdaderos casos perdidos dentro de su mundo más íntimo. Fulci, definitivamente no es la excepción a esta regla. Sus mayores penas, decepciones y enojos, fueron plasmados de manera gráfica dentro de sus películas más sobresalientes. 

¿Por qué Fulci no quiso entrar de lleno en el mainstream italiano? ¿Por qué prefirió realizar películas de bajo presupuesto? ¿Cuáles eran sus más grandes penas y angustias? ¿Amaba y odiaba simultáneamente a las mujeres? ¿Cómo era su relación con su familia?.... estos y muchos más cuestionamientos serán respondidos, por quienes trabajaron directamente con Fulci, y (por vez primera) sus únicas herederas nos adentran un poco más, en la mente de un director que inspiró a las nuevas generaciones.

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