jueves, 29 de noviembre de 2018

Cahiers Du Cinéma

Título: "Boarding School" (2018).
Género: Suspenso, Drama.
Director: Boaz Yakin.
Guión: Boaz Yakin.
Música: Lesley Barber.
Protagonistas: Luke Prael - Sterling Jerins - Will Patton.
La verdad es que si no hubiéramos visto antes Down A Dark Hall, Boarding School hubiera corrido mejor suerte en este Blog, ya que ambas tienen un argumento casi idéntico, si no fuera por un par de notorias diferencias. Pero el principio es exactamente el mismo, aunque la que nos convoca es mucho más enfermiza que la anterior mencionada. Pocas veces una película protagonizada por niños fue tan dramáticamente perturbadora (aunque midiendo claramente las proporciones, ya que en esta página hay aberraciones mucho peores, solo es cuestión de buscarlas para saber cuales son). Aún así, el director lleva las cosas hasta un límite permitido, ya que entre otras, aquí podemos encontrar primero que nada, sugerentes perversiones sexuales, degradación mental y hasta tortura. Pero por muy horrible que suene, están tratadas con bastante sutileza, para no caer en lo explícito, hay violencia, sangre y pequeñas almas atormentadas, pero con la medición necesaria. Aun así, hay bastantes cosas que ya habíamos visto, excepto la degradación sexual de un menor que parece un extraterrestre en medio de un mundo agonizante y desgastado. La película funciona en muchos aspectos, pero peca de poca originalidad y hasta casi de ingenuo desarrollo, porque más bien parece resentida al no tener los derechos absolutos del libro en el que se basa en parte la historia. En esencia es algo así como un plagio más oscuro, de una historia ya contada y sin mucha novedad más que para pasar el rato.


Título: "Cynthia" (2018).
Género: Terror, Comedia Negra.
Directores: Devon Downs, Kenny Gage.
Guión: Robert Steven Rhine.
Música: Todd Haberman.
Protagonistas: Scout Taylor-Compton - Sid Haig - Bill Moseley - Robert LaSardo.
Una pareja joven desean tener su propia familia, ella luego de un tiempo (como es lógico) se embaraza, pero algo anda mal…. Muy mal. Porque hay que ser sinceros, si quieren tener un bebé revisen bien entre los recovecos del vientre porque puede que se haya quedado “algo” atascado entre las vísceras. Y es que aquí podríamos pronunciarnos contra la negligencia de los médicos, que no saben reconocer cuando un engendro vomitable se abre camino desde el infierno, hasta nuestras eras tecno cerebros muertos. 
El bicho no podía conocer de otra forma el mundo, porque nacer de un tumor asquerosamente nauseabundo es para que se le quiten las ganas de engendrar hijos a cualquiera. Pero lo peor, es que los padres ni se enteran hasta que punto el semen y un óvulo pueden llegar a mutar en tal aberración que ni el mismísimo diosito la reconoce como parte de su creación. Más bien parece la mitad de un aborto mal hecho. Si amigos, así de triste es la pobre vida del bebé – bicho – cosa asquerosa llamada Cynthia, cuyo nombre irónicamente es lo más hermoso que tiene. Ahora bien, la película parece prometer más de lo que se puede esperar. Pero la verdad sea dicha queridos lectores, si bien hay momentos de lo más divertidos, por momentos se pone a explicar cosas que a nadie le interesan. Y ahí pierden momentos preciosos para hacernos disfrutar de verdad de este carrusel por la supervivencia infanto deformis, porque a la mugre esa le pasa casi de todo, cuando se propone buscar a una mamá que no tiene ni puta idea que tiene un protozoo con patas como hija. Pero no se engañen, que la (muy) mal parida no tiene un pelo de inocente, porque igual nació con el gustillo ese de andar despedazando a quien se le cruce en su camino. Y aquí la sangre no se hace esperar, aunque no es como aquella obra maestra de un tal Peter Jackson, porque tiene pocos pero buenos momentos de gore, aunque estén alertas, gran parte de la historia va por otro lado. La historia tiene más vacíos que lagunas mentales, porque seamos justos, en una horita y veinte minutitos son más que suficientes para contar una historia tan “familiar” como esta. Nosotros nos reímos, de lo ridículamente horrorífica que es, pero por otro lado si ven a su madre…. Díganle que su tumor hediondo la está buscando.


Título: "Replicas" (2018).
Género: Ciencia - Ficción, Drama.
Directores: Jeffrey Nachmanoff.
Guión: Chad St. John.
Música: Mark Kilian, Jose Ojeda..
Protagonistas: Keanu Reeves - Alice Eve - Thomas Middleditch.
Por ahí circulan varias pelis de Keanu Reeves, que al parecer no han tenido el interés necesario que las haga sobresalir de entre el montón. Y quizás esta tampoco es  muy original que digamos, es ¿Cómo llamarlo? Ah, sí… más de lo mismo en cuanto a pseudo dramas de ciencia – ficción respecta. Tiene momentos tan poco cinematográficos que es una de esas películas de fácil digestión, que van camino a convertirse en simples telefilmes que desembocan ustedes ya saben donde. Y Reeves no tiene la culpa, él solo es un instrumento de las estrategias de la demanda por películas que no cumplen otro propósito que el de llenar vacíos cuando los Blockbusters escasean. Por ello, no esperen encontrar una historia muy consistente, tampoco grandes actuaciones (más bien aceptables, pero nunca grandes), y un par de efectos especiales que parecieran que pidieran permiso por aparecer cada vez que se les necesita. En fin, una película con el efecto McDonald´s lo consumes, y luego lo desechas con total facilidad. Se deja ver, pero les aseguramos que luego no recordarán ni como se llamaba.

miércoles, 28 de noviembre de 2018

Cahiers Du Cinéma

Título: "Occupants" (2015).
Género: Suspenso, Drama, Ciencia -Ficción.
Director: Russ Emanuel.
Protagonistas: Robert Picardo - Michole Briana White - Michael Pugliese.
Últimamente se han visto un par de pelis que tratan de imponer una especie de úlcera ácida hacia nuevos formatos. Ya hemos mencionado el género experimental (que en realidad de nuevo no tiene nada), entre otros. Pero llama la atención, que si bien no están hechos para las masas, aún así tienen algo que aportar, independiente si lo podemos considerar mínimamente aceptable. Esta en particular, nos ha dejado un poco divididos pues la idea no es mala, pero está pésimamente tratada. Y otra vez, le vamos a echar la culpa al poco presupuesto, pero aún así aquí tenemos un tipo de formato que parece que esta tomando cada vez más fuerza (y al que nosotros lo hemos bautizado como Frame Movies: aquellas pelis que escapan del formato Mockumentary y se fusionan con la era del Internet y las RR.SS). Y creemos que poco a poco estamos explorando en terrenos absolutamente conocidos y desconocidos al mismo tiempo, porque una cosa es la era de la red, y otra muy distinta es aplicarla a un nuevo formato de cine. Hay algunos ejemplos de películas que terminaron siendo verdaderas perdidas de tiempo, en cambio hay otras que están demostrando que aquí, un nuevo género esta naciendo. Ahora bien, eso es lo que propone Occupants, aunque con más ganas que asertividad, para que podamos entender una historia que por momentos logra cierto ambiente confuso. A pesar que trata por todos los medios de crearnos el interés, tiene un estilo tan lineal, que todo lo demás resulta absolutamente inverosímil. Quizás por las malas actuaciones, quizás por el reducido presupuesto, quizás por una historia mal expuesta, quizás por todas las anteriores.


Título: "Aterrados" (2017).
Género: Terror, Policial.
País: Argentina.
Director: Demián Rugna.
Guión: Demián Rugna.
Protagonistas: Maxi Ghione - Norberto Amadeo Gonzalo - Elvira Onetto - George Lewis.
Cuando hay un poco más de recursos, se puede hacer una buena película de terror, independiente si la formula es literalmente robada de otras historias ya probadas hasta casi el agotamiento. Es el caso de esta cinta trasandina, que es como lo único sobresaliente que tienen si nos referimos en estricto rigor al género del horror paranormal. La historia no es la gran novedad, pero hay que reconocer que tiene momentos bastante interesantes cuando se trata de asustar (y se agradece que no nos obliguen a hacer alusión a los ridículos y baratos screamers, tan desgraciadamente de moda en estos tiempos de sequía creativa), aquí al menos hay algo mucho más interesante que ver. El problema es que la pretensión de que te llegue al menos incomodar (o asustar si se quiere), hace que la historia deambule por cominos insospechados, que caen muchas veces en una especie de laberinto difícil de escapar. Y ese puede ser el gran error de la mayoría de las historias demasiado rebuscadas (aunque esta no lo es tanto). Aun así, el tipo de trama policial mezclado con cuentos de ultratumba a veces pueden parecernos más que llamativo, casi descaradamente copiado de X Files, y aquí, aquellos códigos reconocibles dejan en evidencia que muchas veces vemos cine reciclado a diestra y siniestra. Lo raro es que independiente de los evidentes plagios (ocultados insuficientemente) esta película no ha sido mayormente dada a conocer. Si hasta muchos encuadres son obra y gracia copiadas de una copia, que copian a otra copia. Para ver sin hacer caso a tanto cliché junto, pero no obstante tiene momentos bastante escalofriantes.


Título: "Anne" (2017).
Género: Suspenso, Drama.
Director: Joseph mazzaferro.
Guión: Joseph mazzaferro.
Música: Mikee Plastik.
Protagonistas: Melissa daddio - Michael Kenneth Fahr - John Kyle.
Ella (la que da nombre a la película en cuestión), es una pobre anciana que vive sola en las afueras de la ciudad (¿Cuál cuidad?, poco importa). Su vida es tan monótona que somos arrastrados con ella a su desesperanzador letargo. Nos comenzamos a comer las uñas (y no acostumbramos a comernos las uñas), nos arrancamos un pequeño mechón de cabello (y  solemos usarlo muy corto), un dolor de cabeza nos comienza a golpear impune y sin piedad alguna (tarde mal y nunca solemos tener dolores de cabeza) ¿Pero por qué hemos sentido todo esto? Pues porque no hay nada en el mundo, que nos haya sofocado más que ver casi una hora y media de como alguien se puede volver loco, con un simple “haga esto todos los días”. Y si querían que sacara hora con mi psicóloga, pues lo han conseguido. Y lo peor de todo es que a veces nos gusta martirizarnos con este tipo de películas (que en realidad es un desafío de vida o muerte, para cualquiera que se atreva a verla). La película es tan exigua, que podemos imaginar que se trata del examen de grado de algún postulante a director de cine independiente. Aunque más bien (en estricto rigor) esto es claramente cine experimental, pero ojo que logra un efecto tan desesperante en el espectador, que la solución más obvia es dejarla de ver, o correr el riesgo de irte derechito al manicomio junto con la pobre infeliz. Sumamos al esquizoide paranoide un buen par de escenas gore que no dan risa, duelen de verdad, y el efecto sorpresa que valga la redundancia nos ha tomado por sorpresa. Densa como mascar arena, pero sin duda que esto no le resta puntos para que al menos la califiquemos de interesante, pero no cualquiera será capaz de soportarla….. a nosotros ya nos dieron el alta…… ¿y a ud?. Ojo, este es un tipo de cine de muy bajo presupuesto, pero que por lo densa que es, correrás luego a ver Toy Story. Sólo apta para inmunes a todo tipo de estados depresivos.


Título: "Killer Legends" (2014).
Género: Documental.
Director: Joshua Zeman.
Este interesante documental, si bien no lo conoce nadie, por lo menos aquí le damos tribuna. Y es que ya no recordamos hace cuanto tiempo que lo habíamos visto, y sólo ahora puede ver la luz. Aunque hay que ser sinceros, pues su formato es bastante simple tanto narrativa como técnicamente, pero se deja ver sin problemas. Aquí tenemos los asesinos más sanguinarios, que la historia más tarde los convertiría en verdaderas leyendas, y que mucho tiempo después serían material obligado para producir todas aquellas películas emblemáticas que el género Slasher nos ha regalado. Y la mayoría de sus iconos, aquí son ciento por ciento reconocibles. Lo malo, es que la visión del director es tan parcial que se olvida que el espectador un tanto morboso, se quiere quedar observando los detalles más escabrosos de los acontecimientos. En su defecto, realiza un aceptable, pero poco consistente ejercicio de investigación, que se queda siempre en la superficialidad del tema en cuestión. Faltó sangre, desmembramientos, gritos de pavor, policías confundidos sin saber que hacer, caos, caos, caos, y más caos. En fin, tratar de sentir algo, por mínimo que sea, a veces es más difícil de lo que se piensa.

Si va a utilizar este medio como material para su próximo vídeo, escrito, etc. 
Al menos háganos mención, no nos enojaremos,
recuerde que la creatividad vale, y mucho.
Gracias y recuerda que lo dijo primero: @Astrovoltrox.

domingo, 18 de noviembre de 2018

Como Trolear cinematográficamente! (y ojalá no morir en el intento...)

Título: "It Comes At Night" (2017).
Género: Terror, post apocalipsis.
Director: Trey Edward Shults.
Guión: Trey Edward Shults.
Música: Brian McOmber.
Protagonistas: Joel Edgerton - Christopher Abbott - Carmen Ejogo.
Una peli de zombies, pero donde no aparece ni un solo puto zombie (o al menos en estricto rigor) ¿eso es malo?, pues no. A esta interesante película debimos hace ya varios meses que darle un espacio, pero con tanta película (que como el muy paciente lector puede imaginar) vemos en tan sólo un mes, se nos fue quedando en el tintero. Entonces se nos ocurrió volver a hacer este mini recuento para darle un pequeño espacio a aquellas pelis, que como esta, han ido acumulándose sin perdón de dios en nuestro agonizante disco duro. Independiente si son buenas o malas, la mayoría serán incluidas, para que después no ande preguntando que peli les podemos recomendar o no. También (si el buen lector así lo quiere, y estime conveniente) puede entrar a las diferentes etiquetas donde están catalogadas por género, pero muy en el estilo de este Blog. No obstante, aseguramos que no son difíciles de reconocer (ejemplo: Cámara de torturas es igual a terror, y así sucesivamente). Bueno, como íbamos escribiendo It Comes At Night, tiene todo para ser una película de lo más interesante, principalmente porque juega con los códigos propios del género y lo transforma en algo totalmente nuevo. Si un personaje va caminando por un pasillo oscuro, y el picaporte parece ser manipulado desde el otro lado, este deja escapar una nerviosa exclamación: ¿Quién anda ahí? (como es lógico, nadie le va a contestar) pero con las tibias temblorosas pareciera que pidiera perdón por cada paso dado. Ya el dessichado, está casi más cerca de la puerta, y haciendo de tripas corazón, se dispone a abrir ¿saldrá algo disparado a arrancarle la carne a pedazos? pues no, ocurre algo totalmente inesperado, y así el estilo de esta peli, va sumando y siguiendo (y no por nada a todos a quienes se la hemos recomendado, nos terminan agradeciendo). Ahora como en cosas de gustos…. Si por esas casualidades de la vida no le gusta, ¿será por que está muy acostumbrado a cierto tipo de cine facilón y con poco valor cinéfilo? Puede ser (de hecho, así es, dirán otros) pero no se preocupe, a varios nos ha sorprendido gratamente y eso es lo único que cuenta. Comenzamos así una nueva publicación de lo más desagradable, si es sensible, mejor no siga leyendo, pues el efecto será In Crescendo.


Título: "Musa" (2017).
Género: Terror, Misterio.
País: España.
Director: Jaume Balagueró.
Guión: Jaume Balagueró, Fernando Navarro (basada en la novela escrita por: José Carlos Somoza).
Música: Stephen Rennicks.
Protagonistas: Elliot Cowan - Franka Potente - Ana Ularu - Leonor Watling - Christopher Lloyd.
Historias de brujas hay muchas, pero ninguna tan mal tratada como ocurre en este telefilme (que está clara y evidentemente realizada para terminar Uds. ya saben donde). Llama la atención el popurrí de ideas disfrazadas de enigmas que no son enigmas, extraídas de historias en plan Código Da Vinci (con peor suerte, claro está). Lo de verdad divertido, es que con tanto algoritmo intelectual casi al final “descubrimos” algo que en media hora de inicio ya sabíamos que y como ocurrirían los acontecimientos. Lamentablemente todo se nos antoja muy prometedor, porque no por ser un telefilme tendría que ser sinónimo de biohazard proyect (vamos a patentar estas palabras que suenan como titulo de un álbum de metal industrial) o en términos simples: sinónimo de película preservativa (o tóxicamente radiactiva… hoy estamos más que creativos para inventarnos palabras para definir a una película mala ¿será el calor? pues ya saben, si se nos escapan a futuro estos términos, advertidos de su significado). Para verla un aburrido domingo, después de la resaca de la noche anterior, pero cuidado…. Puede que termines quedándote dormido (¿por la película o por la resaca?... bueno eso tendrán que averiguarlo, si (es que) les interesa mis amigos). Decepcionante es que Balagueró nunca volvió a obtener el éxito desde Rec, a excepción de Mientras Duermes que hasta ahora, (al menos para nosotros) es una de las más sobresalientes desde la anterior mencionada.


Título: "Overlord" (2018).
Género: Terror, Segunda Guerra Mundial.
Director: Julius Avery.
Guión: Billy Ray, Mark L. Smith.
Música: Jed Kurzel.
Protagonistas: Jovan Adepo - Wyatt Russell - Mathilde Ollivier.
Películas que tienen un plus interesante, que va desde el open hasta bien avanzado el metraje, hay demasiadas. Lo extraño, es que luego de un momento las cosas se van poniendo color de hormiga, y cuando ya no se puede hacer más nada, el barco se comienza a hundir poco a poco. Justamente es esto lo que ocurre con esta película, que trata de ser una especie de hermano bastardo de Saving Private Ryan pero en plan X Men. No obstante, hay que reconocer que técnicamente la película tiene momentos bastante prometedores. Luego sugiere lo que en realidad estamos esperando ver, algo viscoso y deforme que se arrastra entre las oscuridad más asfixiante, y que termina por salir de entre alguna alcantarilla maloliente. Y es que las expectativas también hacen lo suyo, generalmente aparecen (las expectativas) para desilusionar al espectador. Por eso no nos dimos por vencidos tan fácilmente, y la devoramos por completo. Lamentable fue darnos cuenta, que la promesa nunca llegaría, y el monstruo deforme no era, no fue, ni será lo que tanto esperábamos ver. Y hay que ser sinceros, nos vendieron la historia como una especie de añoranza a aquella obra maestra del horror conocida tentativamente como La Cosa de Carpenter. Pero el efecto sorpresa nos mantuvo en ascuas (y a veces con una que otra tensión absolutamente bienvenida), la película seguía su curso, pero el efecto sorpresa prometido, más bien nos dividió. Si bien la historia ambientada en la Segunda Guerra Mundial, está bien dirigida, y de hecho entretiene bastante. Llegar a descubrir los experimentos que los nazis realizaron indiscriminadamente, nos ha despertado el morbo por saber lo que ocurrirá después. Pero luego todo se transforma en una especie de lucha cuerpo a cuerpo de mutante versus soldadito ultra resistente, como cualquiera de superhéroes de lo más infantil (y que como sabrán nuestros más incondicionales lectores, nunca ha sido de nuestro interés esa temática…. en caso que los nuevos, no lo hayan notado… aunque hay muy escasas excepciones). Entonces ¿Qué podemos esperar de esta cosa entre híbrida y pseudo bizarra? Pues nada, un salvavidas y un pito por si acaso necesitamos que nos rescaten, porque el efecto Titanic hará de las suyas. Desilusionante al por mayor, como cuando todo comienza bien (y de verdad que muy bien), pero termina mal…….muy mal.

To Be Continued....

Si va a utilizar este medio como material para su próximo vídeo, escrito, etc. 
Al menos háganos mención, no nos enojaremos,
recuerde que la creatividad vale, y mucho.
Gracias y abrazotes de: @TomAstrovolt.

sábado, 17 de noviembre de 2018

Hay viajes.... que duran toda la vida


Título: "Hostiles" (2017).
Director: Scott Cooper.
Director de Fotografía: Masanobu Takayanagi.
Guión: Scott Cooper.
Música: Max Richter.
Protagonistas: Christian Bale - Rosamund Pike - Wes Studi - Jesse Plemons - Adam Beach - Rory Cochrane - Ben Foster.
Como hemos dicho en publicaciones anteriores, no hay nada mejor que ver una película que nos de para pensar, y en su defecto que nos abra los sentidos a alguna de reflexión. Sin duda que ese tipo de historias no se pueden dejar pasar, siempre y cuando no caigan en algún tipo de excesiva pretensión. Es así, que la historia que presenta Hostiles, es en esencia universal, que no tiene ni tiempo, ni espacio, ya que prácticamente pudo ser contada en cualquier época, y de seguro tendría el mismo y profundo efecto ¿o quizás no? Pensándolo bien, puede que no.


Varias películas del género western tienen historias que transgreden el típico jueguito de pistolas y balas al aire sin sentido, y si bien no es necesario comenzar a enumerarlas, pocas tienen el nivel de sensibilidad y asertividad que desarrolla esta película, sobretodo porque va deshilando una trama que pareciera superficial (pero que en realidad no lo es) con una naturalidad que golpea como pocas. Por ello, aquí hay muchas preguntas que van saliendo a flote, que no intentan tocar para nada asuntos morales sino más bien cuestionan las actitudes del ser humano que nos puede llevar o a la miseria del alma, o a algo mucho mejor, algo que  finalmente nos haga mantenernos tranquilos con nosotros mismos. 


Podemos odiar, pero también amar, y durante la necesaria transición que nos obliga a pasar de una a otra, la llave que abre todas las puertas no es otra que el perdón, pero el perdón que nace del alma, no del pensamiento. Ahora bien, los personajes pasan por experiencias traumáticas muchas de ellas difíciles de superar, pero hay momentos en que llega la calma que es bienvenida como el mejor de los bálsamos. Y es que no muchos de ellos, ven mucho más allá de lo que se puede apreciar a simple vista. Como bien dicen, el tiempo suele ser de muy buena ayuda, aunque en el momento, no se logre entender de que va todo lo ocurrido y lo por ocurrir.


El luchar con el único fin de demostrar al resto que pueden doblegar a quien sea y como sea, pero que a medida que el tiempo pasa de seguro terminaría cansando a cualquiera. Y es eso justamente lo que propone (memorablemente, hay que mencionarlo) el director Scott Cooper, sobretodo en el personaje (y otro también, mucho más elocuente, pero eso tienen que descubrirlo por si mismos) del Cheyenne Yellow Hawk (interpretado sólidamente por Wes Studi) quien parece, que al final de sus días entiende mejor que nadie que toda lucha no ha sido en vano, siempre y cuando no sea ejecutada a través del odio, sino por el genuino derecho de defender lo que se cree es propio. Pero también es imposible dejar de lado una muy importante pregunta: ¿de que sirve todo esto, si estamos en el mundo un tiempo tan breve?, ¿vale la pena entonces odiar el resto de tu vida? ¿Para qué? Si las cosas pasan por algo, pero lo importante es como cada uno de los personajes pueden volver a ponerse de pie, dándose ellos mismos el tiempo necesario para una nueva oportunidad. Al final todos son personas, arrastran lo mejor y lo peor de cada uno, pero terminan aprendiendo lo que hasta ahora ignoraban. Pues de eso se trata la vida ¿no?


Es por todo esto (y más), que la película de Cooper es tan maravillosa de apreciar, y entender todos y cada uno de sus mensajes, que vale la pena descubrir. Sin dejar de lado el impresionante y sobrecogedor trabajo de fotografía a cargo del japonés Masanobu Takayanagi, que sin duda es uno de los más prolijos y cuidados que hemos visto este año. Hemos tratado de encontrar algo que no nos haya agradado de toda le película, pero no lo hemos conseguido, todo lo contrario, terminamos por agradecer que aún hay intensión de hacer buen cine. Porque a veces no basta con un puñado de buenas actuaciones y una historia profundamente reflexiva, también nos fijamos en la música (absolutamente sublime), y un excelente trabajo tanto técnico como artístico. Que nos termina no solo de convencer, sino pensar que aquí podríamos tener más de alguna sorpresa en la fiesta del tío Oscar, que se acerca a pasos agigantados. De ser así, ya se acordarán de nosotros.


Corre el año 1892, en un fuerte ubicado en Fort Berringer, Nuevo México. Ahí el capitán Joseph Blocker le es asignado la que sería su última, y más ingrata misión. Según órdenes estrictas, provenientes de Washington, el presidente ha ordenado una comitiva que lleve al prisionero jefe Cheyenne Yellow Hawk, y su familia de regreso a sus tierras ubicada en Montana. Blocker y Hawk se vieron enfrentados anteriormente en una sangrienta guerra, donde murieron tanto indios como soldados de su frente, quienes muchos de ellos también eran sus amigos, por lo que ante su evidente negativa es amenazado con una corte marcial de no cumplir con el propósito del gobierno. Sin más remedio, Blocker recluta a sus mejores soldados, quienes también los une una profunda amistad. Emprenden así una travesía que inicialmente está marcada por el odio y el rencor, pero no sospechan que más bien sea un necesario viaje de redención.


Impresionante actuación de Christian Bale en su papel del capitán Bloquer, principalmente porque logra manejar perfectamente los cambios al que es sometido su personaje, haciéndolo siempre reconocible, pero que entrega varios matices bastante interesantes de ver a medida que la historia nos van entregando momentos de profundo significado. Lo acompañan también varios actores, que por muy breve que sea su participación en la historia, no pasan desapercibidos: Ben Foster (interpretando al sargento Charles Wills, que como siempre le aporta un impresionante grado de intensidad a los momentos clave de la trama), lo mismo ocurre con Scott Wilson (que en paz descanse, y que en la película esta más hostil que nunca), y Timothée Chalamet, entre otros. 

    Una de las mejores películas del mes, con potentes y muy inteligentes diálogos que no deben dejar pasar.

Escribir suele dar hambre 
@TomAstrovolt

viernes, 16 de noviembre de 2018

Abran paso a la Reina!

Título: "Bohemian Rhapsody" (2018).
País: Reino Unido.
Director: Bryan Singer.
Guión: Anthony McCarten, Peter Morgan.
Música: John Ottman.
Protagonistas: Rami Malek - Joseph Mazzello - Ben Hardy - Gwilym Lee - Lucy Boynton - Aidan Gillen.
Cuatro años demoraron en sacar a la luz, la que podría ser una de las películas más esperadas del año. Pues como el buen lector sabrá, la mayoría de las producciones tienen una larga preparación, incluso mucho antes de que la película sea filmada. Ahora bien, hay que ser justos, principalmente porque por estos lados, recién ahora (hace tan sólo unas pocas semanas) que creció la expectativa por conocer la historia de una de las bandas iconos del glam rock inglés.
Lo primero que llama la atención, es el magnífico trabajo de dirección a cargo del experimentado Bryan Singer. Pero como no todo suele ser miel sobre hojuelas, Singer tuvo varios problemas durante el rodaje. Según un comunicado emitido por el propio realizador en su momento, aseguró tener problemas con un familiar que se encontraba delicado de salud. Justificaba así, los motivos por el cual Singer se ausentaba en varias oportunidades de los rodajes, y que Fox no le daba los permisos necesarios para ocuparse de asuntos ajenos a la realización de la película. Pero siendo aún más amarillistas (perdónanos Kubrick), otros aseguran que la relación entre Singer y Rami Malek (quien interpreta a Freddie Mercury) durante los rodajes nunca fue de las mejores. Ahora bien, se preguntarán por que les contamos esto. La respuesta es práctica y fácil, ya que algo similar ocurre en los momentos más significativos de la película.
Como es de esperar, el resto de la producción fue terminada (al menos en las partes finales) por Dexter Fletcher (quien tiene más experiencia en series de televisión que en el formato cinematográfico). Lo importante, es que sin importar los por qué, el producto final es absolutamente aceptable. Otro punto que llama la atención, es que el guion no hace esperar a lo que el público realmente espera ver. Puesto que aquí, no tenemos una investigación exhaustiva de la vida de Mercury mucho antes de hacerse famoso. Y quizás esto puede llegar a desilusionar a los fanáticos más acérrimos. Esperábamos algún flashback, o algo que nos conectara con el hombre detrás del personaje (porque Mercury era un personaje visto desde cualquier ángulo). Lamentablemente, esto nunca ocurre, y posiblemente puede parecer para algunos, como una película facilista (de hecho lo es) que no se da el tiempo, para dar a conocer lo que no sabíamos sobre uno de los músicos más carismáticos que pasaron por este extraño mundo.
No es difícil dilucidar entonces, lo que puede compensar esta falta de rigor en formato biopic. Primero la interesante interpretación de Malek (como es lógico) y segundo, la sencillamente espectacular forma en la que fueron creadas aquellas maravillosas canciones de la banda Queen, que tantos recuerdos nos han vuelto a traer este año que nos deja (por fin). Si bien, el mencionado carisma de Mercury no era para nada gratuito, también arrastraba consigo una impresionante carga de arrogancia que lo llevó a tener problemas principalmente con la banda y prácticamente con todos los que lo rodeaban. Y aquí han utilizado inteligentemente, el humor para que el personaje (por muy conocido que fuera) no terminara por caernos como una patada en el estómago (y se agradece). El resto quienes interpretan a los integrantes de Queen tienen interpretaciones correctas, pero lo que indudablemente llama la atención es el increíble parecido con los músicos originales, además es imposible no mencionar a Joseph Mazzello (¿recuerdan a Tim en Jurassic Park?), quien sobresale en ciertos momentos de la historia.
Muchos dirán que Mercury era Queen (no literal como podríamos fácilmente aprovechar de enfatizar), ya que la banda se hizo famosa principalmente por transgredir toda norma que les podría asegurar un éxito indiscutido (y de cierta forma así fue). Pero se arriesgaron al exponer una propuesta distinta a lo que presentaban la mayoría de las bandas de su época. Y la película tiene momentos al respecto tan memorables, que pueden (y sin llegar a exagerar) emocionar hasta las lágrimas. Sin dejar de lado, que todos fueron verdaderos artistas durante el proceso creativo de las canciones más conocidas, que son justamente eso: verdaderas obras de arte.

Por un lado simplista, pero que a pesar de ello, logra momentos tan poderosos como emocionantes, un deleite para fans, y para los no tanto también.

Pd: impresionante voz de Marc Martel!

  @TomAstrovolt 

jueves, 15 de noviembre de 2018

Escribir no es fácil...

Título: "The Wife" (2017).
Países:  Suecia, Reino Unido, Estados Unidos.
Director: Björn Runge.
Guión: Jane Anderson (basada en la novela homónima escrita por Meg Wolitzer).
Música: Jocelyn Pook.
Protagonistas: Glenn Close - Jonathan Pryce - Christian Slater - Max Irons - Annie Starke - Harry Lloyd.
Todo el mundo tiene diferentes destrezas, claro está. Escribir por ejemplo, es uno de los más auto flagelantes  (al menos intelectualmente). Principalmente porque no es fácil unir las palabras adecuadas, para dar contexto a alguna idea o palabra extraídas de nuestro pensamiento que sea digna de comprensión para el futuro lector. Escribir no es fácil, sobretodo para quien no tiene el talento innato para ello. Escribir no es fácil, y aunque se lea increíble, para el escritor reconocido tampoco lo es. ¿Cómo superar aquella obra que vendió miles de copias? ¿Cómo asegurar que el próximo libro será aún mejor que el anterior? Por imposible que esto pueda llegar a parecer, aquí todo es posible…. Mientras el escritor sea siempre el mismo. 


Una mañana cualquiera, suena el teléfono incesantemente. Al parecer, aquel sonido constante y característico trae consigo buenas noticias. Sin perder más tiempo, Joe Castleman levanta el auricular y la voz del emisor es amena y absolutamente tranquilizadora. Las buenas nuevas no podían ser más oportunas, considerando que su nueva novela se había convertido casi automáticamente en un éxito de ventas. Por ello, se inician los preparativos para viajar hasta Suecia donde Castleman será condecorado con el prestigioso Premio Nobel de Literatura. El escritor viajará con su abnegada esposa Joan y su hijo David, en una especie de apoyo o más bien un cable a tierra, en vista de acontecimientos llenos de entrevistas, flashes y reconocimiento. Al parecer todo acontece como lo esperado, sin grandes contratiempos y cumpliendo todo tipo de protocolos, pero a veces hay cosas que no se pueden mantener más tiempo ocultas.


Desde su estreno que se viene anunciando, como una de las favoritas para ser nominada con un premio de la Academia  a Glenn Close como mejor actriz, por su papel de la esposa de Joe Castleman. En lo personal, al principio no nos hizo mucho ruido, pero ya al terminar de verla notamos aquel poder clásico interpretativo, que podemos comparar sólo con una de las grandes en esta materia como lo es Meryl Streep. Su personaje tiene claros tintes de sobrios comportamientos, pero que aún así hay momentos en la película que requieren algo más que expresividad exagerada para representar algún tipo de sentimiento. Y en esto Close esta simplemente soberbia. Principalmente porque su personaje esta cubierto por una gruesa capa de enigmas, logrando sorprender en los momentos más dramáticos de la historia, inevitablemente porque ahoga una a una toda frustración, toda vehemencia que la obligue a explotar en cólera como se espera, pero que en su defecto su emocionalidad va por otro camino.


Dirigida de manera impecablemente elegante por el sueco Bjorn Runge, quien logra mantener un ritmo progresivamente sofisticado en las situaciones más críticas de la película. A esto sumamos también un muy cuidado trabajo de ambientación y la inigualable musicalización de Jocelyn Pook (¿Recuerdan Eyes Wide Shut?). Sin dejar de lado la muy interesante interpretación de Max Irons (hijo de Jeremy Irons), quien en determinados momentos logra estar a la altura de Close y Jonathan Pryce (quien en su papel de Castleman esta simplemente insuperable).


En definitiva, una película para otro tipo de público. Uno que sepa apreciar delicadas partituras de violín que por momentos pueden llegar a estremecer el alma. Ostentosa ambientación, que van variando según los estados de ánimo de sus personajes, una historia sólida y poderosamente significativa, una impecable dirección que parece que tuviera miedo de pasarse de la raya con caer en lo común y vulgar, y un par de sorpresas interpretativas como Irons y Annie Starke (hija de Close) que dan aún mayor realce a esta muy  interesante película (para otros pretenciosa) ¿Y es que se puede pedir algo más? 

@TomAstrovolt

miércoles, 14 de noviembre de 2018

Canta hasta morir

Título: "A Star Is Born" (2018). 
Director: Bradley Cooper.
Guión: Eric Roth, Bradley Cooper, Will Fetters.
Protagonistas: Bradley Cooper - Lady Gaga - Andrew Dice Clay - Dave Chappelle -
Sam Elliott.


Muchas veces los remakes de películas dramáticas suelen ser mejores que la propia película original. Quizás porque aquí (por ejemplo) lo que importa no son los efectos especiales (recurso imperante en la mayoría de los remakes de ficción que hemos visto este último tiempo), y alguna que otra variación de su historia. Sino que todo lo contrario, basta con una buena dirección y actuaciones sobresalientes para que tengamos algo mínimamente aceptable. Pero también podemos sumar algo que llegue más que una buena historia de amor, tener canciones honestas que llenen de miel el ambiente. Y esto es precisamente lo que ocurre en A Star Is Born, lo primero que nos llama la atención es la indudable capacidad que tiene Bradley Cooper para dirigir una película que pasa por distintos estados de ánimo, muchos de ellos de lo más liviano. Pero que cuando es necesario, puede aplicar cierto dramatismo en los momentos más interesantes de la película, y sorpresivamente no cae en la exageración lacrimógena en la que podría transformarse fácilmente su historia, todo lo contrario A Star Is Born es absolutamente disfrutable.


El argumento es bastante sencillo (casi ingenuo), pero dueño de un encanto que se basa principalmente en las actuaciones de Cooper y Lady Gaga, quienes juntos tienen una química innegable. Es como aquellas parejas del cine con las que puedes disfrutar sin culpas, y que además puedes llegar a querer sin remordimiento alguno. Y algo así ocurre, cuando Jackson conoce a Ally, él es un famoso cantante de música country que tiene serios problemas con las drogas y el alcohol. Ella es una chica que trabaja como mesera y que en ciertas noches canta en un bar casi por cumplir un favor que por gusto. Una noche Jackson, después de un show decide buscar un lugar para beber, y casualidades de la vida (al no encontrar ningún lugar abierto) decide tomar un par de copas en aquel local, conocido por presentar distintos shows de transformistas. Y esa noche Ally realiza su presentación, dejando a Jackson evidentemente impresionado con su calidad vocal. Poco a poco se van comprometiendo cada vez más, hasta terminar en una relación seria, por ello la oportunidad de su vida se presenta cuando Jackson la anima para que cante con él en uno de sus shows, haciendo que progresivamente gane cada vez más notoriedad.


La transición de actor - director no debe ser fácil, básicamente porque son disciplinas totalmente distintas que obviamente se complementan entre sí, pero que tienen una dinámica totalmente opuesta. Algunos como Clint Eastwood o Mel Gibson han demostrado que no solo han tenido talento delante de las cámaras, sino que también estando detrás de ellas. Y midiendo las proporciones (por motivos obvios), podemos decir que Cooper va directo por ese camino. A Star Is Born es una película ligera, pero que en ningún caso eso le resta importancia a la historia o incluso a las actuaciones (que aquí están bastante interesantes). Y hay que ser justos, ya que Gaga tiene momentos en los que está a la altura de cualquier actriz de carácter (y quizás no por nada, ganó un premio por su participación en American Horror Story hace un tiempo atrás). A todo esto sumamos las canciones incluidas en la banda sonora de la película que son simplemente maravillosas, y que nos lleva a pensar sin dudar que Cooper (que lo conocimos hace años atrás con la película de terror Midnight Meat Express por allá en el 2008 (hasta ahora la única película memorable de Ryûhei Kitamura según nuestro Cinemaradar)) tiene algo más que decir dirigiendo, ahora tímidamente pero por algo se empieza.


Entrañable, y sensible, pero que se toma muy en serio a si misma cuando debe hacerlo, y eso se nota en la pantalla, en los personajes principales, en su música y por consiguiente se agradece. Por otro lado, para Gaga esta es simplemente la película perfecta. ¿Nominaciones? tal vez a mejor canción, y alguna sorpresita por ahí (uno nunca sabe). 

 Andamos sensibles así es que seguiremos con el drama 
(Se agradece la comprensión)
@TomAstrovolt

lunes, 12 de noviembre de 2018

El cine de la vieja escuela no ha muerto!

Título: "BlacKkKlansman" (2017)
Director: Spike Lee. 
Guión: Spike Lee. 
Música: Terence Blanchard. 
Protagonistas: John David Washington - Adam Driver - Laura Harrier - Jasper Pääkkönen - Topher Grace.
Quizás esta es la primera vez, que publicamos un comentario sobre alguna película de Spike Lee. Y quizás, no existe explicación pero la verdad es que nunca es tarde. Sobretodo si consideramos que, de Lee no sabíamos prácticamente nada desde aquél fracaso que significó el remake de Oldboy, allá por el 2013. Increíble nos parece, que estando más que probada la formula, no siempre se asegura un éxito con los remakes (más bien el riesgo siempre es mayúsculo). Oldboy se fue derecho a la lista de aquellas películas que nunca debieron volver a ser realizadas, y los motivos son tan obvios que es casi imposible describirlo. Pero hoy Lee, ha regresado en gloria y majestad con su peculiar estilo (siempre ácido y burlón). Para quienes no estén familiarizados con el cine de Lee. 


Sólo basta mencionar que en la mayoría de sus películas, siempre hay una crítica política potente y mordaz sobre determinado tema en particular. A veces suele ser muy dramático, otras tantas demasiado irónico. Y muchas otras, no duda en burlarse de todo aquello catalogado como políticamente  correcto, sobretodo en asuntos relacionados con el racismo y la desigualdad social. Por ello, no es difícil imaginar que su cine no es apto para todo público (al menos para quienes no sean capaces de separar cine, con ideologías varias). 


Para Lee la ausencia tras las cámaras, no pudo ser más provechoso. Principalmente, porque ha vuelto al estilo que alguna vez lo hizo famoso. BlacKkKlansman está basada en la increíble novela escrita por Ron Stallworth. En ella, cuenta su propia historia cuando se incorporó al departamento de policía en 1970, en Colorado Springs, Colorado. 


En aquellos años, aún el racismo era imperante en la sociedad estadounidense, más aún en los departamentos de policía en general. Y Stallworth, fue determinante al pasar por sobre cualquier obstáculo que le impidiera ejercer cualquier tipo de derecho como ciudadano. Fue así, que progresivamente se convirtió en el primer detective de color infiltrado en nada más ni nada menos que en el Ku Klux Klan. Sin dejar de mencionar, que se convirtió en el primer detective de color del departamento de policía de Colorado Springs. 


Como el querido lector puede imaginar, esta irónica historia no podía ser contada por nadie más (al menos a nivel cinematográfico) que por el mismísimo Spike Lee. En ella, Lee se da rienda suelta a su creatividad tanto artística como narrativa, para dar forma a un guion tan insólito como interesante. Las actuaciones son todas insuperables, en las que destacan como es lógico las de John David Washington (hijo de Denzel Washington, quien trabajó con Lee en 1992 en Malcolm X) y Adam Driver (Star Wars: Episodio VIII (2017)) en los roles protagónicos (aunque Driver no dejó casi hipnotizados, ¿recuerdan lo que dijimos hace casi un año de Sam Rockwell, y lo que pasó después?, si no, no importa sólo no lo pierdan nunca de vista! tiempo al tiempo, dicen por ahí) 😉


Lo primero que llama la atención de BlacKkKlansman, es el tratamiento que le ha dado el director a cada una de sus imágenes. Puesto que tanto la producción, como la ambientación son prácticamente impecables. Y si bien, estamos hablando de un drama con toques sutilmente interesantes de comedia. Casi la podríamos calificar, como una sátira hacia todas las represiones sociales que siendo un reflejo del  pasado, son como de la edad de piedra. Por ello, a medida que los acontecimientos se van sucediendo, Lee no le incomoda en lo absoluto criticar incluso todo lo que ocurre a nivel social y político pero extendidos a los tiempos que vivimos hoy en día. Y muchos de ellos, no serán (de seguro) del agrado de todos. No obstante, tenemos en BlacKkKlansman lo mejor de un director que ya creíamos retirado, pero que sigue sorprendiéndonos cada vez más. 


Como es de esperar, ya está considerada como una de las favoritas para ganar el premio de la Academia, y tiene más de algún atributo para lograrlo. Sin duda, es lejos una de las mejores películas del año. Digna de análisis, y absolutamente disfrutable. 

                  Esto es cine de la vieja escuela señores! (y ya pedíamos a gritos que volviera). Imperdible.

                  Ha escrito para ustedes @TomAstrovolt Saludos y veremos que nos depara Noviembre.