En medio del desierto nadie puede escuchar tus gritos

Titulo: "It Stains The Sands Red" (2016).
Director: Colin Minihan.
Guión: Colin Minihan, Stuart Ortiz.
Música: Blitz//Berlin.
Protagonistas: Brittany Allen - Juan Riedinger - Merwin Mondesir - Kristopher Higgins - Andrew Supanz - Nico David.

Una bailarina exótica, escapa desde las Vegas junto con su acompañante porque una especie de virus se ha desencadenado agresivamente a nivel global, produciendo miles de muertes. Pero se quedan atascados en pleno desierto. Infructuosamente tratan de resolver el problema, y no les queda otra opción que esperar a que otras personas que pasen por ahí los puedan socorrer. Pero nada ocurre hasta que llega la fría noche. Con pocos víveres es muy difícil que puedan sobrevivir. Es así que el único plan que tienen es comenzar a caminar de noche hasta un aeródromo donde otras personas los estarán esperando por tiempo limitado. Pero antes que den el primer paso, son atacados ferozmente por un hombre. Siendo este el inicio de una pesadilla en un lugar que se volverá cada vez más hostil.

Considerada como una variación al subgénero apocalíptico zombie, y con una positiva recepción en varios festivales independientes, “It Stains The Sands Red” (algo así como: “Mancha Las Arenas De Rojo”). Tiene casi de todo lo que se puede esperar de este tipo de pelis, aunque con varias variantes que (para bien o para mal) tiene momentos bastantes interesantes. Uno de ellos es el hecho de que aquí contamos con el mínimo de actores para contar una historia sencilla, pero que se da el tiempo para darnos varios momentos bastante impredecibles. Y esto en tiempos en que pareciera que las ideas se han acabado (al menos en cuanto al género del terror respecta) son absolutamente bienvenidos. Lo importante es que con poco, se pueden

hacer buenas cosas. Actuaciones dignas, escenas medidas de gore (y es que se nota que no dependen de estas para mantener la historia), otras tantas bastante absurdas e innecesarias. Hacen de esta especie de road movie, una de esas películas que le dan un impulso diferente a la macro obsesión por el fin de los tiempos. Hay momentos de bastante tensión, pero el tono del argumento pasa fácilmente del terror a la comedia negra (y luego un bizarro quiebre directamente absurdo). No obstante, tiene “algo” que nos mantiene interesados, y al parecer es el simple hecho de que el director se esfuerza por ir rompiendo uno a uno todo indicio previsible. Y lo más raro es que funciona bastante bien, siempre y cuando no se le exija más de lo que realmente es capaz de dar

Mira en lo que te has convertido

Titulo: "Leatherface: La Máscara del Terror" ("Leatherface") (2017). 
Director: Alexandre Bustillo y Julien Maury. 
Guión: Seth M. Sherwood. 
Música: John Frizzell. 
Protagonistas: Lili Taylor - Stephen Dorff - Sam Strike - Vanessa Grasse.

Una familia completa es acusada de cometer secuestros y posteriores torturas a varios incautos visitantes que tienen la mala suerte de toparse con su casa. Esta se encuentra prácticamente en medio de la nada en un sector rural de Texas. El problema es que no existe ningún tipo de evidencia que los implique directamente en los crímenes. Por lo cual dichos crímenes quedan absolutamente impunes. La policía sólo los quiere ver tras las rejas, y estarán pendientes de cualquier situación que los termine por culpar. Una noche, la desequilibrada familia durante la celebración del cumpleaños del más pequeño del hogar lo obligan a asesinar a una de sus victimas, pero el asustado chico se niega rotundamente a hacerlo. Lamentablemente este tipo de experiencias lo traumatizaron de por vida. Pasados varios años, y como puede ser lógico, es tratado en una institución mental de alta seguridad. Al parecer él es uno de los más estables en comparación a los demás

“huéspedes”. Un día conoce a una nueva enfermera que se encargará de mantenerlos en constante observación, quedando varios de ellos a su cuidado. El primer día de ella en el manicomio no podía ser más incómodo, ya que uno de los pacientes se trata de sobrepasar. Pero un hombre muy corpulento que tiene un claro retraso mental llamado Bud, sale en su ayuda. Pero las cosas se complicarán cada vez más, cuando la madre de uno de los pacientes se hará presente para llevarse a su querido hijo. Y en vista que no lo ha conseguido, decide crear un caótico motín que termina con varios muertos y otros tantos pacientes fugados. Teniendo la peor de las suertes, la pobre enfermera es tomada como rehén de un peligroso grupo de psicóticos que se ha formado en el exterior con el fin de escapar del país. Al principio será protegida por algunos de los ex pacientes, pero las mentes perturbadas son impredecibles y las cosas poco a poco se transformarán en horror puro.
Concebida oficialmente como una precuela de “La Matanza De Texas”. “Leatherface” nos narra de manera bastante vertiginosa la vida y obra de uno de los asesinos homónimos más memorables del subgénero Slasher basado en la inolvidable película de Tobe Hooper (quien en esta cumple labores como productor ejecutivo). Esta vez la dirección está a cargo de dos jóvenes promesas del género del terror Alexandre

Bustillo y Julien Maury, quienes tienen varias películas realizadas en conjunto. “Leatherface” (que se estrenó tan sólo hace muy pocos días atrás) es una de las realizaciones más fieles en términos sanguinolentos de la saga. Pero no sólo por la sangre que salpica la pantalla en justa medida debemos encasillarla. Sino porque la obra no se anda con chicas, ya que va justo al núcleo de todo el asunto. Las cosas se van sucediendo sin mayor preámbulo. Y da la sensación de casi estar viendo una película de acción, pero que va mutando constantemente. Desde una road movie, pasamos a una historia dramática en un sanatorio mental, y luego sin que hayamos tenido más tiempo para digerir lo anterior nos encontramos con un macro horror que incluye amor necrofílico entre otras delicadezas. ¿Resultado? Una película que definitivamente te volará la cabeza. Bustillo y Maury conocen a la perfección lo que resulta y no con una obra como esta. Ellos desarrollaron una visión más amplia en términos en que la película no se encasilla a si misma como una obra

más de “La Matanza De Texas”. Sino que en cambio se da tiempo para explorar desde varias perspectivas tanto argumental como interpretativamente, para luego volver al inicio que todos conocemos y que nos muestra en gloria y majestad escenas absolutamente reconocibles que los fans de “La Matanza De Texas” de seguro agradecerán. Lo mejor de todo, es que rompe varios códigos típicos del género del terror, y que de seguro pueden ser identificados.
En definitiva tenemos una película que cumple con todo cuanto se le pueda exigir, y lo mejor de todo es que tiene un muy buen par de sorpresas bajo la manga que de seguro agradarán aún más.

Si la miras fijo... no vivirás para contarlo

Titulo: "Annabelle 2: La Creación" ("Annabelle: Creation") (2017).

Director: David F. Sandberg.

Guión: Gary Dauberman.

Música: Benjamin Wallfisch.

Protagonistas: Stephanie Sigman - Talitha Bateman - Anthony LaPaglia - Miranda Otto.

Año1946, Samuel Mullins es un fabricante de muñecas quien vive con su esposa Esther y su pequeña hija Bee en un pequeño sector rural. Samuel se encuentra diseñando un nuevo lote de muñecas donde la principal de ellas está inspirada en su hija. Un día, mientras regresaban de la iglesia un dramático accidente termina con la vida de Bee, sumiendo a la pareja de padres en una profunda tristeza.
Doce años después, seis niñas son llevadas a la casa de los Mullins para ser adoptadas, incluida Janice quien presenta una discapacidad en una de sus piernas. Samuel, al principio es frío y distante con ellas (limitando casi nulamente toda conexión sentimental con ellas), pero en el fondo decide darse una nueva oportunidad, al menos con las más pequeñas. Las recién llegadas tienen sus propios grupos de acuerdo a su experiencia y edad, por lo que Janice y Linda están casi siempre juntas. Pero una noche Janice se siente atraída hasta la habitación que fuera de Bee. Sin tardar mucho en darse cuenta que una presencia en la casa desea comunicarse insistentemente. Al parecer nadie más nota que algo muy extraño esta ocurriendo en aquella casa ¿será el espíritu de Bee que se quiere comunicar con ella?.
Dirigida notablemente por el sueco David F. Sandberg (¿recuerdan el cortometraje “Lights Out”?). Y esta
En conclusión “Annabelle: Creation” esta mucho mejor desarrollada (y también dirigida) y quizás rompe un poco con la barrera de la sobrevaloración (que a veces termina por marcar de forma negativa a una película,

y esta es una claro ejemplo de ello). Esta se deja ver sin problemas, sobretodo por que Sandberg se da absoluta licencia para sorprendernos en momentos muy notables, que incluso rayen en lo grotesco (y que obviamente sea muy bienvenido). Al parecer con él las cosas no son como parecen, y no teme mostrar más de la cuenta.

vez hay que reconocer que, a veces ese dicho de nunca segundas partes son buenas (a veces) suele ser escasamente errónea. Solo basta revisar películas como Aliens (1986) y Terminator 2 (1991) (ambas coincidentemente dirigidas por James Cameron) que escaparon con creces de la norma. Pues bien, podemos decir entonces que “Annabelle: Creation” es lejos muy superior a su primera parte. Y es que hay muchos factores que determinan que una película sea buena o mala. Pero estaremos de acuerdo que el principal de estos es el guión y el director, quien en definitiva es el responsable de darle impulso a la película imponiendo toda su creatividad para ello. Y es aquí que el trabajo de Sandberg es casi insuperable. Sobretodo en momentos en que esta película de cierta forma ha sido sobre o subvalorada por varios motivos, lo extraño es que independiente de todo, de igual forma atrae a muchas personas a las salas de cine. Sandberg esta vez dirige una película con las ideas mucho más claras, y por sobretodo se hizo de buenos actores para sustentarla (Miranda Otto y Anthony LaPaglia encabezan la lista). Si bien nos encontramos con viejos clichés tan propios del género, el nos sorprende con varios momentos de verdad bastante interesantes (siendo uno de ellos la secuencia del espantapájaros a modo de ejemplo). Ya que creemos estar viendo algo con lo que nos podemos identificar, pero no es a lo que estábamos acostumbrados, y en la creatividad para generar la diferencia esta el secreto. Aquí hay sustos, pero están

mucho más elaborados para no caer tan sólo en el susto fácil, y la música (que incluso se limita por momentos a sólo golpes bastante sugerentes) se complementa a la perfección para que surta el efecto deseado. Por otro lado, si una película de terror que sólo nos presenta esto para tener algún efecto en el público, en realidad no es una buena película de terror. Sandberg se encargó de presentarnos también realidades diferentes dentro del mundo de sus personajes. Y lo hace con dramatismo sobretodo cuando aparecen en escena las chicas huérfanas, quienes al parecer vienen saliendo de sus propias experiencias que no han sido de las más alegres. Asimismo la pérdida de un ser querido y el profundo vacío que implica su ausencia. Estas y muchas otras conforman no historias paralelas, pero si le dan un enfoque mucho más amplio al argumento que no se limita tan sólo a la inquietante imagen de la famosa muñeca (quienes ya deben ser muchos los que esperan que algún día se mueva por si sola).

Por sus venas corre sangre.... y plástico

Titulo: "El Culto De Chucky" ("Cult Of Chucky") (2017). 

Director: Don Mancini. 

Guión: Don Mancini

Música: Joseph LoDuca. 

Protagonistas: Brad Dourif - Alex Vincent - Fiona Dourif - Jennifer Tilly - Summer H. Howell - Christine Elise.

Andy Barclay ya es un adulto, su vida luego de vivir las traumáticas experiencias de la infancia no ha sido de las mejores. Vive sólo y los fantasmas del pasado se manifiestan en mayor parte de su vida. Aún no consigue novia y se ha transformado en una especie de torturador obsesivo circunstancial. En su casa esconde celosamente un trozo de su infancia, causante de todas y cada una de sus desgracias. Al que no duda en infringir todo tipo de vejámenes, llegando incluso a generarle mucho placer. 

Mientras tanto, en otro lugar de la ciudad, Nica Pierce tras ser la única sobreviviente de la matanza de su familia. Se encuentra recluida desde hace cuatro años en una institución mental de mediana seguridad. Luego de asegurar que el autor de los asesinatos fue nada más ni nada menos que Chucky, el muñeco ochentero de su hermana menor. Nica, agotada de estar en el lugar equivocado finge estar siendo curada de una psicosis que en realidad nunca tuvo. Pero un macabro plan de venganza se está gestando en su contra, y tarde o temprano Chucky se hará presente nuevamente con ayuda de sus esbirros. Andy se entera que una orgia de nuevos asesinatos se llevará a cabo, e irá en ayuda de Nica. Pero ninguno de ellos sospecha que esta vez Chucky trae consigo un AS bajo la manga.

Uno de los íconos del género del terror de los años 80´s, regresa esta vez para la venta directa en formato DVD y Blu-ray. 

Don Mancini (uno de los guionistas de la película original de 1988) vuelve a estar detrás de las cámaras por tercera vez. E incluye en su reparto a Alex Vincent, quien realizó post-créditos una de las mejores intervenciones de la saga cuando apareció en “Curse Of Chucky” (2013). Luego de una larga ausencia tras su última participación en “Child´s Play 2” (1990). 

Mancini recurre, en muchos niveles a varios efectos que hicieron famoso al muñeco más maniaco del cine. Aunque esta vez con varias sorpresas (incluidos varios guiños a películas de terror reconocidas). Y es esta su mejor carta de presentación, sabemos que estamos ante una saga que nos ha dado prácticamente de todo un poco. Pero a medida que avanza su historia, poco a poco se va desinflando hasta casi llegar a perder el interés. No obstante, hay que ser justos ya que “Cult Of Chucky” tiene casi de todo lo que se puede esperar de ella: humor negro, asesinatos por doquier y otra sorpresa post-créditos. Pero no logran dar el suficiente impulso para llegar a estar al nivel de sus predecesoras. Y uno de los motivos (y quizás el principal) es un

guión que al parecer fue cambiado una y otra vez, para dar consistencia a la película, o para hacer que todo encaje. Pero si bien el inicio de la película es lejos lo más notable, el ritmo va disminuyendo. Sobretodo cuando vemos a algunos actores repetirse el plato, pero esta vez lucen como si estuvieran obligados a volver a interpretar sus personajes. Y quizás, si bien la saga nos ha dado muy buenos momentos, la sobreexplotación está terminando por restarle paulatinamente interés a estas nuevas continuaciones. Lo más extraño de todo es que está confirmada una nueva película. Esperemos ver algo un poco mejor desarrollado (y que sin ser muy graves, se tome un poco más en serio así misma), y que ojalá el muñeco que nos trajo tan buenos momentos vuelva a tener mínimo, un poco más su apariencia original. Recomendable si no le exijes mucho y sólo te quieres divertir, recordando un par de asesinatos memorables y un desenlace que al parecer promete.

La perversión humana no tiene límites (+18).

Titulo: "Una Película Serbia" ("Srpski film" "Српски филм") (2010).
País: Serbia.
Director: Srđan Spasojević.
Guión: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević, Jelena Gavrilović.
Música: Sky Wikluh.
Protagonistas: Srđan Todorović - Sergej Trifunović - Katarina Žutić - Jelena Gavrilović - Slobodan Beštić - Lena Bogdanović - Ana Sakić - Nenad Хeraković - Lidija Pletl.

Milos fue un legendario ex actor de cine porno, quien vive aparentemente muy tranquilo junto con su esposa Marija y su pequeño hijo Stefan. Un día es contactado por un extraño personaje llamado Vukmir, quien a través de sus empleados lo cita a una reunión. En ella es tentado para ser protagonista de un ambicioso y oculto proyecto que marcaría su regreso al mundo de la pornografía. La condición es que no

puede saber nada del proyecto hasta que llegue el primer día de filmación. Al principio Milos se muestra no muy entusiasmado con la idea, pero la verdad es que dentro de poco necesitará un trabajo como todo el mundo para poder mantener a su familia. El dinero ahorrado a lo largo de su carrera, se esta desvaneciendo poco a poco entre sus manos, y decide primero consultarlo con su esposa quien opina que no es mala idea después de todo. Hay mucho dinero en juego y esta sería la oportunidad que estaba esperando para retirarse en gloria y majestad de un mundo vicioso y morboso que le dio fama y fortuna. Manteniendo una actitud dubitativa, decide aceptar ser parte del proyecto. Al principio todo parecía tener algún sentido, las filmaciones extrañamente hasta ahora no contenían ningún tipo de encuentro sexual. Y así se mantiene hasta que una mañana despierta acostado en su cama, bañado en sangre y completamente sólo, sin tener ningún tipo de recuerdo de lo que ocurrió el día anterior. Desesperado, inicia un recorrido lugar tras lugar, que lo ayude recordar lo que aparentemente fue obligado a olvidar…

Por fin tenemos un motivo para presentar una de las películas más impactantes y polémicas del 2010 y que en esta lista de Halloween 2017 no puede faltar en tu playlist (si es que son capaces de soportarla por supuesto). 

Si bien esta cinta no fue hecha para agradar a todo el mundo (en varios foros hirvieron los comentarios que la condenaron casi unánimemente), debemos entender el concepto del director Srđan Spasojević, quien se

ha transformado en uno de los directores más viscerales que se tenga memoria dentro de los recovecos del cine más underground, y cuya película significó además su debut como realizador. Spasojević se ha declarado gran admirador de directores como William Friedkin (“El Exorcista”(1973)), David Cronenberg (“La Mosca” (1986)) y John Carpenter (“La Cosa” (1984)), entre otros. Su cine no es apto para débiles de mente (y por que no decirlo, tampoco para débiles de estomago). Y es que hablar de “A Serbian Film” es hablar de degradación  en su estado más crudo. Y fue el mismo director quien explicó la génesis de un argumento tan retorcido como degenerado: ¨Esta una directa parodia ante las películas políticamente correctas que se están produciendo en Serbia y financiadas por empresas

extranjeras. Pero su trasfondo también se centra en acontecimientos tan horribles como lo ocurrido en Bosnia, sobre todo si tienes 20 años y conoces lo que significa que bombardeen tu cuidad de la noche a la mañana. Mi película es una especie de contraataque directo a los censores y a las autoridades, asimismo la corrección política (refiriéndose concretamente a los múltiples efectos de censura) es una forma de fascismo que intenta matar la libertad de expresión¨. Y es que nadie esperaba la polémica que generaría un argumento que definitivamente a todos tomó por sorpresa. 

Lo extraño es que quizás se podía esperar que la película tuviera algún tipo de restricción en Estados Unidos por ejemplo (cuya copia se exhibió con varias escenas cortadas también en otros países). Pero en realidad fue en España donde causó mayor revuelo (incluso el director del festival de cine de Sitges fue acusado por el delito de exhibición de pornografía infantil), y lo más extraño de todo es que la película (a pesar del impacto que provocó en la mayor parte de la audiencia) ganó varios premios en múltiples festivales. Desde entonces, se prohibió cualquier tipo película que incurriera en presentar a menores de edad en cualquier tipo de actitud que atentara contra su integridad

física y mental. Y la verdad es que esta película abre el debate sobre los límites de la censura y los límites hipotéticos sobre la libertad de expresión (así como el arte que no tiene términos medios y es considerado absolutamente subjetivo). Si bien su argumento es algo que no se había visto en película alguna (al menos de forma tan explícita) Spasojević asegura que la sociedad está tan cegada, que no mostrar lo que existe es negarte a vivir en una realidad que muchas veces es más oscura de lo que se pueda creer. Y tampoco comenzaremos a enumerar las aberraciones (y degeneraciones extremas) que presenta una película como esta, porque en realidad la cinta no sugiere nada, todo lo inimaginable esta ampliamente expuesto. Lo único claro es que llega hasta los límites de lo permitido, y luego simplemente cruza la barrera, haciendo que te noquee como pocas. Y es en su horror más descarnado donde podemos identificar algunas metáforas que rayan incluso en la misoginia, la depravación máxima con criaturas inocentes, y personas de mucho poder deseosas de satisfacer sus más aberrantes placeres.

Dejando un poco de lado sus secuencias enfermizamente más perturbadoras, la visión de Spasojević tiene un ritmo degradante que va en descenso desde lo más normal y cotidiano hasta un infierno insospechado. Porque lo que no muestra inmediatamente, en un ejercicio similar cuando leemos un libro, al menos nos da tiempo para poder imaginarlo. Aunque cuando somos testigos de los horrendos flashbacks que se presentan

en la mente del protagonista nos damos cuenta lo limitada que estaba nuestra imaginación. Y desde aquí los golpes son progresivamente mucho más fuertes que el anterior. Spasojević termina por conectarnos con un mar de emociones de profundo rechazo y juicios predeterminados (y el ejercicio mental causa irremediablemente todo tipo de efectos en el espectador, difíciles de digerir en tan poco tiempo). Y es que hay películas que pueden afectar la sensibilidad del espectador, también hay otras que como esta, terminan simplemente por aniquilarla. La impactante y extrema visión de Spasojević nos golpea con degenerativa decadencia, reflejando cuan asqueroso y pervertido puede llegar a ser el comportamiento humano (no hay peor horror, del que somos capaces de inflingirnos nosotros mismos). Su propuesta al

principio nos resulta bastante chocante, pero es doblemente interesante, ya que aquí nada es gratuito, todo tiene un fin, todo tiene una conexión entre sí. Y si tan sólo por un momento dejamos de lado los momentos más inquietantes de la película, logramos ver una crítica social de lo más desgarradora. Tenemos primeramente a un personaje casi perdido, completamente carente de proyección, por otro lado están las grandes potencias que ofrecen una suculenta recompensa para ver saciados sus más degenerados deseos (y es que sugiere que hay un potencial público ávido por obtener lo que socialmente esta catalogado como no permitido y que podemos ver tan sólo a través del lente de una cámara negra, y es que no sabemos que es más aterrador: ¿tener el poder para satisfacer las perversiones o ver que existe un publico que las

consume?). Y estos son sólo algunos de los cuestionamientos que el director te logra transmitir. No obstante, una cinta como esta, es casi imposible pasarla por alto. Algunos la catalogan como género de terror, otros como gore (bastante brutal hay que decirlo). Pero independiente de esto, no deja a nadie indiferentes, a pesar que ya han pasado siete años desde su estreno. Cuenta con uno de los guiones más sólidos que podemos encontrar en este tipo de películas. Con personajes que se pierden a si mismos (convertidos en verdaderos monstruos), motivados por la envidia, la locura misma o el deseo de someter y degradar al que esta al lado, al más débil, al más vulnerable. Aquí todos están profundamente conectados con lo perverso, lo enfermizamente

prohibido y lo peligrosamente perturbador que destruye todo límite permitido entre el humano y lo despreciable. Y es que, la regla del más fuerte consiste en someter al más débil, arrebatando su poder de decisión. Transformándolo en un monstruo abominable, sin reflexión, sin empatía y carente de lo que simplemente nos debería definir: humanidad.

En definitiva una película no apta para cualquiera, que logra perturbar como pocas (y también se da tiempo para el humor negro de lo más bizarro). Pero que en el fondo es una impecable muestra en términos cinematográficos con actuaciones potentes y uno de los guiones más desgarradores que se han podido ver, y con la propuesta interesante de un director que tiene algo que expresar y cuyo estilo no dejará a nadie indiferentes. 

Madre!: Si el infierno no fue suficiente, aquí te contamos la verdad (Explicación No Spoiler!).

Titulo: "madre!" ("mother!") (2017).

Director: Darren Aronofsky.

Guión: Darren Aronofsky.

Música: Jóhann Jóhannsson.

Protagonistas: Jennifer Lawrence - Javier Bardem - Michelle Pfeiffer - Domhnall Gleeson - Ed Harris.

Una pareja de casados viven apaciblemente en medio del bosque en una casa de ensueño. Ella se encuentra restaurando algunos puntos defectuosos en su interior, y por ello esta permanentemente preocupada hasta del más mínimo detalle para arreglar cada rincón de la casa. El es un poeta que pasa por una etapa de nula inspiración, por lo que su creatividad se encuentra en una especie de trance introspectivo. Pero a pesar de todo, juntos viven tranquilos y en aparente armonía. Pero aquella tranquilidad se verá progresiva y caóticamente interrumpida, cuando un misterioso hombre golpea a su puerta. Este se presenta como un gran fan del poeta, quien lo recibe con lo brazos abiertos, mientras su esposa no aprueba desde un principio alojar a un completo extraño en su amada casa. Para empeorar la situación, aquel misterioso personaje no venía sólo. Sino que gradualmente su esposa e hijos se hacen presentes en la morada, arrastrando una discusión que poco a poco desemboca en acontecimientos tan desconcertantes y traumatizante (principalmente para la esposa) como de profundo significado.

Este es el potente y metafórico argumento de madre!, película que marca el regreso del siempre inquietante Darren Aronofsky. Quien esta vez, nos trae una de las películas más arriesgadas (por considerarla absolutamente transversal dentro de un circuito dominado por

cintas de súper héroes y otras tan vacuas como olvidables), pero que ha dejado boquiabiertos a muchos que la han visto. Esta por su parte, no ha dejado indiferentes tanto a críticos especializados (en su primera exhibición en Venecia los puso en jaque) como a espectadores (principalmente porque muchos no la han comprendido). Madre! es de aquellas películas que lo quieras o no, se quedan grabadas en la retina por mucho tiempo, y luego terminan desgarrando la mente con sus mensajes. En términos simplistas, te dejará pensando… y por que no decirlo, te perturbará como pocas, llegando incluso a jugar con la capacidad de resistencia mental del espectador. Quizás sea muy pronto para decirlo, pero con el tiempo, sea considerada como una nueva obra de culto. Nos llama la atención como siquiera llegó a las salas de cine locales, ya que casi la podríamos calificar como una cinta salida del circuito independiente pero estrenada comercialmente y respaldada por un gran estudio.

Madre! resulta una especie de ejercicio subjetivo tan inquietante como perturbador, es un descenso a la locura que traspasa los limites de la violencia más horrendamente desgarradora, y ojo que no vemos en esencia una película de terror o mucho menos como se la ha calificado erróneamente como “thriller psicológico”, madre! es casi inclasificable. Y es justamente la desconcertante visión de Aronofsky que nos azota la cabeza contra el suelo

una y otra vez, para lograr entender el horror que pasa frente a nuestros ojos con un significado tan impactante que casi no nos da tregua para reaccionar. En un principio la complejidad tanto del argumento como de cada uno de sus personajes es algo así comparable a una caja de Pandora. Aronofsky nos obliga (literalmente) a no despegar en ningún minuto la atención del personaje interpretado por Jennifer Lawrence (quien unánimemente creemos que nos entrega una de sus más sólidas interpretaciones) ya que el mismo se encarga de mantenerla siempre en primeros planos. Aronofsky nos trata de gritar con cada secuencia, con cada situación algo de suma importancia en metáforas (una casa que parece respirar por si sola, una piedra preciosa que esconde un gran poder, un bebé que nace como una especie de milagro y salvación, etc.) tan poderosas que en una acción inversamente proporcional vamos a pasar por alto, porque nadie nos había preparado para la tan reveladora verdad. Y es que los actores sabían la importancia de cada uno de sus roles. Pero Aronofsky nos somete a una tortura mental que traspasa tres importantes etapas (que deben descubrirlas por si solos) y nos obliga a cruzar el límite de la locura más aterradora, hasta ahora jamás experimentada.

Muchos críticos ya la han considerado como uno de los mejores estrenos del año (y estamos absolutamente de acuerdo con ellos). Aronofsky regresa a la etapa más cruda y visceral que lo hizo mundialmente conocido, y si bien no lo esperábamos para nada, finalmente terminamos por agradecerlo. Para algunos es una de aquellas películas que o la amas o la odias, y todo radica en si logras entenderla del todo o no. Porque esta es una especie de alegoría de descenso al infierno sin retorno, el desconcierto será la primera de las sensaciones que el espectador estará obligado a experimentar.

A continuación definiremos la atmósfera de Aronofsky detalladamente y trataremos de reducir bajo mínimos cualquier tipo de spoilers para aquellos que aún no la han visto. Pero advertimos (y recomendamos primero verla antes de seguir leyendo) porque explicaremos un par de las metáforas más potentes de toda la película que posiblemente te abrirán algo así como el tercer ojo cinéfilo que envuelve a todo el argumento implícito en esta maravilla retorcida.

Aronofsky ha tenido una visión muy personal dentro de su corta filmografía (que incluye tan solo siete películas estrenadas hasta el momento), y que comenzó con aquella obra de culto llamada “Pi: Fe En El

Caos” (1998). Su argumento giraba en torno al misterio teosófico más grande de la historia de la humanidad:

Dios y su Creación. Cuantitativamente nos saltaremos varias de sus obras que no carecen de laureles, para

centrarnos en “La Fuente De La Vida” (2006) (comentada en este Blog en su momento). Que al igual que madre! también sufrió una crisis de incomprensión masiva, y que hoy tiene un valor filosófico increíble. La

trilogía (no oficial, sino planteada por nosotros solo con un fin ilustrativo) se cierra justamente con madre! ya que en su conjunto hablan de un tema en común: el cielo, el infierno, la creación del humano y su inminente condena en la tierra. Por si las dudas persisten, iremos mucho más lejos planteando una importante interrogante: ¿notaron que casi ninguno

de los personajes tienen nombres?...... pues bien, el personaje de Lawrence es simplemente madre! (personificación humana de la madre naturaleza)….. y el personaje de Javier Bardem se conoce solo como “El” (personificación humana de Dios en “la tierra”)…… sin más es cosa de tiempo que logren dilucidar quienes eran entonces los personajes interpretados por Michelle Pfeiffer y Ed Harris…. Y por consiguiente sus hijos……  y la tragedia que los persiguió hasta la casa de madre! no representa otra cosa que..... Porque si madre! es la madre naturaleza…. “El” es Dios….. Entonces la casa es nada más ni nada menos que el……

Satanás ya no está aquí

Titulo: "Amityville: El Despertar" ("Amityville: The Aweking") (2017). 

Director: Franck Khalfoun. 

Protagonistas: Jennifer Jason Leigh - Bella Thorne - Cameron Monaghan.

Una nueva familia ha comprado el que será el inicio de una nueva vida. Joan (Jennifer Jason Leigh) y sus hijos se han instalado ya sin problemas. Pero arrastran con ellos un dolor latente. James (Cameron Monaghan) el hijo mayor se encuentra en estado vegetal, pero poco a poco misteriosamente comienza a presentar señales de mejoría. Belle (Bella Thorne), su hermana gemela al principio no puede creer que ya sea capaz de comunicarse con un moderno sistema computacional. Pero, al mismo tiempo y de manera progresiva extrañas cosas comienzan a suceder en la casa recién adquirida. Al parecer la casa esconde un horrible secreto, que Belle con ayuda de unos amigos tendrá que descubrir.

Como una suerte de drama familiar mezclado con subjetividad paranormal “Amityville: El Despertar” se da el tiempo de dar a conocer a los personajes y vemos la atmósfera en la que se mueven. Y a medida que el metraje avanza, esperamos ver lo que estábamos acostumbrados al menos en las secuelas Amityville

pasadas. Pero aquí las cosas que se mueven solas, etc. No pasan nunca, al contrario la historia esta centrada en el aspecto sensitivo que los personajes son capaces de transmitir. Y aquí nos detenemos un momento para destacar la actuación de Jennifer Jason Leigh quien la verdad es casi la única que mantiene una historia un poco ya manoseada. Esta incluye un par de sorpresas pero que se pierden en el camino, ya que carecen absolutamente de emoción, y la verdad es que no es culpa de los actores, sino quizás de su desconocido director Khalfoun y de su débil guión. El recurso de la puerta que se abre por una fuerza desconocida, es un cliché que si bien algunas películas han sabido sacarle provecho, en esta no es el caso. La escena de las moscas atacando a un médico ya la hemos visto en otras películas de Amityville. Y la referencia directa que hacen al remake de 2005 termina por informarnos que esta nueva versión no se toma en serio a si misma. No obstante, hay que ser justos y es que la actuación de Cameron Monaghan como el chico postrado logra por momentos crearnos real tensión. Lo lamentable es que aquellas escenas bastante rescatables se pierden cuando las cosas se van desinflando a medidas que vamos identificando situaciones a las que no somos para nada ajenos. Pasable si no eres (para nada) exigente.

The Walking Dead (Video): Protagonistas agradecen a sus fans al cumplir 100 capítulos (+ Noticias)

Y bueno, ya queda un poco más de doce días para que esta magnífica serie de inicio a su temporada número 8. Las expectativas ahora están por sobre las temporadas pasadas, ya que la guerra entre los comandos de Negan y Rick marcaría un antes y un después para la historia y también para cada uno de sus personajes. Y por ahora (y como es de esperar) muy poco se ha adelantado en los últimos trailers oficiales (a pesar que algunos tienen incluso una duración de casi seis minutos). A excepción del sentido video que fue lanzado hace un tiempo en el que se cumplían cien capítulos y tanto actores como personal de producción agradecían a sus seguidores (y que incluimos íntegro a continuación).

Hace muy pocas horas y durante la New York Comic-Con, Robert Kirkman y Scott Gimple confirmaron que TheWalking Dead y el spin-off Fear The Walking Dead tendrán próximamente un crossover. Los realizadores han comentado que esta conexión se llevará a cabo a través de un personaje que servirá de nexo entre ambas series. Obviamente no hablaron de que personaje se trataría, y si será esto algo único dentro de un episodio o si se expandirá en las siguientes temporadas. Quizás la idea (más que una originalidad) esté concebida única y exclusivamente para que Fear The Walking Dead pueda repuntar en términos de audiencia, ya que hay que reconocer que esta serie se ha convertido en una especie de pariente pobre de The Walking Dead. Quien a pesar de haber estrenado hace poco su tercera temporada, el nivel de audiencia le ha sido bastante esquivo.

Y quizás hay que reconocer que en un principio se pensó que su historia tendría algo que nos resultara interesante. Nos atrevemos a decir que desde ahora este débil spin-off tiene sus días contados. Ya que falta cercanía con algún personaje (con el cual los espectadores se puedan sentir identificados de alguna u otra forma), emotividad (aquí muere alguien y a nadie le importa), pura conversación sin importancia y menos escenas de acción (los diálogos son excesivamente prolongados y carecen de importancia por lo que la acción se reduce bajo mínimos en comparación a los diálogos) y por sobre todo más walkers (que dejan mucho que desear a nivel global y (dicho sea de paso) la verdad es que aquí jamás han sido personajes principales).

Por otro lado (y para los incrédulos), en Estados Unidos este 10 de Octubre se anunció ya la publicación de un libro basado en The Walking Dead dedicada nada más ni nada menos que… a la cocina post apocalíptica (y es que el éxito de la serie hoy por hoy da para esto y mucho más, Y el que no quiere aprovecharla, es por que no quiere).  The Walking Dead: The Official Cookbook and Survival Guide, se titula, y en el podrás sacar detalles de recetas ideales para un apocalipsis zombie y sobrevivir para contarlo. El libro contiene 144 páginas, y dentro podemos encontrar las recetas horneadas por Carol y el pudding de Carl, entre muchas otras. El libro fue escrito por la chef profesional Lauren Wilson, con fotografías de Yunhee Kim.

Sin más, la cuenta regresiva ya comenzó y esperemos ver la que podría ser una de las mejores temporadas de esta exitosa serie. Mientras, buen provecho sobrevivientes y nos vemos en la próxima.

PD: Accede desde tu laptop, tablet, para escuchar la música más aterradora para este Halloween.