Lo peor que puede ocurrir, es que los pacientes se maten entre sí

Título: "Hotel Artemis" (2018). 
País: Reino Unido.
Director: Drew Pearce. 
Guión: Drew Pearce. 
Música: Cliff Martinez. 
Protagonistas: Jodie Foster - Dave Bautista - Sofia Boutella - Sterling K. Brown - Jeff Goldblum.

En un futuro no muy lejano, los criminales más peligrosos tienen su propio hospital llamado Artemis (que a ciencia cierta es un hotel multiservicios). Todos deben cumplir con varias reglas estrictas para poder entrar, y ser atendidos por la enfermera Jean Thomas y su ayudante Everest. Pero la llegada del que se autoproclama como dueño del hotel, conocido como El Rey Lobo que ha sido gravemente herido, pondrá en jaque el futuro del lugar. 

Sinceramente, esta idea de un hotel para criminales, nos resultó tan curiosa como arriesgada. Y significa el debut del guionista y productor Drew Pearce. El director se hizo de un reparto bastante interesante y diverso para contar una historia que prometía. Y como es obvio, lo primero que llama la atención es el conflicto global en el que se centra su historia. Sobretodo uno que hace mucho tiempo está sonando en nuestros días, y que tiene relación con el recurso vital del agua. Antojadizamente esta ambientada en 2028 (porque prácticamente ya vamos a su encuentro), por lo que no deja de tener un plus interesante. Ahora bien, la peli en sí tiene un argumento y no es la típica de acción con balas rozándonos la cabeza. Más bien trata de entrar en los conflictos internos de algunos de sus personajes, en un mundo que al parecer esta cayéndose a pedazos. Y Pearce nos presenta una distopía, con un futuro muy poco prometedor. Desde el ángulo que se la mire, aquí no hay un solo indicio de esperanza frente al caos. Y muchos de sus personajes, son tan poco fiables como casi ajenos a la destrucción masiva. Pero ojo, que todo lo que comentamos ocurre en segundo plano. La mayor (y principal) parte de la historia tiene curso dentro del dichoso hotel. 

Llama la atención el personaje de Jodie Foster (que como siempre está impecable en su papel de enfermera de narcos, aunque claramente no es uno de sus mejores trabajos). Ya que pareciera, que en conjunto con aquella mole que es Dave Bautista personificando a Everest. Son casi los únicos personajes que tuvieran un mínimo de cordura frente a una noche, que es lo más cercana a un campamento de caídos en plena guerra. Y aquí nos detenemos un momento, para destacar la actuación del desconocido Charlie Day que fácilmente su personaje pudo entregar mucho más de lo que se podía esperar. Pero así estaba escrito el guion, y no había más por hacer. 

La propuesta no es mala, pero hay demasiadas promesas que jamás llegan. Y eso la condena prácticamente al olvido. Sin mencionar, el casi ridículo facilismo con el que el director resuelve varios cabos sueltos en la historia. Faltó más espectacularidad (y con esto no nos referimos a basuras tipo Skyscraper) sino algo de la trama que nos haga sentir un mínimo de emoción al verla. Pero en cambio, tenemos diálogos vacíos sin mucho asunto y un efecto sorpresa prácticamente que brilla por su ausencia. Hemos visto películas lineales y monótonas, pero esta no hace el más mínimo esfuerzo por tocar ninguno de vuestros sentidos. Y eso no sólo la hace una película lineal y monótona, sino también mediocre desde cualquier punto de vista.

Saludos y nos vemos en la próxima. 

Escribió para ustedes: @TomAstrovolt

Zombistica 10: Como pecas, pagas.

No tenemos idea si el apocalipsis en el cine refleja una duda, o más bien un anhelo. Principalmente porque quizás la mayoría de los mortales han querido mandar el mundo a la mierda, pero infructuosamente. Y no la habíamos  incluido a nuestro ciclo zombistica (hasta ahora), porque su protagonista nos ha dejado un tanto consternados. 

Claudio es el típico ejecutivo hijo de puta, exitoso y bien parecido que le importa un reverendo huevo el dolor ajeno. Vive su vida, en pro de los beneficios que este puede sacar de ella. Pero la suerte se le acaba bastante pronto. Ya que mientras va rumbo a una importante reunión de negocios, un caos que se inicia como un simple accidente termina transformándose en el fin de la humanidad. Y cuando el horror se desata, se queda atrapado a mitad de un piso en un ascensor. 

Debemos ser sinceros, puesto que al ver esta película italiana, nos acordamos de Fulci, Argento, y otros padres del gore, más que nada por prejuicio (pero en el buen sentido de la palabra). Ya que esperábamos ver desmembramientos varios, y un festín repulsivo de gore. Pero nos llevamos una sorpresa, al descubrir que eso aquí era más bien bastante medido. Por que claro, si bien aquí encontramos un par de escenas sangrientas, estas no son las protagonistas de la historia. El enfoque del director Daniele Misischia, va más bien hacia el castigo (y tortura psicológica) de un personaje desagradable, que añoramos que los zombies se den un festín con su carne. Y si bien, no escribiremos si eso ocurre o no, al menos podemos mencionar que basta dejarlo encerrado en un ascensor para que de hijo de puta, pase a ser un pobre hombre tratando de salir con vida, ante algo que se nos antoja inevitable.

Los momentos de humor negro de Misischia no se hacen esperar (algunos de ellos bastante notables). Pero muchas veces cae en lo ridículo de ciertas situaciones, haciendo que el interés decaiga. Primeramente porque trata de darle una vuelta al genero, pero con muy pocas sorpresas. Cayendo varias de sus situaciones en lo predecible. Al menos se pasa un buen momento viéndola, ya que tiene todo lo que se puede esperar de ella, pero a un nivel menor en comparación a lo que hemos visto antes. Por momentos claustrofóbica, por otros parodia casi al por mayor. 

Título: "L'inferno fuori" (2017).

País: Italia.

Director: Daniele Misischia. 

Guión: Daniele Misischia, Cristiano Ciccotti. 

Música: Isac Roitn. 

Protagonistas: Alessandro Roja - Claudio Camilli - Euridice Axén - Benedetta Cimatti - Bianca Friscelli.

Y aún no se acaba este ciclo, sobretodo porque se nos viene el tan esperado mes del horror, saludos y nos vemos en la próxima 

@TomAstrovolt

De Noche Salen Los Monstruos

Título: "The Monster" (2016).

Director: Bryan Bertino. 

Guión: Bryan Bertino. 

Música: Tomandandy.

Protagonistas:  Zoe Kazan - Ella Ballentine - Scott Speedman - Aaron Douglas.

Lizzy es una niña que vive en constante conflicto con su madre alcohólica. Al parecer, su relación está cada vez más deteriorada. Por ello, Lizzy toma la decisión de irse a vivir con su padre. Su madre aún con resaca de la noche anterior, la lleva sin mayor problema. El viaje es relativamente largo, y no queda exento de discusiones y demostraciones de cuanto la niña odia a su madre. Al caer la noche, la madre sigue una ruta que cruza un espeso bosque. Y mientras iniciaban una conversación, que al parecer las guiaba a hacer las paces entre ellas, su auto choca con un lobo haciendo que queden desamparadas en medio de la nada. Mientras esperan que la ayuda llegue, Lizzy y su madre corroboran si el lobo sigue con vida. Pero no tardarán en darse cuenta que no están solas. Algo salvaje y desconocido se oculta entre la espesura del bosque. Y la ayuda parece que no llegará pronto.

Quizás el nombre de Bryan Bertino no les diga mucho. Pero si recordaran Los Extraños, aquella sádica slasher que nos sacó más de algún escalofrío. Ahora bien, aclarando esto Bertino es algo así como un director emergente dentro del género del horror (quien también es escritor y productor). Un director menor si se quiere, pero con un talento comprobable en el manejo del terror más agresivo y subjetivo. Y con esta película, demuestra que el drama también es uno de sus fuertes. Ya que sin tener mayor información sobre la historia, nos hemos dejado llevar hasta desembocar en una situación directamente paranormal. Que al principio, no tiene mayor relación con todo lo que se nos muestra al inicio. Pero luego entendemos la visión de Bertino, puesto que transforma lo cotidiano en algo absolutamente extraordinario. 

Lo que agota un poco, es el conflicto madre/hija, ya que si bien hay momentos conmovedores, por otro lado nos deja la duda si hay algo más que eso. Y si bien la historia no evoluciona mucho que digamos (ya que el núcleo de todo es la hija, y su relación amor/odio con su madre). Justo entre  medio, aparece el bicho para empeorar aún más las cosas. Lo interesante es que el mensaje (algo obvio), de que en los peores momentos recordamos cuanto queremos a una persona, hace que de personajes asustadizas, pasen a ser verdaderas mártires. Pero en fin, volvemos al punto de partida mencionando que Bertino tiene un absoluto control en el manejo del suspenso (y de los actores, hay que decirlo), y a pesar que esta no es la gran película. Al menos se hace totalmente disfrutable (y como solemos decir) si no le exiges demasiado.

@TomAstrovolt

"Los pequeños necesitan gas, pero con los más grandes.... con una bala basta"

Título: "Armomurhaaja" (2017).
País: Finlandia.
Director: Teemu Nikki.
Guión: Teemu Nikki.
Música: Timo Kaukolampi, Tuomo Puranen.
Protagonistas: Matti Onnismaa,  Jari Virman,  Ilari Johansson,  Santtu Karvonen, Hannamaija Nikander,  Heikki Nousiainen,  Pihla Penttinen,  Jouko Puolanto, Alina Tomnikov.

Esta es una de esas películas que siempre estamos esperando ver. Pero necesariamente, hay que ir por ellas para que el encuentro sea posible. Y puede que comencemos esta nueva publicación, con terminologías bastante básicas. Pero es lo que se nos viene a la mente de momento, (tampoco pretendemos ganarnos el Púlitzer, y terminando con nuestro innecesario preámbulo algo sarcástico…. Proseguimos). 

En aquella búsqueda, nos topamos con esta pequeña gran maravilla finlandesa de título casi impronunciable. Y uds amables lectores, se preguntarán (quizás) por qué es una pequeña gran maravilla. Pues la respuesta, se nos antoja un poco con aroma a laureles. Ya que, si bien estamos frente a una película dramática con toques de suspenso bastante crueles (por mencionarlo de paso). También nos puso los pelos de punta, por lo perverso de su humor, (que es más negro que la noche misma) y a decir verdad pocas historias se pueden jactar de ser comedias negras, sin caer en exageraciones para obtener reacciones fáciles y efectistas. Este no es el caso, y para ilustrarlo mejor, quizás a algunos no les agradará lo que leerán a continuación……

Veijo es un hombre que se gana la vida como mecánico. Pero en el pueblo donde reside, es conocido por practicar la eutanasia ilegal a mascotas. Su técnica suele ser fría, rápida e indolora, y (cosas de la vida) gana más dinero matando animales que arreglando motocicletas. Lo interesante, es que Veijo tiene una sensibilidad especial para comunicarse con los animales que están por pasar a mejor vida (o peor, bueno es que a ciencia cierta no lo sabemos). Con tan sólo un pequeño momento de interacción casi paranormal, basta para que Veijo perciba si el animal merece ser sacrificado, o su mal más bien tiene que ver directamente con los malos cuidados de su dueño. Su práctica, de inmediato es un obligado cuestionamiento moral. Pero no deja de sorprender, la cantidad de personas que deciden terminar la vida de sus inocentes mascotas. Ante esto Veijo tiene una especie de filtro ultra sensible, y son las mismas mascotas quienes le advierten si su sacrificio es necesario, o una simple maldad de sus dueños como alternativa para deshacerse de ellos. Y es que más allá de lo que se pueda pensar (y tal vez sea una contradicción casi enfermiza), Veijo ama a los animales. Pero es mejor terminar con su miseria, antes que seguir viviendo en ella. Por ello, Petri llega un día en búsqueda de ayuda para terminar con la vida de su mascota, que al parecer tiene una enfermedad incurable. Pero el animal en una de esas comunicaciones extrasensoriales, advierte que no tiene ninguna enfermedad, y sólo la quieren matar porque se han aburrido de ella. Por ello Veijo decide no sacrificarla y adoptarla sin que Petri se de cuenta. Pero no tardan en reconocerla, y una serie de hechos desafortunados (¡!) harán que las cosas se pongan bastante serias. 

Sin caer en una sobrecarga de calificativos, para dar nuestra humilde aprobación a esta obra de carácter conceptual (que tanto nos gusta). La atmósfera en la que se desenvuelve esta original historia, es lúgubre por decirlo menos. Ya que nos muestra en lo que se puede convertir el humano, al despojarlo de sus emociones más nobles. Y por ello, la visión del director es ante todo fría, pesimista y muy agresiva. Es su cruel visión sobre una sociedad atemporal, pero que podría ser fácilmente atribuida a la que vivimos hoy en día. Y es que se toma atribuciones bastante violentas, al momento de imponer su mensaje de vida y quien es capaz de quitarla como quien quita cualquier objeto que nos obstaculiza el paso. Y el mejor ejemplo de ello, es el padre de Veijo que se encuentra postrado en cama esperando una muerte lenta y dolorosa, como alguna clase de castigo que debe ser pagado. 

El director sugiere a Veijo como una especie de semidiós vengador, pero que también tiene carencias afectivas (más bien sed de venganza), O imperfecciones emocionales como las de cualquier humano. Sin duda que podríamos seguir escribiendo al respecto, pero en conclusión esta película plantea reflexiones límites bastante desoladores. Dentro de una sociedad directamente maldecida (porque el resto de sus personajes carecen de emotividad y empatía), el director plantea una incógnita doblemente interesante: ¿es Veijo un angel vengador o un humano con facultades extraordinarias?

En conclusión: una película que te da para reflexionar y pone en jaque varios cuestionamientos morales bastante interesantes de ver. Ojo que por perversa y violenta que pueda parecer, no llega a ser tan explícita (al menos nos da un pequeño respiro). Al parecer se postula como mejor película extranjera en los Óscar 2019 (si es así, su temática no pasará desapercibida).

Como siempre, ha sido un gusto escribir para uds y nos vemos en la próxima.
@TomAstrovolt

Ranking las peores películas de terror del año (+ otras rescatables) 5

Titulo: "La Maldición de la casa Winchester" ("Winchester") (2018).
País: Australia, Estados Unidos.
Director: Michael Spierig, Peter Spierig.

Es raro ver a Helen Mirren en este tipo de películas, aunque hay que reconocer que ha sido en esta en particular, de lo más bienvenida. Lo que no podemos entender aún, es por que no se le sacó más partido a una historia que claramente podría ofrecer mucho más. Todo aquí es limitado, el argumento es limitado, las actuaciones son limitadas, hasta los efectos especiales son limitados. Se nota que se trató de hacer una película de horror clásico en tiempos modernos, pero no hay peor error que ese. Consideramos que la propuesta no era mala, solo que no se le sacó mayor partido a lo que realmente debería ser: una película de fantasmas. Mucho de su argumento resulta más bien un pretexto para explicar los por qué de esto, y lo otro. Pero trata de ser tan (aunque se lea absurdo) creíble y arraigado en los hechos. Que tanto diálogo explicativo es absolutamente innecesario. Material aquí para hacer algo mucho mejor, había (y de sobra). Ridículamente jamás se utilizó como recurso terrorífico todo el laberintico lugar, que estaba vulnerable para hacer que la creatividad se diera maña a diestra y siniestra. Pero una vez más, la estructura lineal de ciertos directores (en este caso dos), primaron otras cosas, como los muy cuidados decorados de gran elegancia y detalle. En vez de jugar mucho más con lo que se tenía de sobra para aprovechar. La prioridad era contar una buena historia, ojalá lo más cercana posible a la realidad (pero vamos, que esto es cine señores), pero también estaba Mirren que opacó a la verdadera protagonista, que no era otra que la casona misma. Claro ejemplo, que nos indica que un considerable presupuesto, no siempre define si estamos frente a una buena o mala película. Esta es la típica peli que está hecho para entretener un rato, y eso sería.

Titulo: Delirium (2018)

País: Estados Unidos.

Director: Dennis Iliadis.

Esta no es precisamente de terror, más bien es una película de misterio con pequeños toques de humor negro. Y no nos debemos demorar, en expresar que lo que nos irrita un poco de este tipo de películas, es que son capaces de hacer prácticamente de todo con tal de confundirte para que no resuelvas el enigma. Y para nosotros, no hay ejemplo mejor. Porque si bien tiene un ritmo y una propuesta bastante interesante. A medida que avanza la historia, no sabemos si llorar o reír de lo predecible que se vuelve todo. Y no sólo eso, sino que luego se vuelve cada vez más inverosímil (y tenemos claro que es una película, pero aquí el efecto sorpresa para nosotros ha sido demasiado… ¿Cómo llamarlo? ¿Absurdo?). No obstante, nos gustó mucho la actuación de Topher Grace (increíble parecido con Ross Marquand), a pesar que trató por todos los medios confundirnos, una y otra vez....... Finalmente no lo logró.

Gracias por leer, y nos vemos en la próxima

 @TomAstrovolt.

En nuestras redes.... vivimos horizontalmente....

Título: "Jupiter Holdja" (2017). 

País: Hungría

Director: Kornél Mundruczó. 

Guión: Kornél Mundruczó, Kata Wéber. 

Música: Jed Kurzel. 

Protagonistas: Zsombor Jéger - Mónika Balsai - Enikõ Mihalik - Merab Ninidze - Ákos Birkás - Péter Haumann.

El universo infinito, imponente y misterioso. Lleno de interrogantes más que afirmaciones. Quizás, no son muchos los que buscan respuestas en la espesura de un cielo estrellado, o quizás son mucho más de los que uno cree. Y es que, admirar las estrellas es conectarse con todo aquello que no está a nuestro alcance. Las miramos, pero no las observamos sobretodo cuando en algún momento de nuestras vidas necesitamos alejarnos del (y cada vez más) acelerado mundo en el que vivimos. Para pensar, reflexionar o simplemente para hacernos recordar, que siempre han estado ahí, pero muchas veces terminamos por olvidar al estar demasiados ocupados con lograr objetivos en la vida. Y algo así ocurre en Jupiter´s Moon, una suerte de milagro inesperado, pero al que no estamos aún preparados para apreciar y comprender. Sobretodo, si el guion trae consigo una especie de mensaje universal pocas veces visto.

Un padre y su hijo, son parte de un gran grupo de inmigrantes que intentan pasar la frontera húngara, pero son interceptados por la policía. En medio del caos, se ven forzados a separarse. Y el hijo escapa con rumbo hacia el bosque, pero es rápidamente detenido por la policía. 

Lo primero que llama la atención de esta espectacular película, son sus magníficos efectos especiales. Porque logran causar genuino asombro al espectador, y eso hoy en día es casi impensado. Y  hay que ser sinceros, (a modo de ejemplo): ¿existe alguien que no se haya sentido sobrecogido con las escenas más espectaculares de Encuentros Cercanos Del Tercer Tipo al verlas por primera vez? De hecho, aunque tienen historias muy diferentes, Jupiter´s Moon tiene una muy particular relación, pero desde perspectivas completamente opuestas. Su historia no refleja otra cosa, que tipos de situaciones de lo más contemporáneas que generan debate, y por que no decirlo, también conflicto a nivel global. Una de ellas es la crisis migratoria, tan en boga este último tiempo, y la que podría ser casi el núcleo de toda la película en si misma: la religión. Nunca estos temas han sido fáciles de tratar, es por ello que la impecable dirección de Kornél Mundruczó se complementa de manera sublime con un guion consistente, y muy inteligente. Y aquí nos detenemos un momento para reflexionar, ya que hemos leído un par de comentarios de críticos especializados, y no hemos podido evidenciar algo en particular. Principalmente, porque denotan que no la comprendieron para nada (así de categóricos). Y aquí, explicaremos brevemente los motivos por el cual recomendaríamos que la vieran nuevamente (hipotéticamente hablando (o escribiendo para los más rigurosos) claro).

A veces una película, o mejor dicho su historia, no tienen precisamente que darnos todas las respuestas. También uno como espectador, debe poner un poco de su parte para percibir la intención o el enfoque de su director. Y si bien, para nosotros Mundruczó es un director desconocido, consideramos que a pesar de esto, es lejos uno de los buenos. Principalmente porque nos puede transportar a distintos géneros cinematográficos, con absoluta facilidad y soltura. Nada aquí resulta forzado (exceptuando un par de detalles, pero que no vienen al caso mencionar), y esto ya es decir mucho. Porque hacer algo así, no debe ser fácil en la práctica y el manejo de imágenes. Así como también el manejo de actores, que es bastante notable. 

Pero también hay otro punto que no podemos pasar por alto. Y es la absoluta genialidad del director para entregarnos todas esas respuestas que necesitamos, en metáforas tan sublimes como inteligentes. Y es justamente aquí, donde la incomprensión puede jugar en contra. Todo lo que necesitas saber (incluido el final) está en imágenes y también, por que no decirlo: en muchos de sus diálogos que denotan un humor bastante sarcástico cuando se trata de hablar, por ejemplo, de temas religiosos. Y lo mejor de todo, es que lo hace en base a la realidad, por lo que Mundruczó va sumando cada vez más, y más aciertos. Sobretodo, en aquellos momentos en que hace sus representaciones de divinidades, pero en formato humano. 

Es cuando el mundo (o las personas de este mundo) que buscan respuestas y alivio en la religión, no las encuentran a medida que van adquiriendo conocimientos de esta a lo largo de toda su vida. Ya sea porque algo de esas historias no les ha gustado, o simplemente porque no están de acuerdo con ellas. Y es aquí, donde la propuesta de Mundruczó se hace presente, al explicar la necesidad humana de querer obtener una conexión directa con aquel dios (que en realidad no es tal) que por décadas ha soñado. Pero que no es capaz de advertirlo, cuando lo tienen en frente ¿Por qué? Pues la respuesta es bastante simple: porque están tan ocupados resolviendo sus vidas, o lo que es peor aún: tienen sus ojos tan pegados en sus celulares que se han olvidado de observar un poco el cielo. Mundruczó nos enfrenta con este y otros tópicos bastante interesantes, para resolver casi en su totalidad los conflictos de su película, que bien vale la pena analizar.

El tono de la película, muchas veces resulta bastante sobrecogedora. Sobretodo porque es profundamente sensible en muchos aspectos. Muchos de ellos hacen cuestionar a sus personajes con su propósito en la vida, dejando a la vista sus miserias, y sus culpas como únicos motores que los mantienen en pie. Y es aquí donde nace el real (y potente) mensaje que Mundruczó quiere entregarnos, puesto que no tiene por que ser así…. 

Una película imprescindible, distinta, sumamente asombrosa y atractiva. Con insuperables efectos especiales. Por momentos puede ser muy visceral y dramática, como también emocionante y muy…. Muy reflexiva (archivada como una de nuestras favoritas). 

2017: Festival de Cannes: Sección oficial.

2017: Festival de Sitges: Mejor película, Mejores efectos especiales.

Saludos, mis queridos lectores, y nos vemos en la próxima. 

@TomAstrovolt.

Mini Ciclo: El peor de los mundos, sólo lo podemos imaginar... (Parte I)

Título: "Begotten" (1989).

Director: E. Elias Merhige.

Guión: E. Elias Merhige.

Efectos de sonido: Evan Albam.

Protagonistas: Brian Salzberg - Donna Dempsey - Stephen Charles Barry..

Hace años que debimos publicar una descripción de esta impresionante película de culto. Años guardada entre colecciones de títulos de todo tipo, sin que encontrara su momento de luz. Y quizás aún no estaba lista para ser engendrada. Y es que una obra como esta, requería un momento sublime para ser mencionada. Recordamos aquellos años, donde apareció sin siquiera haberla buscado. Aquel ser, nos susurró al oído su nombre como la más letal de las amenazas. Y nos obsesionamos con ella por años…. pero de un día para otro, la dejamos olvidada para nunca más saber de ella, hasta ahora. 

Edmund Elias Merhige (más conocido por E. Elias Merhige) es un realizador y guionista, nacido en Nueva York. Tenía 19 años, cuando sufrió un accidente automovilístico que significó su primera experiencia cercana a la muerte. Con los años, su anhelo de expresarse a través de las imágenes fueron inspiradas justamente por dicho accidente. A esto se suma su particular interés en mitos paganos e historias extraídas de la biblia. Fue así que nació Begotten (Engendrado) una película experimental, que carece de diálogos (puesto que son reemplazados por imágenes que resuelven de manera muy interesante el conducto narrativo de su historia) y musicalización (cambiados por ruidos, algunos sonidos naturales, etc). 

En un lugar indefinido, sin tiempo…sin espacio. Una casa en ruinas en medio de un bosque, tiene en su interior a Dios que se encuentra postrado en una silla de ruedas. Este está muy enfermo, vomitando sangre y convulsionando violentamente por lo que decide suicidarse. Para ello, se abre el abdomen desparramando piel y vísceras por el suelo y los muros. Desde su cadáver ensangrentado y en medio de excrementos, nace la Madre Tierra. Ella al encontrarse con el pene erecto del Dios suicida, usa su semen para quedar embarazada. Luego de enterrar el cadáver de Dios, la Madre Tierra se va a un lugar soleado y florecido para tener al que será el Hijo de la Tierra. Pero ella luego de engendrarlo, lo abandona a su suerte en medio de la nada.

Muchas veces esta película ha sido referente, para todo tipo de realizadores y también personajes del rock (Merhige dirigió dos video clips (Cryptorchid y Antichrist Superstar) para la banda Marilyn Manson, Siendo estos los más notables hasta ahora, entre otros músicos). Sin dejar de mencionar La sombra del vampiro (2000), donde cuenta una historia ficticia mientras se filma la que para nosotros es lejos la mejor película de vampiros: Nosferatus (1922).

Lo que más llama la atención (aunque parezca obvio), es el tratamiento visual de toda la película. Principalmente porque el estilo dramático y surreal de Merhige, casi raya en lo abstracto. Sus poderosas imágenes perturban con bastante poco. El blanco y negro sobrexpuesto le da un tono lúgubre bastante inquietante que ya se lo quisieran varios realizadores. Y esto la hace precisamente una película única en su género (y por que no decirlo, también muy creativa en pro de su reducido presupuesto). 

No obstante, el talento de Merhige también la asociamos a su impresionante manejo en cada una de sus imágenes al momento de suprimir los diálogos. Ya que es perceptible que aquí hay un argumento, una historia cósmica de lo más metafórica. Utilizando alegorías religiosas que pueden generar más de alguna controversia. Merhige nos muestra el inicio del todo, pero desde un punto de vista visceral y bastante espeluznante. 

Un Dios desesperado y agonizante que decide eliminarse para terminar con su miseria. Una Madre Tierra que nace desde lo que ya está muerto para engendrar a quienes serían los que gobernaran la tierra. Pero que en su defecto (a la inversa de lo que se espera), tiene las mismas imperfecciones que Dios (convulsiones violentas incontrolables, etc.). 

Y es así, como el arte conceptual va tomando forma hasta caer en cuestionamientos de claro agnosticismo. Puesto que un Dios que muere, sencillamente no es Dios…. Es algo más (u otra cosa) y su definición no está al alcance de la comprensión humana. El único ser perfecto es la Madre Tierra, que lamentablemente engendró la imperfección hecha persona. 

Desorientado, mutilado intelectualmente…. completamente dependiente de lo que ocurre a su alrededor. Esa es la muy desoladora propuesta que el director nos expresa, para mostrarnos su visión religiosa de un mundo agonizante, y el ser humano que lo habita. 

Pero también, la muerte cumple un plano importante en todo esto. Porque hay dos planos que parecen oponerse entre sí, ya que la Madre Tierra y su hijo pueden morir como cualquier mortal. Pero hay otro plano, en el que renacen con la anhelada promesa de la vida eterna........ 

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Perturbadoramente encantadora, única en su género

@TomAstrovolt

"...Un Depredador mata para sobrevivir, este mata por deporte..." (No contiene Spoilers)

Título: "The Predator" (2018). 

Director: Shane Black. 

Guión: Shane Black, Fred Dekker. 

Música: Henry Jackman. 

Protagonistas: Boyd Holbrook - Olivia Munn - Trevante Rhodes - Keegan-Michael Key - Sterling K. Brown - Jacob Tremblay - Yvonne Strahovski - Alfie Allen - Thomas Jane.

Siguiendo en la  línea de los reboots, ahora es el turno de una de las películas más icónicas de la siempre añorada década de los ochenta. Considerando la gran presencia que tiene Depredador dentro de la cultura pop, esta nueva apuesta es casi innecesaria como arriesgada. Y decimos innecesaria, porque ya de esta película sabemos prácticamente todo. Por ello, siempre cuando se presentan películas (o refritos si se prefiere) existe una pequeña chispa de esperanza al esperar alguna novedad, que sea mínimamente interesante. Algunas como IT (a modo de ejemplo) han superado con creces las expectativas, pero otras (como la insufrible Poltergeist) se quedan en el camino para nunca jamás volver a saber de ellas. 

La historia no tiene ninguna novedad sobresaliente, excepto que la dirige Shane Black quien fue uno de los miembros del escuadrón que acompañaba a Schwarzenegger en la película original. Black, además de actor es productor, guionista…. y director. En su currículo como actor, destacan varios mega éxitos producidos durante la década de los años ochentas y noventas. Y con esta nueva entrega, se esfuerza por hacernos sentir como en casa (puesto que desde la música, hasta las escenas de acción son ciento por ciento reconocibles). Pero desde un casi prometedor open…. El globo poco a poco se comienza a desinflar. Principalmente porque entre bombardeos varios, la historia no va a ninguna parte concreta (más de lo mismo en términos simples). Tampoco no hay mucha indagación en los personajes con los que poder identificarse. Y aquel mal tratado humor negro del que prácticamente se abusa de tal manera, que la película completa no se toma muy en serio así misma. En definitiva, generosa en acción (por ratos en serio, por otro no tanto), una que otra escena gore rescatable, un personaje principal verdaderamente insoportable (tipo Rambo (sin menoscabar a nuestro héroe new age, pero haciendo referencia a este tipo de héroe), pero en tono “yo soy lo máximo” (lejos lo peor de la película en nuestra humilde opinión)), y eso sería señores.

Un par de polémicas se han generado alrededor de la película, la primera es casi obvia, ya que en una cinta tan conocida como ésta era casi imposible no llegar a pensar si tendría alguna participación (o cameo) Arnold Schwarzenegger. Pero fue el mismo actor, quien explicó que el papel que le habían ofrecido era demasiado pequeño para tenerlo en consideración. Y la segunda, tiene que ver directamente con el ámbito legal (un culebrón de aquellos). La actriz Olivia Munn (quien tiene uno de los roles protagónicos), anunció sentirse engañada luego de compartir escena con el actor Steven Wilder Striegel. Principalmente porque Striegel, en el año 2010 se declaró culpable tras ser acusado de hostigar sexualmente a una menor de edad en RR.SS. Munn no sabía sobre los antecedentes delictuales del actor, por lo que se quejó en más de una oportunidad con Shane Black. Hasta que finalmente, Fox a pocos días de su estreno, decidió cortar la escena que la actriz compartía con el Striegel.

Y se supone que todo terminaría aquí, pero ahora se le acusa al director de que sabía sobre los antecedentes penales del mencionado actor, haciendo que se generara una disputa entre Black y Munn. Y aunque Black emitió un comunicado público para calmar las aguas, esto no dejó conforme a la actriz. Ya que denuncia sentirse absolutamente sola promocionando la película (aunque algunos actores se han disculpado con ella). Incluso muchos de ellos, no comparten para nada su opinión. Como es de esperar, la actriz no lo está pasando nada de bien y solo el tiempo dirá si este tipo de episodios sean favorables o desfavorables para la película. Sin contar que el final fue re-filmado en un par de oportunidades. Lo que nos da a entender los por qué del producto final, que fue re escrito otras tantas veces. Y quizás esto haga que las apreciaciones del público estén completamente divididas.

Gracias por leer, y nos vemos en la próxima 

@TomAstrovolt.

La Monja ya está aquí (no contiene spoilers)

Título: "The Nun" (2018). 
Director: Corin Hardy. 
Guión: Gary Dauberman. 
Música: Abel Korzeniowski. 
Protagonistas: Demián Bichir - Taissa Farmiga - Jonas Bloquet - Charlotte Hope - Ingrid Bisu - Bonnie Aarons.

En un monasterio a mal traer, un sacerdote y una novicia investigan la muerte de una monja. Pero hay algo demoníaco que controla el lugar. Aquella amenaza tiene la apariencia de una monja siniestra cuyo oscuro propósito traerá muerte y desolación.

Por lo visto, los spin off parecen una especie de subgénero que poco a poco va tomando fuerza dependiendo del éxito de su predecesora. Y ese es el caso de El Conjuro 1 y 2, películas que se están convirtiendo en una franquicia cinematográfica (al parecer) inagotable. Ya fue el turno de Annabelle, y ahora le toca a La Monja (o Valak en la jerga demonóloga), una película que ha sido sin dudas una de las más esperadas del año. Y se nos viene a la mente la mencionada El Conjuro, ya que tiene el mismo ritmo y estilo narrativo, aunque con algunas mínimas diferencias. Lo primero que llama la atención, es la bastante bien lograda ambientación y el tratamiento de ciertas escenas. Atribuidas al talento del director Colin Hardy (responsable de la espeluznante The  Hallow, que sigue siendo una de nuestras favoritas). Aunque también por momentos todo parezca demasiado sobre producido (y por que no decirlo, hasta muy plástico). Era cosa de tiempo, luego del éxito de The Hallow, que Hardy volviera a la pantalla grande con bombos y platillos. Pero no demoraremos más en decir, que la historia no lo benefició del todo. Principalmente, porque son bastantes pocas las novedades que hay aquí para darle una importancia que realmente no merece.

La historia tiene un opening que podríamos calificar como prometedor. La aparición de la monja no se hace esperar, amenazante entre pasillos tenebrosos y olvidados. Complementada con una musicalización que engrandece su maquiavélica presencia, parece que no te dará respiro (tipo It 2017). Pero hay otras cosas que emergen en la historia, con la intensión de crearnos también el interés en los otros personajes (con casi nulo desarrollo). Pero pronto (y muy lamentablemente) el recurso comienza a cansar un poco. Aún así, la historia descansa en un personaje en especial (porque no todo puede ser horror y uno que otro sobresalto inesperado) que trata de imponer el humor negro (absurdo) al asunto, pero sin lograrlo del todo (al menos, en lo particular no nos hizo mucha gracia la verdad). 

Es evidente, el estigma de El Conjuro que arrastra esta historia en particular. Ya que no hay que observar fijamente para notar sus evidentes referencias, que simplemente son infinitamente innecesarias. Lo interesante, es la clara intención de Hardy de romper con ciertos clichés propios del género, aunque por otro lado descuida lo predecible que puede llegar a ser por momentos. Y es que el guion no es de los mejores, tiene unos vacíos tan grandes que nos cuesta comprender que es sólo eso y no más. Lo mejor de todo, es ver al mexicano Demian Bichir en el que es su primer protagónico. Y del que quizás se hable un poco más, luego de que en una entrevista respondiera que no le tiene miedo a los muertos, más a los vivos sobretodo si han hecho basuras de reality shows para luego ser presidentes (¡!). 

En fin, estamos frente a una película que tiene todos los síntomas de convertirse en la sobrevalorada del mes. Por momentos aterradora, de impecable ambientación gótica, pero también un poco agotadora y enfermizamente absurda. Ojo que ya se habla de maldiciones y cosas por el estilo. 

Gracias por leer, y nos vemos en la próxima 

@TomAstrovolt

Los fantasmas suelen aparecer de noche

Título: "Down a Dark Hall" (2018).

Director: Rodrigo Cortés.

Guión: Chris Sparling, Michael Goldbach basada en la novela Down a Dark Hall

escrita por Louis Duncan.

Música: Víctor Reyes.

Protagonistas: AnnaSophia Robb - Uma Thurman - Isabelle Fuhrman - Kirsty Mitchell - Taylor Russell - Jim Sturgeon.

Katherine es una chica con problemas conductuales. En vista que sus padres notan que esto en vez de mejorar, empeora. Deciden internarla (casi contra su voluntad) en Blackwood (dirigido por Madame Duret), un centro exclusivo que se encarga justamente de corregir a incorregibles. Al llegar, el lugar parece bastante lúgubre como para tratar de hacer feliz una chica que odia a todo el mundo, incluso a si misma. Y a medida que van llegando otras huéspedes, es la misma Katherine quien se da cuenta que hay otras que tienen peor actitud que ella. Por lo cual, tratar de hacer alguna nueva amistad, no será tarea fácil. Al principio, los métodos de Duret parecen dar poco a poco buenos resultados. Y estos, consisten en que cada una de sus alumnas desarrolle alguna habilidad que tenían oculta hasta ahora. Pero las cosas se complican, porque progresivamente irán recordando cada vez menos sobre sus propios avances. Al parecer, el método no es el que ellas creían conocer.

Dirigida por el español Rodrigo Cortés, del cual casi poco o nada sabemos. Excepto aquella especie de experimento claustrofóbico que significó ver Enterrado. Down a dark hall, es una película pseudo gótica que hace recordar en algunas cosas a Flores en el ático. Aunque con menos suerte, ya que la obra de Cortés es culpable de abusar de un cliché tras otro. Principalmente porque (tampoco) su historia no es muy novedosa que digamos. Pero al menos, las actuaciones y el montaje son bastante aceptables. Creemos que, de apartar el tema de los fantasmas (multifuncionales) de turno, hubiera sido al menos algo mucho más interesante. Pero un par de efectos especiales, y uno que otro incendio a veces no suelen ser suficientes para ocultar las carencias creativas. Y de verdad, que aquí están bastante bien escondidas…. Y lo que es mejor nos distraen para no fijarnos en sus errores. Pero haciéndonos los buenitos, al principio creímos que seria la típica película tonta, con personajes tontos de fácil consumo y posterior digestión también fácil. Pero tiene un pequeño detalle dramático, que se antepone a todo el decorado bastante ostentoso. Aunque todo luego se reduzca en una muy débil y fácil conclusión. Aún así, siempre es un placer volver a ver a Uma Thurman que de ella no se había visto nada hasta ahora. 

Gracias por leer, y nos vemos en la próxima 

@TomAstrovolt.

Zombistica 9: ... A veces, sobrevivir no es suficiente....

Una familia se encuentra recorriendo el río en bote, casi a la deriva con rumbo incierto. Escapando de una epidemia que afecta gravemente a los humanos, haciéndolos criaturas enormemente agresivas. Tras encontrarse en una situación crítica, ya que sus recursos escasean cada vez más. Andy, el padre de familia, ve una pequeña embarcación, y no duda en abordarla para explorarla. Por suerte encuentra comida, pudiendo así sobrevivir casi un mes sin problemas. Pero lamentablemente su esposa ha sido atacada, y no le queda mucho tiempo de vida. Por lo que se verán obligados a dejar su bote y encaminarse casi a tientas, en la búsqueda del hospital más cercano. Lamentablemente, el río los ha llevado muy lejos de la ciudad, por lo que deberán enfrentar los peligros de un terreno absolutamente desconocido para ellos. Casi en medio del desierto, Andy también ha sido mordido, por lo que su limitada existencia se encuentra enfocada únicamente en encontrar a alguien que cuide de su pequeña hija. 

Basada en un premiado cortometraje del mismo nombre. Cargo, se ha llevado casi todos los laureles al darle un enfoque distinto al subgénero post-apocalíptico. Y pensábamos que exageraban, pero nos alegramos al darnos cuenta que los críticos tenían razón. Principalmente, porque la historia esta enfocada (casi totalmente) en los personajes principales, más que en la tragedia misma. Por lo que fácilmente podríamos imaginarnos que el tema zombistico, podría ser lo que menos importar aquí. Primero porque su exposición en la historia es casi nulo, aquí son más como una especie de sombras deformes que acechan desde la oscuridad más absoluta. No obstante, (y hay que ser rigurosos), aquí tampoco hay zombies, muchos de ellos, después de tan sólo un par de disparos se desploman, y eso sería todo (y no tenemos la menor idea si les disparan en la cabeza o no, por lo que esta parte es bastante dudosa). Quizás, ya es tiempo de inaugurar el subgénero de los infectados (que suena mucho más adecuado, al menos en este caso). Lo interesante aquí, (y hay que reconocer la influencia directa a la serie The Walking Dead), es que el peligro más inmediato viene directamente de los humanos sanos. Aunque tampoco digamos que tan sanos no son, porque aquí la ley del más fuerte se impone a costa de lo que sea. Y por ello, las aberraciones no tardarán en salir a la luz. 

Gran trabajo interpretativo de Martin Freeman (que debemos agregar, tiene una especial presencia en pantalla que es absolutamente agradable, algo así como los actores de antaño con los que fácilmente te podías identificar, un encanto que no muchos lo tienen), que en muchos casos nos mantuvo casi al borde de las lágrimas. Pero doblemente interesante fue que su enfoque iba dirigido más a conseguir la identificación, con el espectador en una situación extrema (consiguiendo esto, y mucho más). Sin necesidad de recurrir, a la emocionalidad más brutal (porque aquí había material de sobra para hacerlo). Pero inteligentemente se reservaron lo mejor, para momentos específicos de la historia. 

Sin duda, que esta película se podría haber hecho con o sin infectados (o como les quieran llamar). Sobretodo porque el núcleo de todo era un bebé obligado a pertenecer a un ambiente hostil, haciendo de esto una especie de juego, que no representa otra cosa que la vulnerabilidad más extrema. Y no sólo la pequeña inocente estaba expuesta al caos. Sino que la acertada dirección, hace que el espectador sufra en carne propia de todos los peligros que se suceden progresivamente. Haciéndolos sentir también irremediablemente vulnerables. Y es que el bebé representa la fragilidad más pura dentro de un mundo que ya no está hecho para protegerla (muy interesante sensibilidad si destacamos que uno de sus directores es una mujer). Por lo cuál, los altibajos de tensión tampoco se hacen esperar. 

Sencillamente una notable e inteligente película, que llega para renovar (y en muy buen hora) todo cuanto estábamos a acostumbrados a ver. Y es que, esta no deja de ser una buena oportunidad para darnos cuenta, que al menos hay historias conocidas, pero que aún así nos pueden llegar a sorprender.

Titulo: "Cargo" (2017).

País: Australia.

Directores: Ben Howling, Yolanda Ramke.

Guión: Yolanda Ramke.

Música: Helen Grimley.

Protagonistas: Martin Freeman - Anthony Hayes - Caren Pistorius.

Gracias por leer, y nos vemos en la próxima.

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🐥 @TomAstrovolt