Zombistica 15: Intelectualis Tipo Zombies

Título: "The Dead Don't Die" (2019). 
Director: Jim Jarmusch. 
Guión: Jim Jarmusch. 
Música: SQÜRL. 
Protagonistas: Bill Murray - Adam Driver - Tilda Swinton - Chloë Sevigny - Steve Buscemi - Austin Butler - Danny Glover - Caleb Landry Jones - Rosie Perez.

No recordamos haber mencionado alguna película de Jim Jarmusch hasta ahora. Y bueno, The Dead Don´t Die su película más reciente (creemos) que es motivo suficiente para comenzar a hacerlo. Aunque quizás, no por los motivos usuales. Comenzaremos por mencionar que esta película fue estrenada en la ceremonia de apertura en el pasado festival de cine de Cannes. Se preguntarán (solo aquellos que no la han visto) ¿Qué tiene de raro? Pues nada, aparte que como bien indica su titulo hablamos de una película de zombies.

En un pueblucho olvidado, llegan noticias que algo raro está ocurriendo en el mundo. El eje del planeta se ha desviado, y como suele ocurrir el inicio del caos no se hace esperar…. Aunque de manera bastante particular. Es así que un apocalipsis de muertos vivos se deja apreciar en todo su esplendor. Ante eso, el departamento de policía del lugar tendrá en una noche, todo el trabajo que no han tenido en años.

En claro tono de humor negro, Jarmusch se arma con un reparto que ya se lo quisiera cualquier realizador. Bill Murray y Adam Driver encabezan el paseo de celebridades, en los que se incluyen la siempre hipnótica Tilda Swinton y un grupo de conocidos cantantes. Hasta aquí todo bien, pero lo malo es que Jarmusch parece no tener claro el enfoque que pudo haberle dado a la película. Ya que si bien, su guion hace críticas ácidas hacia el mundo acelerado en el que vivimos. Nunca resuelve, ni se compromete en mayor medida con lo que propone. Y lo que es peor aún, no queda claro que es lo que realmente propone. Porque The Dead Don´t Die, tiene todo para haber sido una buena sátira, que incluye elementos tan inesperados como otros ya vistos. Pero que nunca nada se desarrolla, y tampoco entra en catarsis (¿o es que estamos muy acostumbrados a los códigos zombiesticos?). Tanto su historia como sus personajes, son como muertos vivos sin causa, algunos planos sin propósito ni final, otros sin duda sublimes.

En síntesis, "The Dead Don´t Die" es ante nuestros ojos, más como un capricho por darse el gusto de hacer una película de zombies, pero riéndose de ellas al mismo tiempo (y también de si mismo). Aunque sin excluir uno que otro homenaje al cine de terror. Y ojo que Jarmusch tiene su prestigio dentro del mundo cinematográfico, pero como dijeron una vez por ahí: “pastelero a tus pasteles”.

En una escala bizarra de 1 a 10: 4,0.

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Baterías No Incluidas

Título: "Child's Play" (2019). 
Director: Lars Klevberg. 
Guión: Tyler Burton Smith. 
Música: Bear McCreary. 
Protagonistas: Gabriel Bateman - Aubrey Plaza - Mark Hamill - Brian Tyree Henry.

Desde que se comenzó a difundir el rumor de que se realizaría un remake de una de las películas icónicas dentro del genero del horror. Las primeras reacciones fueron de  absoluto  desconcierto, pero mientras el tiempo se encargaba de confirmar que se estaba trabajando en un guion, las expectativas no tardaron en hacerse presentes. Por lo que la confirmación de Lars Klevberg (quien debuta en su primer largometraje), detrás de las cámaras, no dejó lugar a dudas. Pero las cosas parecían no cuajar bien luego que se mostrara por vez primera el “nuevo” diseño del que fuera el muñeco asesino más famoso del mundo. Y es que las reacciones tampoco se hicieron esperar. En aquella abominación, no había nada que nos convenciera que esto sería algo para recordar (al menos positivamente). Pero bueno, ya lo habíamos mencionado en publicaciones anteriores: a falta de ideas mínimamente creativas, la industria comenzó ha recurrir indiscriminadamente a refritos de hace más de veinte años atrás. Y el resultado final, es engañosamente simplista por llamarlo menos. Aunque no obstante, por momentos Klevberg logra mostrar su visión poco alentadora sobre los pasos agigantados que da la tecnología hoy en día y sus cada vez más nefastas consecuencias de ello. Lamentablemente lo que prima aquí, es un guion estudiado para generar directamente entretenimiento al mejor estilo de Stranger Things, asegurando cualquier riesgo que los envíe directamente al fracaso. La formula funciona, siempre y cuando se desligue que estamos frente a un remake. Porque por muy facilista que sea la película en su conjunto, es muy posible que haya funcionado como una historia independiente de la Child´s Play original. Pero en su intento por generar un mínimo atractivo cinematográfico, volvemos a enfocarnos en el muñeco protagonista que definitivamente es el payaso hazme reír de todo esto. Queramos o no, estamos frente a uno más de aquellos subproductos “creados” tan sólo para saciar a un puñado de nuevas generaciones que se inician recién en temáticas de cine de terror. Y que de seguro habrá sido la delicia de sus ávidas ansias por consumir una clase de cine del tipo “comida rápida”. Pues nos hemos subido por momentos a la moción, pero luego de un momento no recordamos que fue lo que comimos en tan poco tiempo.

Pd: entretenida si se la mira como lo que es, una película que se puede reciclar una y otra vez con tal de acaparar escasamente nuestra atención. Aunque por momentos resulta casi insoportable de ver, al menos Mark Hamil, quien presta una peculiar voz al esperpento de muñeco, logra momentos relativamente interesantes.

En una escala de 1 a 10: 3,9 (y es que este año hemos visto peores).

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Frágil.... como el vidrio

Título: "Glass" (2019).  Director: M. Night Shyamalan. Guión: M. Night Shyamalan. Música: West Dylan Thordson. Protagonistas: Bruce Willis - Samuel L. Jackson - James McAvoy - Sarah Paulson - Anya Taylor-Joy.

Desde el sugerente final de Split, no hemos parado de imaginar de qué manera Shyamalan uniría tres historias aparentemente ajenas entre sí. Y es que desde hace un buen tiempo, el realizador nos ha dejado abierta la puerta a un mundo (su mundo) de posibilidades cuyo efecto sorpresa se ha convertido en su firma personal. Por momentos se nos antojó innecesaria una trilogía, y a ratos hasta demasiado forzosa. Pero si recordamos lo que significó Inquebrantable (película que en su época, dejó dividido al público) en términos narrativos, puede que realmente había algo más que contar. Hoy Glass, es algo así como la piedra angular, que cerraría definitivamente la mayoría de las conjeturas creadas por Shyamalan en las películas anteriores. La ecuación perfecta de una pseudo distopía.

Dentro de la vomitiva época del superhéroe de turno, Shyamalan no se quiso quedar atrás. Aunque midiendo las proporciones, ya que si bien su propuesta resulta infinitamente mucho menos infantil e interesante. Glass es una especie de antítesis de los patrones más archiconocidos dentro del género. Resulta sin embargo, un tanto desilusionante la sobreexplotación tanto de los personajes como de una historia en mayor medida repetitiva, y lo que es peor: carente de fidedigna emotividad. Shyamalan se ha esmerado tanto en el desarrollo de los acontecimientos, que olvidó por completo la esencia de sus personajes. Ninguno ha evolucionado exponencialmente (a excepción de la horda, que definitivamente es lejos la materia prima dentro del caos).

Muchos de los errores de Glass pudieron ser fácilmente resueltos. Lamentablemente Shyamalan transforma su trilogía en una reiteración tras otra, siendo una de las peores, su innecesaria tozudes para reubicarnos en una historia que el público conoce de antemano. Nunca en una película, los flashbacks (o el mal uso de éstos) han sido tan poco consistentes. Una vez más, el director juega con nuestras percepciones, pero reduciendo esta vez el efecto sorpresa dentro de lo mínimamente aceptable. Por momentos, da la impresión que Shyamalan no sabe como desamarrar el lío en el que se ha metido ¿Como explicar lo inexplicable, sin hacernos perder interés? Trata así de subsanar la historia con pequeños toques de humor, drama, suspenso y acción en medio de conjeturas que en realidad no son tan difíciles de descubrir.

Definitivamente no es la mejor película de Shyamalan, pero tampoco la peor. Sigue teniendo lo mejor del realizador, y también lo peor (aunque cae en lo naif, sabe entregarle al público todo lo que se espera de una historia de su autoría). No obstante, somos majaderos al volver a señalar que esperábamos mucho más de sus personajes. Una evolución que nunca ocurre, a excepción del personaje de James McAvoy quien definitivamente se roba la película, agregando a su interpretación momentos bastante interesantes de ver, pero ¿y el resto?. Esperemos que lo siguiente del realizador tenga esa novedad exquisita que alguna vez lo hizo famoso.

Casi abismantemente repetitiva, pero se deja ver sin problemas.

Dentro de una escala de 1 a 10: 5,0. (Muchos la catalogaron de "decepcionante".... no podemos estar más de acuerdo).

D

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IT: CAPÍTULO 2 Los Temores de la infancia aniquilados (ReEdit)

Titulo: "It: Capítulo dos" (2019).

Director: Andrés Muschietti.

Guión: Gary Dauberman, Jeffrey Jurgensen (basada en la Novela homónima escrita por Stephen King).

Música: Benjamin Wallfisch.

Protagonistas: Jessica Chastain - James McAvoy - Isaiah Mustafa - James Ransone - Bill Skarsgård - Jay Ryan - Bill Haderv - Andy Bean - Xavier Dolan - Will Beinbrink - Jack Dylan Grazer - Teach Grant - Sophia Lillis - Taylor Frey - Finn Wolfhard -  Jake Weary - Jaeden Martell.

Butaca L10, 6 de Septiembre del 2019, reservada para el tan esperado estreno de It: Chapter 2. Y es que era absolutamente imposible esperar un momento más. El ecran, repentinamente nos iluminó, para entregarnos imágenes que no almacenamos en nuestra memoria (pues sólo teníamos un único objetivo, que estaba destinado a acaparar absolutamente toda nuestra atención), pero que aún así, identificamos como los trailers de turno. Luego de un momento (que para nosotros fue eterno), el ecran nuevamente se volvió a apagar… esta vez, para anunciar que el momento con aquel personaje infernal una vez más nos intimidaría con su sonrisa macabra. El horror estaba a punto de invadir cada rincón de nuestra ansiosa bóveda mental. Y es que Andy Muschietti había dejado la vara bastante alta con It: Chapter 1, no sólo por la obviedad de la historia de uno de los personajes más icónicos dentro del género del terror. Sino porque, anhelábamos saber como la finalizaría, independiente si ya la conocíamos de antemano. 

Percibimos en el aire un nuevo Muschietti, quien en este capitulo dos, se tomó bastantes licencias que nos da para pensar que hoy regresa como el niño mimado de Hollywood (y a veces esto puede ser no muy bueno). Inicialmente, porque su insistencia por recrearnos nuevamente el nivel emotivo producido por el “club de los perdedores”, fue bastante agotador y doblemente innecesario (pero vamos!, que esto es cine de terror… no E.T.). Sin contar, los gags absurdos que trataban de ser divertidos, pero que finalmente terminan por simplificar una atmósfera que al principio nos hacía sospechar que tal vez Muschietti no se estaba tomando las cosas muy en serio (caso contrario ocurrido en la primera parte). Pero avanzado el metraje, nuestros peores temores se hicieron realidad… Muschietti no se estaba tomando en serio una de las secuelas más esperadas del año. Y es que el guión, tiene un irremediable déficit atencional, que pedía a gritos un (tal vez) necesario reemplazo tras las cámaras. 

Dentro de tantas expectativas, el efecto sorpresa cada vez más sería reducido bajo mínimos. Es así, que la mayoría de las situaciones se van presentando ante nuestros ojos estupefactos, como quien trata de avanzar a tropezones frente a un horror que esperábamos que en cualquier momento nos cortara el aliento. Pero sin lugar a dudas, Pennywise hizo su primera aparición como un gran salvavidas, en la que podría ser una de las primeras y más brutales escenas de la película (sin dejar pasar nuestra extrañeza por el cual Muschietti aún no es acusado de homofobia, así como Mel Gibson fue acusado de antisemita luego del estreno de “La Pasión de Cristo” (2004), pero bueno caprichos de la vida... y del cine). 

Suele ocurrir, que las secuelas de películas exitosas pocas veces han sobresalido por sobre la original. Pero si bien, It: Chapter 2 tiene (casi) todo lo que podemos esperar de ella, el resultado final se nos antoja absolutamente sobrevalorado. Muschietti, insiste una y otra vez en volver a crearnos un interés en temáticas ya vistas como el triangulo de amor entre Beverly, Bill y Ben. Como si nadie supiera levemente como termina, en vez de haber desarrollado aún más una historia que a pesar de durar casi tres horas, tiene más cabos sueltos que creatividad. Y es que los pocos (y muy cuestionables) elementos evolutivos de su argumento son fácilmente ejecutados por el personaje de  Pennywise y sus diversas manifestaciones (que aseguro harán las delicias de los fans del gore), quien a estas alturas es casi lo único que mantiene a flote la película (entre otras cosas evidentemente, pero que no cometeremos el crimen de mencionarlas para no caer en spoilers). Incluso muchas de sus escenas de terror caen en lo absurdo, pues los miedos del pasado se hacen presentes luego de 30 años en el “club de los perdedores”, como si los adultos carecieran de sus propios y más terribles miedos. Y es que este y muchos otros detalles Muschietti los pasó por alto, mientras estaba más preocupado de su cameo en una escena de la película, que presentarnos algo sustancialmente diferente. 

La participación de los niños del primer capitulo, logran momentos emotivos que recuerdan sus propias historias antes de que el horror los acechara entre sombras. Que son de lo más bienvenidas, logrando acaparar tal nivel de interés, que verlos luego como adultos es casi insufrible soportar aquellos gags de los que hacíamos mención al inicio de esta publicación. Y es que el director abusa tanto de ello, que es imposible no reír en ciertas escenas en las que deberíamos asustarnos. Aunque no obstante, es compensada por otras que más que violentas, rayan en lo sádico. Muschietti, resuelve todo en una especie de poema cargado de emocionalidad, como una manera de decir adiós a aquello que todos experimentamos una sola vez en la vida,  pero que nunca regresa, una alegoría triste y desgarradora de despedida de la infancia. 

En conclusión, Muschietti cumple con lo que mejor sabe hacer: crear terror en los lugares más inesperados. Pero nos deja, indiscutidamente al debe con un guion disperso, poco estructurado que crea vacíos difíciles de pasar por alto. 

La música te golpea (innecesariamente) casi toda la película sin descanso, y aún así sigue las órdenes erróneas de Muschietti para recordarnos lo que ya sabemos con notas reconocibles y poco arriesgadas. La excesiva autorreferencia de situaciones y personajes ya vistos en el primer capitulo, pueden que sea lejos lo peor de toda la película, sin contar con el “club de los perdedores” ya adultos, que no logran ninguna cercanía con el espectador como cuando eran niños. Más bien, parecen peones ciegos en un tablero de ajedrez. Aunque no obstante, hay que reconocer que hoy por hoy toda falencia es absolutamente cubierta, con un buen par de efectos especiales que por un lado saciaron levemente nuestra sed por ver más. Sin contar, los notables homenajes a varias y reconocibles películas del género, que dejarán a sus fanáticos (al menos) bastante y agradecidamente sedados. 

Lentamente nos levantamos de nuestra butaca L10, aún sin saber si el momento de abandonar la sala había llegado, o simplemente estábamos inmersos en un profundo sueño. Pennywise nos saluda desde un rincón, con una sonrisa burlona que acapara casi todo su desfigurado rostro, con la promesa de que posiblemente una tercera parte llegará para arrancarnos el alma de una vez por todas (y pagarnos definitivamente todo lo que nos quedó debiendo).

En dos palabras: Casi involutiva. 

En una escala de 1 a 10: 5,0 

A veces tomar la vía equivocada, puede ser un viaje sin retorno....

Título: "Midsommar" (2019). Países: Estados Unidos, Suecia. Director: Ari Aster. Guión: Ari Aster. Música: Bobby Krlic. Protagonistas: Jack Reynor -

Florence Pugh - Will Poulter.

Christian es un estudiante de antropología que planea viajar con un grupo de amigos a Suecia. Pero dos semanas antes, su novia Dani Arder pasa por un complicado momento por lo que decide invitarla. El lugar elegido es Harga, un apartado cerca de las montañas donde viven unos particulares lugareños que celebrarán la bienvenida del solsticio de verano. La festividad está llena de flores y caras sonrientes, que seducirán  a cada uno de los visitantes. Hasta que los cambios culturales terminarán por confundirlos en un viaje aparentemente sin retorno.  

Ari Aster, uno de los realizadores más perturbadores  de este último tiempo, regresa con Midsommar una de las películas más inquietantes del año. Y puede que lo de “inquietante” sea cuestionable para algunos, ya que Aster nos obliga a entrar en un juego interesante de perspectivas y posibilidades. Que están lejos de los códigos habituales del cine de horror al que estábamos acostumbrados. Es por ello, que el llamado dark folk (historias espeluznantes basadas en leyendas o folclor de alguna localidad específica) se abre una nueva brecha en términos cinematográficos. Y puede que este “nuevo” estilo no sea la gran novedad que el público pueda llegar a esperar. Principalmente porque si bien aún no está masivamente generalizado su concepto, los fans del misterio recordarán “El Hombre de Mimbre” (1973) Dirigida por Robin Hardy y protagonizada por el siempre atemorizante Christopher Lee. En cuya historia, un policía llega hasta una extraña comunidad que gusta de hacer de las suyas en cultos paganos con macabros fines. Si bien Aster nunca ha negado cierta influencia de esta película con Midsommar (y si bien hacerlo sería absurdo). Su intención radica más en las rupturas, los quiebres de relaciones humanas en distintos niveles. Y desde el primer momento, nos somete a los momentos más incómodos que viven cada uno de sus personajes, marcando notoriamente las diferencias con la obra de Hardy.

Es como si arrastraran consigo sus propias miserias internas, llenando los vacíos con cosas (aparentemente) banales y superficiales. El elemento perfecto para ocultar sus propias desdichas, para que el resto no descubra que tan infelices son. Pero Aster da un paso más allá, su perspectiva está también enfocado en ciertos planos y dinámicas sobre lo no expresado verbalmente que resultan bastante interesantes de descubrir. Y ante esto, deja claro que estamos sometidos en complejos códigos que de no poner cierta atención a los detalles, resulta casi difícil de comprender en su totalidad.  

Midsommar inicia su historia presentada en cinco actos subliminales, en los que involucra a sus personajes implícitamente en ciertos roles conceptuales (el conocimiento, el juicio, el desamor, el engaño y la soledad). Roles que con el tiempo aprenderán a asumir, siendo quebrantada la voluntad de cada uno de ellos de manera casi imperceptible, para cumplir con un propósito codificadamente familiar (porque aquí hay alguien que ya fue presentada a aquella comunidad pagana hace mucho tiempo atrás). Y es aquí, donde se inicia la genialidad de Aster para inducirnos en un constante peligro, peligro que tanto sus personajes como el espectador no son capaces de prever. Puesto que somos atraídos por flores, brebajes, bailes y cánticos ancestrales que tienen como objetivo camuflar un oscuro secreto del que todos de una u otra forma son parte importante. Para esto, Aster realizó un excelente trabajo de dirección artística, donde cada decorado, cada dibujo, cada color, cada fotografía colgada en la pared, es una alegoría poderosa.

Que nos entrega la información necesaria para entender los orígenes y motivaciones, no solo de sus personajes sino también de las circunstancias. Pero Aster, tampoco nos deja a nuestra suerte con un puñado de jeroglíficos escogidos al azar. Su cámara es utilizada como testigo ocular fidedigno, para abrirnos a sus múltiples perspectivas de las que hablábamos anteriormente. Con evidencias asombrosas que nos gritan que las respuestas que el espectador busca, están ahí disponibles para ser encontradas. Desde invocaciones de ultratumba, brujería ancestral a sugerencias canibalísticas paranormales. Todas convergen de manera perturbadora, para golpearnos con un horror disfrazado de maravillas multicolores y drogas inhibidoras. Incluso la música pareciera ser un personaje más dentro de la historia, que trae consigo (por momentos) un terrible presagio amenazante y absolutamente desolador.

Aster advierte, en determinados momentos, con sugerentes movimientos de cámara que los personajes deberían salir por donde llegaron, porque aún no es demasiado tarde. Pero tanto sus personajes como el espectador, hemos sido absorbidos por un embrujo difícil de romper. 

Luego de la magnifica Hereditary (2017) Ari Aster, sigue demostrando que incluso en la era digital actual, existen nuevas formas de expresión cinematográfica. Independiente que muchas de ellas, estén basadas en formatos de una u otra forma vistos. Pero todo depende del enfoque que se le de a una historia para que nos resulte interesante. Aster sabe jugar en justa medida con lo subliminal y lo onírico, creando algo que siquiera pensábamos podía tener unión entre si. Incluso podríamos unir Midsommar con The Witch (2015) de Robert Eggers, e imaginar, unir y descubrir que puede que tengan una indirecta relación….. Relación que por momentos creíamos insospechada. 

En una escala de 1 a 10: 8,5. (Sin duda, una de las mejores del año).

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Desde un trozo de amor.... se puede crear un monstruo

Título: "Mary Shelley" (2017). País: Reino Unido Director: Haifaa Al-Mansour. Guión: Emma Jensen, Haifaa Al-Mansour. Música: Amelia Warner. Protagonistas: Elle Fanning - Douglas Booth - Bel Powley - Maisie Williams -  Joanne Froggatt.

Mary es joven, Mary es hermosa, Mary tiene uno de los dones más esplendidos que puede tener un ser humano…… tiene la absoluta capacidad de revivir cada momento de su vida. Escribiendo y observando todo cuanto pasa frente a sus ojos. Pero vive en tiempos que no son sus tiempos, tiempos dominados por el hombre, cuyo pensar generalizado es como un virus en el que viven las mujeres dominadas y a merced de una bestia que las mira como criaturas inferiores. Incapaces de formular ideas que sean un aporte en una sociedad, y escondida cual horrible secreto Mary disfruta escribiendo en la más absoluta clandestinidad. Primero han sido simples notas, luego verdaderos libros que nunca serían leídos por nadie. Y es como aquella vez cuando conoció a aquella respetada poetisa, aquella que sepultó su más inalcanzable anhelo: escribir. Pero como ella le dijo una vez: “si nadie puede leer lo que escribes, entonces jamás serás una escritora. Una escritora sin público, simplemente no es escritora”. Aquellas palabras calaron en lo más profundo de su corazón aventurero. Y fue el inicio de un cambio que generación tras generación se transformaría en la manifestación más aberrante de una sociedad que estaba destinada a morir… para revivir transformada en algo absolutamente distinto y amenazador. Por primera vez, Mary se dio cuenta que el destino le había jugado una mala pasada, había nacido en la época equivocada, una dulce doncella que anhelaba lo imposible, lo que todo escritor desea con el fulgor más ardiente de su alma: que el mundo por fin conozca sus escritos, pero estos aún están ocultos como el peor de los secretos. Pero una cálida tarde, su padre tiene invitados a cenar. Entre ellos, se encuentra un guapo y famoso joven poeta, a quien le resulta imposible no quedar deslumbrado ante la imponente belleza de nuestra querida y juvenil Mary. Lo demás es posible imaginarlo, pues la brisa del otoño trae consigo un amor tan aventurero como su inocente y testarudo corazón. Es momento de conocer el mundo Mary, y es necesario que el mundo te conozca, pues una escritora eres y el mundo entero siempre lo recordará. 

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No me mires feo, que te castigo

Título: "The Prodigy" (2019). País: USA, Canadá. Director: Nicholas McCarthy.  Guión: Jeff Buhler. 
Música: Joseph Bishara.  Protagonistas: Taylor Schilling - Colm Feore - Brittany Allen.

La  primera impresión que tuvimos al ver The Prodigy (torpemente renombrada como El Maligno por estos lados). Fue estar viendo una nueva versión de The Omen, y bueno tampoco había que ser muy erudito en cine, para notar sus obvias similitudes.  Pero ya avanzado su metraje, nos dimos cuenta que estábamos viendo más bien un raro homenaje a El Exorcista. Escribimos “raro”, porque no se nos ocurre otra connotación. Principalmente, porque muchas de las escenas en  The Prodigy (así como también varios de sus diálogos) son más que reconocibles (incluyendo el estilo de los créditos iniciales). Ahora bien, no sabíamos aún si esto era buen o mal augurio.

Una pareja joven, luego de varias dificultades para concebir un hijo. Son bendecidos finalmente, con su tan deseado primogénito. Miles, va creciendo aparentemente como un niño normal. Pero extrañas actitudes en su comportamiento, no tardarán en llamar la atención. Su madre, es convocada al colegio donde asiste su hijo. Ya que el pequeño Miles, ha estado a punto de matar a golpes a uno de sus compañeros. Ante esto, los inexpertos padres progresivamente se irán dando cuenta, que Miles no tiene un simple problema conductual.

Debemos ser sinceros: podríamos calificar a The Prodigy como una de las películas más predecibles del año. Y que no se nos mal interprete, porque con esto no queremos decir que esta sea una mala película (nada de eso)….. Pero tampoco es de las mejores (¡!). Tiene un manejo tan efectista en las escenas de suspenso, que de verdad no se pasa mal viéndola. Tiene momentos en las que te puede mantener interesado, independiente que el espectador captará inmediatamente de que va todo. Su principal problema es que tiene un guion tan ingenuo, que hemos llegado a pensar que su director puso más énfasis en mostrarnos las películas que influyeron en su historia, en vez de mostrarnos algo aceptablemente mejor estructurado. Partamos por sus actuaciones. Aún seguimos pensando que los personajes (sobre todo el padre), no tienen ningún tipo de afecto convincente hacia Miles. Aunque el actor Jackson Robert Scott (recuerdan a Georgie ¿cierto?), se esfuerza por entregarnos su mejor cara de niño (casi) poseído. Pero que infructuosamente, no logramos diferenciarlo en nada con el personaje que lo hizo famoso. Dejando de lado, este y muchos otros “detalles”. Hay que reconocer algo: el director se esforzó en tomarnos por sorpresa con un par de escenas bastante escalofriantes, haciéndonos pasar un momento más que entretenido….. Pero que termina mandando todo literalmente al demonio (aseguramos que escribir “Demonio” no es spoiler). Ya que, todo es tan ingenuamente cliché, que terminamos por convencernos que aquí no había más que hacer.

En una escala de 1 a 10: 4,0 son infinitamente suficientes.
No obstante, si hemos captado aquella (otrora) referencia, creada quizás por Stephen King, al incorporar el terror dentro de una aparentemente feliz familia norteamericana. Brevemente, nos hace reflexionar que siempre las relaciones familiares pueden llegar a ocupar el numero uno en desgracias paranormales.
En síntesis: Aseguramos que Ud. sabrá inmediatamente como terminará esta “cosa” (ni siquiera tendrá que imaginarlo, la película en si misma, es como un sanguchito de palta….).

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Inferno (1980) Dirigida por Dario Argento En Nuestro Canal Astrovoltrox

Hemos publicado la primera película en nuestro Canal de Youtube. Abriendo así un ciclo de cine de terror clásico. Tras publicar nuestro más reciente CinemaRacconto referente a la trilogía de Las Tres Madres de Argento, iniciamos con una de las más interesantes de su obra, esperamos que la disfruten. No olviden darle me gusta, y suscribirse para publicar prontamente la siguiente.

(Para ver, solo clickear sobre el poster)

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CinemaRacconto: La Maldición De Las Tres Madres

Título: "Suspiria" (1977). País: Italia. Director: Dario Argento. Guión: Daria Nicolodi, Dario Argento (Inspirada en el libro: "Suspiria de Profundis" escrito por Thomas De Quincey). Música: Goblin, Dario Argento, Máximo Morante, Fabio Pignatelli, Claudio Simonetti.  Protagonistas: Jessica Harper - Stefania Casini - Flavio Bucci - Udo Kier -  Miguel Bosé.

Mater Lacrymarum, Mater Suspiriorum, y Mater Tenebrarum es la enigmática trilogía de Las Tres Madres, creadas por el padre del giallo Darío Argento. Para quienes seguimos a este gran realizador italiano, es una grata (y terrorífica) odisea adentrarnos en la que ha sido su obra más exitosa a nivel comercial, y una de las más alabadas por la critica. Si bien, su filmografía no destaca principalmente por manejar temas detalladamente filosóficos o que generen debates. Suspiria, tiene un halo de misterio tan inquietante como facilista al mismo tiempo. Culpablemente facilista, ya que Argento más que mostrar lo que podría ser un aquelarre propiamente tal. Prefiere usar sus bien comprobados métodos, para que el espectador se sienta siniestramente perturbado en una atmósfera no sólo intrigante, sino también hermosa. Combinación bastante poco usual en el cine de terror. Y es que los cuidados detalles estéticos de ambientación, y el acertado uso de colores sobrecargados, son sin duda un personaje más dentro de la historia. Ahora bien, también hay momentos tan artificiales, que puede parecernos bastante ingenuos (y por que no decirlo, hasta ridículos). Aunque hablamos de una película que se estrenó hace ya cuarenta años atrás, por lo que los guiños a cintas antiguas son casi recurrentes en el cine de Argento. Por irrisorios que muchos de ellos puedan parecernos hoy en día, en su momento su propuesta se convirtió en todo un fenómeno. Inicialmente porque de forma estructural, el giallo en ese entonces era considerado un género de suspenso cuya historia giraba principalmente en casos policiales. Pero que Argento supo darle un giro más sobrenatural, hasta ese entonces nunca antes visto.

La historia oculta también un trasfondo social y político de la época, sobretodo en tiempos en que las mujeres comenzaban a organizarse para obtener distintos espacios, que en ese entonces eran de dominio netamente masculino. Argento (quien en esos años ya tenía un progresivo reconocimiento dentro del género), decidió agregar el factor paranormal a la historia, no sólo para obtener el completo interés de la audiencia, sino también para disimular un peligro que nunca se deja ver, pero que si es posible percibir. Para ello, decidió utilizar distintas técnicas tanto para dar realce a los momentos más importantes de la historia, como para sugerirnos notablemente que tal vez cada color nos indicaba la emocionalidad a la que sus personajes eran expuestos. Así también como un nuevo recurso ante la expresión y presencia de peligro. Pero también generó notable relevancia, su exquisito gusto por presentarnos un cuento de brujas de lo más estilizado que el cine de terror nos ha entregado jamás. Y es que los cuidados decorados, los colores en sus diferentes tonalidades, la profundidad de campo de cada encuadre (que el director se encargó de que no se repitieran a lo largo de toda la película), el vestuario de sus personajes, la iluminación y una musicalización exagerada, hicieron que terminara por convertirse indiscutidamente en una película de culto.

Es imposible no hacer mención, de la absoluta neurosis que de manera personal nos produjo al escuchar aquella inquietante musicalización creada por Goblin y el propio Argento. Susurros y alaridos que se nos grabaron en la mente por años. Una especie de sonata siniestra, que nos indicaba que al igual que los colores, las sombras y la profunda oscuridad, la música era otro personaje que acechaba tanto a sus personajes como a los espectadores.

Debemos reconocer también, que jamás le perdonamos a Argento la manera tan simplista que utilizó para resolver varios acertijos de la historia. Para nosotros, uno de los más notorios fue la poca exposición de aquel aquelarre demoníaco, disfrazado de glamour. Sus brujas y sus ocultos rituales, de seguro que generaban un interés indescriptible y que terminaron abruptamente por silenciar cualquier tipo de conjetura al respecto. Y quizás, esa es una de las cosas que más hemos admirado de la obra de Guadagnino. Ya que muchas de las interrogantes que nos dejó Argento en su obra, fueron indiscutidamente extendidas en su remake, y que el público terminó agradeciendo. Quizás de ahí nació la reconocida obsesión de Guadagnino con la película de Argento.

Sin duda una obra de culto, que todo fan del género debe ver una y otra, y otra vez. Lo mejor de Argento, en su mejor época.

En una escala de 1 a 10: 10.

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Título: "Inferno" (1980). País: Italia. Director: Dario Argento. Guión: Dario Argento (Inspirada en el libro: "Suspiria de Profundis" escrito por Thomas De Quincey) . Música: Keith Emerson. Protagonistas: Leigh McCloskey - Irene Miracle - Eleonora Giorgi - Daria Nicolodi - Sacha Pitoeff.

Rose es una poetisa que vive en Nueva York, quien en busca de inspiración ha comprado un misterioso libro. En él se relata la historia de un grupo ancestral, que se presume domina el mundo. La leyenda cuenta, como un arquitecto construyó tres mansiones en tres distintos países, por mandato de tres poderosas brujas: Madre Suspiorium, Madre Lacrymarum y Madre Tenebrarum. Su curiosidad se transforma en intriga, cuando descubre que el lugar donde vive, posiblemente es una de aquellas mansiones. Totalmente absorta Rose, inicia una investigación con el fin de descubrir si dicha leyenda está basada en acontecimientos realmente ocurridos. Por ello, envía dos cartas: una para su hermano Mark (residente en Roma) y otra para su mejor amiga (que vive en Nueva York). Con el fin de compartir un tema oscuro, y peligroso que se ha convertido para ella en toda una obsesión. Preocupado por su hermana, Mark viaja a Nueva York y casi sin la más mínima intención, se verá involucrado en una cadena de extraños asesinatos.

Dirigida inicialmente por Dario Argento, Inferno es una de las películas mejor logradas dentro de la filmografía del realizador italiano (considerada entre las 50 mejores películas de terror según la revista Total Film). Principalmente, porque le resta sutilmente importancia dentro del mundo paranormal como lo hizo con Suspiria. Esta vez, el realizador prefirió desarrollar su historia, casi en su totalidad dentro del genero giallo, y el resultado es una angustiosa cadena de misterios de lo más interesante. Claro que no prescinde en su totalidad del género del terror que lo hizo famoso. Aquí encontramos todos sus códigos, pero absolutamente ampliados en un trabajo artístico y narrativo casi insuperable. 

Mencionamos que Inferno fue inicialmente dirigida por Argento, ya que durante su rodaje el realizador con aires barrocos tuvo problemas de salud. Ante esto, Mario Bava (no acreditado) y su hijo Lamberto Bava, se encargaron de darle vida a la historia durante su recuperación. Quizás en algunas ocaciones, este tipo de dificultades puede que pongan en riesgo el desarrollo de una película, pero afortunadamente Inferno corrió mejor suerte. Y es que lo que más impresiona de esta obra en particular, es la total facilidad de los tres realizadores para destruir la mayoría de los códigos del género del horror, y darle una estructura absolutamente innovadora. Y es que en Inferno, podemos pasar desde el misterio más angustiante, hasta la sorpresa más inesperada, tanto en sus distintas ambientaciones como en la participación de sus personajes. 

Sin duda, que es lejos la obra más gótica de Argento. La mayoría de sus escenarios están en penumbras, y la maestría para utilizar las sombras da a entender claramente la infuencia Hitchcockniana en los momentos más reveladores de la historia. Claro que Argento, también recurre a su estilo más serial killer infaltable, dónde su brazo aparece de entre las penumbras con un brillante cuchillo en mano haciendo de las suyas. Y decimos “su brazo”, ya que es conocido su gusto por mostrarlo cada vez que algún personaje se quiere pasar de listo, (o en su defecto) sabe más de lo permitido. 

Llama la atención, que esta sea una segunda parte, principalmente porque si no existiera Suspiria, Inferno funcionaría perfectamente como una película narrativamente independiente. No obstante, Argento sugiere que la historia original sigue presente, volviendo a utilizar (aunque en menor medida) varios de los colores que ya son parte de la emocionalidad de la película. Así también, varios de sus decorados ostentosos, pero utilizándolos esta vez en los momentos culmines de la trama, que ejercen un nivel tan espectacular como directamente sorpresivo. 

Pero también, es necesario mencionar varios detalles bastante simplistas y casi frívolos que van de la mano de las actuaciones. Ya que, quizás puede que no sea muy acertado todos esos estilos sobrecargados que usualmente encontramos más en el teatro que en el cine. Y puede que aquí, la influencia de Bava más bien jugó notoriamente en contra. Y es que algunas escenas, son innecesariamente largas, porque el espectador ya sabe perfectamente el significado de lo ocurrido. Y otras en cambio, caen directamente en lo naif. Otro punto que consideramos importante mencionar, es la banda sonora. Quien esta vez, está a cargo de Keith Emerson La verdad, es que hay momentos bastante interesantes que ocurren con su música de fondo, pero hay otros, que simplemente arruinan sobremanera el alto nivel visual de varias de sus escenas. Y bueno, sinceramente la musicalización en una película ochentera pocas veces ha sido una sincronía perfecta. 

En fin, con más pro que contras Inferno de Argento (considerada como una se sus realizaciones favoritas) es una obra original, que pocas veces ha sido visto (al menos en estilo) dentro de las películas actuales. Quizás por estos lados, no ha sido su obra más conocida, al menos  no se pierde nada al verla.

En una escala de 1 al 10: 10. (Una obra gótica y sádica al mismo tiempo insuperable).  

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Título: "La Terza Madre" (2007). País: Italia. Director: Dario Argento. Guión: Jace Anderson, Dario Argento. Música: Claudio Simonetti. Protagonistas: Asia Argento - Udo Kier - Cristian Solimeno - Daria Nicolodi - Coralina Cataldi-Tassoni - Moran Atias - Philippe Leroy.

Esta es la más satánica y violenta de todas. Pero también la más reveladora, ya que La Madre De Las Lágrimas da fin a la trilogía ocultista creada por Argento. 

Sarah trabaja en un museo en Roma, dónde llega un misterioso paquete para el director del museo. En su ausencia, Sarah y una colega amiga no resisten la tentación de abrirlo. En su interior, descubren varios objetos que al parecer tienen directa relación con la magia negra. Comienzan así, una investigación que las ayude a decifrar la época de dichos objetos. Pero sin sospecharlo, han despertado a una presencia demoníaca que exije un sangriento sacrificio. Poco a poco, Sarah se verá arrinconada por fuerzas sobrenaturales que no quieren que se descubra el horrible propósito que tienen para la humanidad. 

Si las películas anteriores estaban descritas con un halo de misterio, La Madre De Las Lágrimas es todo lo contrario, y los motivos son más que reconocibles. Argento, se atreve a ir un paso más allá no sólo con las escenas de gore y violencia, sino que rompe con la mayoría de los esquemas de las anteriores películas. Uno de ellos, es que Argento se abre camino utilizando de manera notable los exteriores, aquí ya no hace tanto uso de los ambientes reducidos y opresores. Aquí gran parte de la historia ocurre durante el día, aunque se reserva lo mejor para la oscuridad siniestra que tan bien le sienta (y vamos, que estamos hablando de Dario Argento). Otro de los puntos interesantes de este cierre de trilogía, es su impresionante capacidad para unir todas las películas en una. Y es que aquí encontramos referencias a las dos primeras películas, ya sea por algunas escenas, narrativamente, estética  y/o también por el magnífico empleo de la musicalización a cargo de Claudio Simonetti (miembro de Goblin, quien sin duda, ha sido lejos la mejor creación musical desde Suspiria, que incluye también sonatas oscuras y atemorizantes bañadas de black metal). 

Sin duda que La Madre De Las Lágrimas, es una de las obras más evolucionadas dentro de la extensa filmografía de Argento. Primero, porque ha demostrado su absoluta versatilidad para adaptarse a los nuevos tiempos, considerando también que ha ampliado el espectro del cine fantástico, haciendo un impresionante buen uso de los efectos especiales modernos. Así también, su absoluto desapego por los personajes quien para Argento la gran mayoría son sacrificables, y es que aquí pocos se salvan dentro de la orgía ocultista que se deja ver casi de principio a fin. Sin contar, aquellos personajes que son totalmente una novedad dentro de la filmografía de Argento (que obviamente no revelaremos), pero que no dejan de sorprender cada vez que aparecen en pantalla.

Sin duda que esta es una de las obras menos conocidas del realizador, pero que no obstante se nota que el ciclo lo cierra con broche de oro. Argento se atreve a entregarnos lo mejor de su estilo, pero con renovaciones sorprendentes y (por que no decirlo) también arriesgadas, lástima que esta siga siendo su última película hasta la fecha.

                                                            En una escala de 1 a 10: 10.

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Título: "Suspiria" (2018). País: Italia. Director: Luca Guadagnino. Guión: Dave Kajganich (Basada en los personajes creados por: Dario Argento, Daria Nicolodi). Música: Thom Yorke. Protagonistas: Dakota Johnson - Tilda Swinton - Chloë Grace Moretz - Mia Goth - Jessica Harper - Sylvie Testud - Angela Winkler - Malgorzata Bela - Renée Soutendijk - Ingrid Caven - Lutz Ebersdorf - Vanda Capriolo - Toby Ashraf - Fabrizia Sacchi - Elena Fokina.

Todos aquellos que conocen el universo a veces impredecible de este blog, saben lo que opinamos sobre los remakes. Y no vale la pena volver a hace mención al respecto, pues creemos ha quedado bastante claro. Pero algo extraño nos ocurrió con esta película en particular. Principalmente porque los fans del género del horror sabemos quien es Darío Argento, y cual es su arte macabro que nos ha entregado a manos llenas durante varias décadas. Y hasta ahora, (y si bien la memoria no nos falla) es la primera vez que se hace un remake de una de sus películas (y vaya que Luca Guadagnino eligió una de sus obras más icónicas para rendirle homenaje). Por cierto, fue el mismo Guadagnino quien aseguró que se obsesionó con la obra de Argento desde el primer momento en que la vio. Y en esta nueva versión, trató de entregar un mayor desarrollo tanto en la historia como en los personajes, que no están exentos de una muy hipnotizante complejidad (quizás uno de los principales talentos de Guadagnino que priman en varias de sus películas).

Es imposible no mencionar nuestra sorpresa al saber que Guadagnino dirigiría una obra tan oscura, en comparación a aquella obra de arte sensible y emotiva como lo fue Call Me By Your Name. Y es que nadie hasta ahora a hecho mención de ello, pero es algo así (y midiendo las proporciones) como la antítesis de Kubrick dirigiendo El Resplandor, para luego pasar a algo totalmente distinto como lo hizo en Full Metal Jacket, pero con una naturalidad de la que no muchos se pueden jactar de hacer (y ojalá tampoco no morir en el intento). Lo paradójico aquí, es que si bien la obra de Guadagnino es indudablemente majestuosa, al propio Argento pareció no hacerle mucha gracia la nueva propuesta. Y su objeción es absolutamente comprensible, ya que Argento la consideró simplemente una traición a su obra, ya que carecía de la esencia que ha movido por años sus películas: el terror. “Es hermosa artísticamente, pero no es una película de terror” dijo hace muy poco el realizador con aires barrocos. Y la verdad es que, coincidimos con algunos de los comentarios de Argento, considerando que la obra de Guadagnino más bien es una desvergonzada y pretenciosa historia que nos dejó varias preguntas en el aire, quizás con la promesa de que una segunda parte sea necesaria para responderlas.

Corre el año 1977, cuyo ambiente social y político en Alemania parece ser un parto difícil de asistir. En medio del caos, llega hasta la Academia Tanz, la aspirante a bailarina profesional Susie Bannion. Aquí deberá presentarse para una exigente audición, quien tras ser admitida, será parte de la compañía de danza que prepara una muy sinuosa presentación. Poco a poco Susie es considerada como un potencial elemento, en momentos en que una de las integrantes de la Academia desapareciera en extrañas circunstancias. Progresivamente Susie se irá convirtiendo en la nueva protegida de la actual directora artística de la Academia, Madame Blanc (impecablemente interpretada por la siempre camaleónica Tilda Swinton). Pero las cosas mutarán de manera dramática, cuando entra a escena Josef Klemperer el terapeuta de la supuestamente desaparecida anterior bailarina. El se contactará con otra miembro de la compañía llamada Sara Simms (quien se hará amiga de Susie), y le revelará que tiene objetivas sospechas que todas sus matronas, son almas ancestrales que preparan un siniestro ritual.

Una de las primeras cosas que llaman la atención de Suspiria, es el arte conceptual implícito (muchas de ellas bastante rebuscadas) que el director intenta presentar casi bordeando lo abstracto. Algunos detalles son bastante sutiles, pero bastante elocuentes al mismo tiempo. Como por ejemplo los nombres de Susie y Sara (la SS nazi que hace alusión al trauma vivido por el terapeuta Klemperer, quien logró escapar del holocausto dejando atrás a su esposa prisionera). Lo notable es que las dos SS interactúan en momentos bastante significativos con Klemperer y casi en mayor medida en circunstancias igualmente traumáticas. Si nos ponemos a analizar lo que ocurre fuera de la academia, así como las experiencias vividas por algunos de sus personajes, podríamos llegar a la conclusión que Guadagnino, utilizó el guion escrito por Argento y Daria Nicolodi como excusa para realzar el feminismo en su imparable lucha por hacer valer sus derechos. Principalmente opacadas por las decisiones de los hombres, que en la película están presentados como meros muñecos absolutamente vulnerables y manipulables ante el poder femenino. Y es que la única presencia masculina en la historia es un hombre marchito y casi agonizante, no hay hombres jóvenes y/o vigorosos que ejerzan poder sobre el resto. Más bien son las mismas matronas quienes ejercen un poder inexplicablemente manipulador sobre las más jóvenes. Cosa que ocurre también en la obra Argenteana, pero mucho más camuflada.

Todo dentro de su historia, y estética es sombrío, depresivo, que no refleja otra cosa más que una inminente decadencia, con personajes poco cercanos, casi carentes de afecto entre sí (una propuesta bastante interesante, que prescinde sistemáticamente de los colores sobrexpuestos de la obra original). Y es que la obra de Guadagnino tiene tantos matices y subtextos que podríamos estar horas describiéndolas. Pero lo esencial, es que estamos frente a un proyecto arriesgado que pudo ser el motivo por el cual las criticas, desde el estreno han estado tan divididas. No obstante, puede gustar o no. Pero nadie negará que Guadagnino rescató lo mejor del género del horror (y también lo peor, hay que decirlo), para disfrazarlo de drama político y social. El problema evidentemente radica en su insistencia por lo abstracto, y está claro que esto como recurso narrativo tiene limitantes, pero que aún así trata de resolverlas de la mejor forma posible. Un ejemplo claro de ello (alerta de Spoiler), es cuando Susie se encuentra junto con toda la compañía celebrando en un restorán la que podría ser algo así como la última cena de las brujas. Nadie parece notar que algo muy íntimo ocurre con ella y Madame Blanc quienes en sepulcral silencio se miran fijamente. Susie repentinamente se levanta imperceptible para el resto, pero no para Madame Blanc, quien la sigue con la mirada hasta que Susie literalmente desaparece (y la aparición abrupta de una oscura musicalización, así lo atestigua). Sin duda, que esta es una de las escenas más sublimes y poderosas de la película. Que no reflejan otra cosa, que el talento implícito de Guadagnino para yuxtaponer un sueño dentro de la realidad de la historia.

Sin duda que Guadagnino, cuidó cada detalle para que cosas como éstas tuvieran una evolución bastante subliminal, tanto en su narrativa como en su propuesta bastante personal sobre el terror. Pues la película carece de sustos, más bien el horror está intrínsecamente infectado en cada uno de sus personajes. Cada uno de ellos arrastra un horror en sí mismo. Sin ir más lejos las escenas de danza, cada movimiento, cada suspiro es un horror que parece ocultarse entre la belleza y lo siniestro, siempre impredecible, siempre amenazante (emulando a lo que Argento hizo con el uso de los colores y la musicalización, quienes eran un antagonista más en la historia). Pero también Guadagnino recurre al gore más encarnizado para hacernos llegar al clímax de un castigo bien merecido. Sin dejar de mencionar la horripilante y dolorosa tortura que recibe el personaje de Olga producto de un cruel conjuro. Sin duda, un claro ejemplo que Guadagnino puede  impactarnos, derramando sangre a diestra y siniestra, con impecable maestría. Lejos una de las mejores escenas de la película (visualmente como una insoportable tortura que resulta angustiante de ver).

Puede que estemos frente a un tipo de cine de horror/arte, que a medida pase el tiempo llegue a convertirse en obra de culto (así ocurrió con Blade Runner, que pasó casi imperceptible por las salas de cine, pero hoy es una de las películas más importantes de la ciencia – ficción). Aunque tampoco negaremos que siempre será un subproducto a la insuperable película de Argento. De esto no cabe duda alguna. No obstante, el talento de Guadagnino para crear ambientes que juegan con la percepción, van de la mano también de muy interesantes actuaciones (claro ejemplo de ello es Tilda Swinton interpretando cuatro personajes dentro de la historia, quien ella misma calificó como un mero entretenimiento). Así como la música a cargo de Thom Yorke (vocalista de Radiohead), quien más bien sugiere los distintos estados emocionales que presentan algunos de sus personajes principales. Pero de manera implícita, casi como si no existiera.

En definitiva, la cinta de Guadagnino pide prestada ciertas cosas a la película original, y la trata de convertir en algo aparentemente nuevo. De hecho fue el propio guionista, quien contó que no tenía ningún interés en la película de Argento, y sólo rescató algunas de las situaciones que más aportaban a su nueva historia. Eso explica el desinterés por recurrir a los códigos propios del género. Y es que lo peor de todo, son todos esos espacios muertos que parecen meros caprichos de un director que pareciera que ha hecho la película para si mismo, y no para el público. Sobretodo reflejado en un par de escenas que no dejan de desconcertar. Sólo pongan atención a los errores de continuidad o a aquellos cortes de edición que parecen bastante forzosos (cada vez nos convencemos, que están absolutamente hechos con alguna maligna intención). Así también como aquella escena post-créditos (que no revelaremos) que tiene más bien una interpretación bastante amplia, y  que los retamos a que logren revelar de que se trata. Ojo con el personaje de Jessica Harper (quien interpreta a Susie en la película de Argento), cuya vida y muerte nos revela algo más que un simple recuerdo del marchito Klemperer. Tenemos dos hipótesis bastante interesantes, pero eso es material para otro análisis. Sin duda que es uno de los remakes más magníficos que hemos podido ver este año. Que no sólo catapulta a Guadagnino como uno de los mejores directores actuales, sino que amenaza con invocar nuevamente a las tres malditas madres del averno.

Veredicto: el horror también puede ser una obra de arte.

En una escala de 1 a 10: 9,7.

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                                                                             FINE

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Cahiers du Sang

Título: "Boar" (2017). Director: Chris Sun. Guión: Kristy Dallas, Chris Sun. Protagonistas: Nathan Jones - John Jarratt - Christie-Lee Britten.

Desde tiempos inmemoriales que la Universal realiza de vez en cuando, películas series B que hoy parecen casi incomprendidas para un público educado a base de reboot y remakes del montón. Ahora es el turno de Boar, donde un sobredimensionado jabalí hace de las suyas en un pueblucho perdido en el tiempo. 

Lo primero que llama la atención de su historia, es que aquí casi todo es aleatoriamente desprovisto de respuestas y contextos. Por lo que podrán imaginar, que cada escena puede significar un sin sentido del porte de un buque. Y es que, sin desmerecer para nada este subgénero de culto, de un tipo de terror más disparatado. Cabe señalar, que tiene momentos tan absurdos como generosos con el gore. Aquí, da igual la historia, las actuaciones, etc. Esta película ha sido hecha, o para descolocarnos con tanto disparate junto, o porque los productores no sabían que hacer con un puñado de dólares que les había sobrado. Sin embargo, debemos reconocer que por irrisorias que parezcan algunas (o la mayoría para ser justos) de sus escenas pésimamente estructuradas. Las que tienen que ver directamente con el gore, pueden hacer que todo esto se convierta en puro y sanguinolento festín. Por mucho que nos parezca, que películas donde se atreven a mostrar a criaturas tan poco explotadas en el género del terror, y sin una pizca de CGI, a nuestro entender tiene mérito. Pero ojo, que eso no le quita para nada su sentido casi masoquista por hacer que nos riamos de ella una y otra vez. 

Como ya sabrán, en tiempos en que todo lo puede una app. En un pueblo (que ya ni recordamos, ni tampoco importa mucho donde carajo queda), en menos que canta un gallo. Un jabalí enorme, aparece casi por efecto del espíritu santo en las inmediaciones del lugar. No se sabe mucho del por que de su nada tranquilizador tamaño, pero si nos deja algo clarito, clarito: les tiene sangre en el ojo a los humanos. Quizás, en el afán de la naturaleza para abrirse camino para vengarse de ellos, Boar es una especie de chancho robusto que viene del futuro para que dejemos de comérnoslos. Vaya a saber uno, si lo que importa es que igual nos divertimos lo necesario viendo tamaña (literal) ridiculez. Hay que alabar eso si, su gran y memorables efectos hechos casi artesanalmente, también varias escenas de persecución que fácilmente podrían hacernos recordar al Tiburón de Spielberg. 

Con escenas gore divertidas que llega a dar gusto verlas, una rareza por donde se la mire que claro que califica perfectamente en las nuevas versiones de series B actuales. 

En una escala de 1 a 10: 3,3.

Título: "Dying Breed" (2008). País: Australia.

En un bosque de Tasmania, ocurren cosas raras. Hace algún tiempo, una chica desapareció misteriosamente en una expedición. Junto con un grupo de científicos, trataban de comprobar la existencia del tigre de Tasmania, extinto hace ya cien años. Pero algo horrible ocurre, por lo que su hermana va en su rescate con un grupo de amigos, para obtener alguna pista que la ayude a entender lo que ocurrió con ella. 

Hay películas que como en muchos casos, vale la pena hacer mención. Pero como a veces, nos gusta escapar a las reglas. También es entretenido, hacer mención especial a todas aquellas películas que tienen tantos errores, que terminan por llamar inesperadamente la atención. Dying Breed, parece una película realizada con más intensión de filmar lo que sea, que mostrar algo que aporte al género del terror. Ya que aquí, no hay absolutamente nada que no hayamos visto antes. Todo es un cliché tan absurdo como inocuo. De hecho, parece como si estuviéramos viendo una secuela de Wrong Turn, pero con mucha menos estructura. Algunos diálogos son tan absurdamente prolongados, como sin sentido. Principalmente, porque ya nos han entregado más información de la que deberíamos saber. Por lo cual, el efecto sorpresa aquí es prácticamente inexistente. Sin mencionar, que las actuaciones son tan malas, que las escenas gore parecen que están más para disimular un mar de sin sentido que otra cosa. Haciendo (al menos) por momentos muy breves,  que todo sea mínimamente disfrutable. Hace tiempo, que no veíamos una película tan ridículamente mala. Cuya falta de estructura que mencionamos anteriormente, no da ni siquiera para considerarla una rareza. Al menos, las rarezas tienen algo especial (un buen guion, actuaciones aceptables, efectos especiales modestos pero efectivos, buena dirección, alguna intención de mostrar algo distinto, etc.). Que terminan por ganarse nuestra simpatía, pero esta definitivamente no es otra cosa que una brutal pérdida de tiempo.

En una escala de 1 a 10: 2,2 (hemos sido generosos, lo sabemos!!).

Moraleja: al parecer, cualquier idiota se puede hacer llamar director de cine hoy en día (y mejor ni mencionar al “guionista”).

Título: "Cell" (2016). Género: Suspenso, apocalipsis. Director: Tod Williams. Guión: Adam Alleca, Stephen King (basada en su novela). Música: Marcelo Zavros. Protagonistas: John Cusack - Samuel L. Jackson - Isabelle Fuhrman - Owen Teague.

Para los teóricos de la conspiración esta podría ser la película de cabecera, digna de análisis. Principalmente porque apesta a ejecución iluminati. Un día cualquiera, las personas comienzan a dormirse en plan drop dead, pero al despertar ya no son los mismos, tienen ahora un odio inconmensurable contra los “sanos”. Así es que como solemos decir en nuestra sección zombistica: patitas para que las quiero. Corran por sus vidas, porque aquí la idea es que no quede ni una sola alma viva (¿alma viva? Abra que morir para saberlo en realidad). Bueno, como sea, no tardan mucho en notar que todas las personas murieron a causa de…..¿no adivinan?.... les daremos cinco segundos para pensarlo: 5….4….3…2…1…tiempooo!!! Sus carísimos y ultra modernos Smartphone. Si señora, si señor, aquel aparato que los mantiene controlados con la cabeza gacha incluso mientras van caminando por la calle. Aquel aparatico que estupidiza a las personas, haciendo que incluso un libro no pueda competir con semejante invento de esta maravillosa era moderna en la que vivimos. Y ante esto citaremos a Tyler Durden tex-tu-al: “Las cosas que posees, terminan por poseerte a ti!”. Y mire que lindo, un personaje de una emblemática película lo predijo hace casi ya veinte años atrás. henos aquí, chocando en las calles por no ser lo suficientemente inteligentes para levantar la cabeza y lograr al menos evitar estrellarse con alguien, ese alguien que sí está pendiente de lo que le rodea. Usted ya no es como esa persona, ha sido controlado por un aparato que mide menos de veinte centímetros, y que lo quiera o no, ejerce un infinito poder en usted, poder que a la larga será usado en su contra. Y cosa increíble, una cierta frecuencia hace que la gente se desmaye por un par de minutos, para despertar convertidos en criaturas desprovistas de toda voluntad, absolutamente esclavizadas. Y como dijo otro personaje por ahí (pero que en una de sus escenas una pobre niña levita en perfecta forma de cruz): “no les den más información al demonio…….pues este ya sabe demasiado”. Piense, medite, y no termine como muchos quieren que usted termine (al menos ese es el mensaje de la película…. Lo demás es opción suya, tómelo o siga con la cabeza gacha). Al fin y al cabo, hoy por hoy todo se trata de opciones y posibilidades ¿o no?