"Cuando uno viene de abajo... no cae de muy alto"

Titulo: "Señor Chocolate" ("Monsieur Chocolat") (2016).
País: Francia.
Director: Roschdy Zem.
Guión: Cyril Gély.
Música: Gabriel Yared.
Protagonistas: Roschdy Zem - Omar Sy - James Thiérrée - Clotilde Hesme - Olivier Gourmet - Frédéric Pierrot - Noémie Lvovsky - Alice de Lencquesaing - Alex Descas - Olivier Rabourdin - Xavier Beauvois.

En las afueras de Francia de 1897 Kananga (cuyo nombre real es Rafael Padilla) es hijo de un esclavo cubano que trabaja en un circo de mala muerte representando a un caníbal como una de las atracciones principales. George Foottit es un payaso blanco cuyas presentaciones necesitan de una urgente renovación. Un día tiene una disparatada ocurrencia cuando decide incluir en su espectáculo a Kananga en un dueto de payasos. La formula parece arriesgada en tiempos donde el racismo aún imperaba en una sociedad progresista. Pero

sorprendentemente el espectáculo es todo un éxito, es así que se les presenta la oportunidad de su vida cuando Joseph Oller (director de un prestigioso teatro circense en Francia) les ofrece ser parte de la parrilla de espectáculos. El dueto se presenta como Foottit y Chocolate y son considerados como la gran novedad del teatro. El éxito es instantáneo y se transforman rápidamente en celebridades. Sus shows son sencillos e ingenuos. Pero pronto serán blancos de críticas al representar a Chocolate como el personaje que por ser de color es quien reciba los golpes y bromas del payaso Foottit. Siendo este el principal motivo de las risas del público. Chocolate es criticado por sus pares como una especie de bufón, un animal de circo al servicio

del entretenimiento de los blancos. Pero para él es su forma de mostrar su arte. Vive su éxito y puede dar rienda suelta a dos de sus debilidades más notorias: las mujeres y las apuestas. Pero tarde o temprano los cuestionamientos morales no tardarán en hacerse presente, y lo motivarán para mostrar otra faceta de su histrionismo. Una faceta que lo hará entender mejor los tiempos en el que vive y la sociedad que creía conocer.
“Señor Chocolate” es una magnifica película biográfica concebida como la historia del primer payaso negro francés dirigida por el también actor Roschdy Zem, y merecedora de dos premios César (Mejor Decorado (James Duchier) y Mejor Actor Secundario (James Thierrée, nieto de Charles Chaplin)). Que cuenta con muchos puntos a su favor para considerarla en tus próximas películas a ver. La principal de ellas es el soberbio nivel interpretativo de los personajes principales y la cuidada puesta en escena. Lo interesante de esta historia en particular es que no recurre a la exageración lacrimógena como suele ocurrir con otras obras biográficas como recurso dramático. Sino más bien es una especie de testigo ocular ante los diferentes

estados y cambios que se van presentando en la vida de sus personajes, sin caer en lo burdo ni en la exageración. Aquí hay prácticamente de todo, el inicio de una carrera artística con diferentes matices que podemos disfrutar sin problemas. Y por sobretodo no olvida el núcleo principal de la historia, la lucha de principios en tiempos en que los derechos de igualdad aún estaban en desarrollo.
Llena de magia y poesía. Absolutamente recomendable, un verdadero y nuevo acierto del siempre imprescindible cine francés, que incluye fotogramas reales que todo cinéfilo sabrá aprovechar y disfrutar.

Para sobrevivir a los monstruos, hay que transformarse en uno de ellos

Titulo: "Frontiers" (2007).

Países: Francia, Suiza.

Director: Xavier Gens.

Guión: Xavier Gens.

Música: Jean-Pierre Taieb.

Protagonistas: Karina Testa - Aurélien Wiik - Patrick Ligardes - David Saracino - Chems Dahmani - Maud

Forget - Samuel Le Bihan - Estelle Lefébure - Jean-Pierre Jorris.

Durante las elecciones en Francia las personas están  divididas entre un partido de extrema derecha y otro conservador. La disconformidad política genera violentos enfrentamientos. Y en medio de las manifestaciones un grupo de jóvenes aprovechan el caos para perpetrar un robo. Todo sale relativamente bien, y deciden dividirse. Uno de ellos está gravemente herido, así es que como último recurso se arriesgan a llevarlo de urgencia al hospital. Pero la policía los persigue y deben escapar cuanto antes. Por ello deciden reunirse cerca de la frontera en un aislado hostal. Dos de ellos se han adelantado y al parecer esperarán algo más que al resto del grupo.
Dirigida por el siempre inquietante Xavier Gens. Quien con el sólo hecho de saber que está detrás de una película como “Frontières” sabemos que el horror tarde o temprano se desencadenará. Generalmente su cine se basa en develar lo peor del ser humano, sometiéndolos a experiencias extremas. Y en una especie de experimento enfermizo, observarlos que tan primitivos estos pueden llegar a ser. Sólo basta sacarlos de la

ilusión que es la seguridad en la que sus personajes viven (y que quizás no está tan alejado de una realidad que pocos son capaces de ver) para que se transformen en verdaderos monstruos caníbales.
Comparada (no se sabe si justa o injustamente) en términos narrativos con “La Matanza De Texas” pero en versión francesa (y con muchos más recursos). Aunque hay que decir que la comparación no es antojadiza, ya que la obra de Gens contiene un muy buen par de “guiños” a la obra de Hooper. Pero más que eso, nos atrevemos a aventurar que más bien se trata de un homenaje de lo más desvergonzado.
 “Frontières” es una especie de híbrido bastante peculiar, ya que encontramos en ella varios géneros que se conjugan sin problemas (del drama pasamos a la acción, de la acción a una road movie, y luego todo es una atrocidad mayor que la anterior). Y quizás el más notorio de todos es el reclamo político de la historia, el descontento, el eterno desacuerdo generado por los ideales como único interés solvente. Y el descontento se transforma en horror, el victimario se transforma en víctima y la ley del más fuerte poco a poco se deja ver dentro de una batalla sin tregua, dónde todo vale con tal de sobrevivir. Y Gens si que sabe ilustrarnos (para bien o para mal) de todas las consecuencias a los que cada uno de sus personajes son cruelmente sometidos. Y es aquí, donde nos llama la atención enormemente un factor común dentro de la filmografía del

realizador: la misoginia. Y es que no tiene reparo alguno para mostrarnos varios “ejemplos” de la manera más grafica posible. Es como si la mujer necesitara de ser doblegada de la peor de las formas, para demostrar finalmente que es la única capaz de soportar un horror producto de la más extrema de las deshumanizaciones. Pero ¿y cuáles son las motivaciones de los agresores? …. Al parecer la simple satisfacción de sentir que se está por encima del resto, basta para que comience a ser derramada la sangre, (y no precisamente sangre inocente). Y justo aquí el shock recién comienza, porque Gens no deja nada a la imaginación, y es que en realidad tampoco necesita hacerlo, su cine casi siempre es en extremo gráfico y bastante mórbido. Por ello abstenerse impresionables, o a quienes no les guste mucho el gore más cruel. Pero juzgar esta película sólo por su nivel de violencia, es negarse a

que Gens es capaz de jugar también con el espectador en más de alguna oportunidad, pasando de género en

género con total naturalidad (y por momentos nos hace creer algo que simplemente no existe). Por un lado

nos deja claro que estamos frente a una película de psicópatas despiadados, pero por otro lado también nos deja entrever que ciertos fanatismos (usualmente basados en el odio y considerando las manifestaciones políticas que dan inicio a la historia), jamás llegan a buen puerto. Y las consecuencias de todo esto están a la vista. No obstante “Frontières” es de esas películas que fácilmente las puedes volver a ver sin problemas, porque además entretiene, tiene buenas actuaciones y buenos efectos especiales. Lo cuestionable es cuando se quiere sobrepasar todos los niveles de tortura, obteniendo el efecto contrario (y quizás hay una clara doble intención en ello, ya que no generan otra cosa que un humor muy negro, al obligar al espectador a ser testigos de tanta brutalidad junta). No obstante, y lo más importante de todo, dejará conformes a los fans del género. Para verla de seguro con escudo en mano para que no te salpique la sangre (y ojo no vale taparse la cara).

Que una película gamberra no es nada

Titulo: "The Black Room" (2016).

Protagonistas: Natasha Henstridge, Lukas Hassel, Lin Shaye, Dominique Swain, Augie Duke, Caleb Scott, James Duval.

Una pareja de tortolitos se mudan a su nueva casa, felices de la vida. Su vida es apacible, pero al parecer tienen problemas íntimos que no han podido solucionar. Mientras tanto, ignoran que algo extraño ha ocurrido en el lugar mucho antes que se mudaran. Cuenta la leyenda que un Incubo (demonio de género masculino que seduce a mujeres mientras estas duermen) fue invocado en un ritual satánico con el fin de someter a los humanos a su reino de placer infernal (algo que de verdad no suena nada de mal). Pero durante la ceremonia el demonio fue vencido y ¿adivinen donde fue enclaustrado el pobre? Si, en una habitación oscura con un amuleto de protección contra fuerzas demoníacas. Pero de eso, ya ha pasado un buen tiempo, y el Incubo ya esta más que nervioso (si saben a lo que me refiero) y necesita nutrirse de alguna doncella que caiga en sus redes, para así poder engendrar su propia familia. Es así que en un intento desesperado por volver a probar la carne humana, posee el cuerpo del hombre de la casa para cumplir con su orgásmico propósito.
Un argumento como este no podía quedar exento de al menos una mínima mención. Y es que tienen frente a uds una de las peores películas de terror del año (aunque el terror es absolutamente cuestionable). Y hay que ser justos (y no es necesario tampoco utilizar eufemismos), ya que esta es deliberadamente una parodia por donde se la mire (mala, pero parodia al fin y al cabo). Pero eso no es suficiente para considerarla

siquiera como una rareza. Hay muchas películas que cumplen a cabalidad esta especie de categoría algo efímera (o inexistente si se quiere). Pero esta es directamente una película serie Z, con un pésimo director (incluido todo su personal técnico) y con actores sorpresivamente reconocibles quienes al parecer viven el ocaso de sus carreras al haber aceptado un proyecto tan gamberro como cutre. Y comenzaremos con la espectacular Natasha Henstridge (quien a mediados de los 90´s se convirtió en el deseo imposible del género masculino al interpretar a una de las más sexys alienígenas que han pasado por la pantalla con “Species”) ¿Qué hace ella en esta película? (y tampoco decimos que sea pecado, ya que tampoco la  recordamos en interpretaciones memorables, ya que a decir verdad son simplemente inexistentes). Como pueden suponer, la respuesta la ignoramos (y bueno sinceramente poco importa). Luego sigue un par más de rezagados, en el que se incluye a Lin Shaye, quien se parodia así misma y que al menos nos puede caer simpática en un par de escenas. Ahora bien, ocurre algo raro con algunas películas de esta calaña, y es el hecho que de lo malas que son, algunas al menos nos

pueden hacer pasar un buen rato viéndolas (aunque sea sólo para burlarnos de sus tan notorias falencias a nivel global). Y es que no se puede hacer mucho, ni siquiera pensar en el enfoque que el director quiso darle a la historia, porque simplemente aquí todo va de calentura en calentura. Y en eso es generoso, hay tetas casi por todos lados, orgasmos en público de lo más ridículo. Y casi todos se quitan la ropa, menos la protagonista (quien el espectador de seguro esperará con ansias, pero lamento informar que eso no ocurre, aunque hay una escena de sexo con una lavadora de lo más hermosa, con eyaculación incluida). Sin dejar de lado los humildes efectos especiales de telefilme de tarde de domingo (con relámpagos de lo más ochenteros), y la música (a veces desfasada, a veces innecesaria) que termina por poner los pelos de punta.
En definitiva, esta es una película que se hizo para…. La verdad es que tampoco lo tenemos claro, pero que al menos te sacará un par de sonrisas al detectar todas sus evidentes (y casi intencionales fallas).

Esta noche algo vendrá a visitarte

Titulo: "Be Afraid" (2017). 
Director: Drew Gabreski. 
Guión: Gerald Nott. 
Música: Corey Wallace. 
Protagonistas: Brian Krause - Kevin Grevioux - Louis Herthum - Jaimi Paige - Callie Thorne - Jared Abrahamson - Noell Coet - Michelle Hurd - Michael Leone - Sade Kimora Young - Kevin M. Horton - Todd Goble - Bill Laing - Kevin Corrigan - Eric Chandler.

John y su familia se mudan a su nueva casa ubicada en las afueras de Pennsylvania. El pueblo parece tranquilo y viven sin grandes contratiempos. Pero al cabo de un tiempo, el hijo menor Nathan comienza a tener extrañas pesadillas. Asegura que por las noches es visitado por un extraño hombre con sombrero que lo atemoriza profundamente. Jack y su esposa Heather lo toman simplemente como un mal sueño alimentado por el exceso de imaginación del niño. Pero John vivirá en carne propia una extraña experiencia que lo deja

completamente inmóvil en su cama. Esto abrirá una puerta entre lo que consideraba fantasía y realidad. No obstante, algunas personas del pueblo parecen saber algo que John y su familia ignoran: un par de niños han desaparecido misteriosamente mucho antes que ellos llegaran. Las personas involucradas, aseguran que una amenazadora presencia se los ha llevado desde sus propias casas para que nunca más ser encontrados. Algo muy extraño ocurre en aquel pueblo, algo de lo que por temor no se habla, y al parecer Jack y su familia corren un gran peligro.
Con una mezcla entre misterio y terror, “Be Afraid” es una película que trae como novedad el tema de la parálisis del sueño como alternativa ante la evidente baja creativa en lo que a cine de terror respecta. Y al parecer esta nueva fuente de lo desconocido llegó para quedarse. Ya que existen un par de películas más de similar temática, que inicia un nuevo subgénero a explotar (y explotar). Si bien “Be Afraid” es una especie de

experimento argumental con respecto a la parálisis del sueño, en estricto rigor esta aún no tiene explicación lógica. No existe algún estudio comprobable y concreto que explique de que se trata y por que lo padecen sólo algunas personas. Y la película tampoco hace el más mínimo intento por sacarnos de la duda. Y puede que sea este el núcleo que defina si te gusta o no esta película. Ya que los efectos especiales son casi nulos, algunas actuaciones de verdad dejan mucho que desear, y uno que otro diálogo innecesario y algo extenso, entorpecen el ritmo de los acontecimientos. Y con esto no digo que sea una mala película (aunque sinceramente tampoco es la gran maravilla). Pero esta cinta en formato independiente tiene algo que ofrecer, y es su muy logrado tono de misterio. Concretamente no es una película de terror (así es que los que esperan demasiado de ella, se llevarán una muy desagradable desilusión). Ésta más bien, es una película de misterio con ciertos guiños, ciertos toques o influencias al género del terror. Y si la vemos desde esta perspectiva, funciona de las mil maravillas. Aunque hay algunos vacíos tanto en la narrativa, como en la propuesta visual que deja con gustito a poco. Por momentos recurre a varios clichés propios del terror, pero lo importante es que tampoco abusa

de ellos. Rescatando esto, podemos decir que “Be Afraid” mantiene el misterio hasta el final y puede entregar un par de gratas sorpresas. Sin necesidad tampoco de salpicar de sangre tu pantalla (aunque obviamente tampoco decimos que esto tenga algo de malo). Lo mejor de todo y como ya hemos dicho, es que de todas las preguntas que se pueden ir generando a medida avanza el metraje, las principales (que son detonantes en la historia) no tienen respuesta alguna. Como la misma parálisis del sueño, puede que te pase a ti esta misma noche y no seas capaz de explicar que te ha ocurrido. Y es que es mejor mantener algunas cosas ocultas.

No seremos nunca más los de antes

Titulo: "What We Become" ("Sorgenfri") (2015).

País: Dinamarca.

Director: Bo Mikkelsen.

Guión: Bo Mikkelsen.

Música: Martin Pedersen.

Protagonistas: Mille Dinesen - Ole Dupont - Mikael Birkkjær - Troels Lyby - Marie Hammer Boda - Benjamin Engell - Therese Damsgaard -  Diana Axelsen - Rita Angela - Sonny Lahey - Michael Molin.

En un día como cualquiera una familia disfruta en un idílico sector de Dinamarca llamado Sorgenfri. Pero inesperadamente extrañas cosas comienzan a suceder en el sector. Fuerzas armadas han aislado el perímetro y de manera individual cada una de las casas, haciendo de sus habitantes verdaderos prisioneros. Nadie sabe exactamente lo que ocurre, y el toque de queda es declarado sin más remedio y múltiples familias son sometidas. Pero Gustav no está conforme con la vaga información que se les ha entregado, y decide salir a explorar en medio de la noche. No tardará mucho en darse cuenta que la situación es mucho más peligrosa de la que ellos creían. Una especie de virus se ha propagado por casi todo el país, y hasta ahora ellos son los únicos que han estado lejos de sus efectos, pero no por mucho tiempo. Los militares les prohíben escapar a tiempo, por lo que tendrán que enfrentar la situación con una reducida capacidad de recursos.
A estas alturas, ya hemos visto casi prácticamente de todo en cuanto al tema de virus zombie. Y hay que reconocer que también hemos sido testigos de verdaderos bodrios absolutamente olvidables. Y por otro
Recomendable para quienes buscan algo diferente (y puede que quizás no es tan inédita en este aspecto, pero que al menos se esfuerza por no caer en lo obvio y absurdo). Incluidos uno que otro momento que todo amante del cine zombistico quedará satisfecho. Entretenida y con buenos y oscuros momentos (vale decir uno que otros más medidamente brutales).

lado verdaderas obras de culto. Y aunque “Sorgenfri” es una película menor dentro de este subgénero (ampliamente manoseado), hay que ser justos y declararla como la evolución a esta temática. Y es que aquí no encontraremos grandes efectos especiales, ni tampoco actores conocidos. Pero esta filmada de una manera diferente, que resulta muy interesante de ver. Aunque convengamos en que una película de zombies que no tiene aunque sea un mínimo de sanguinolencia y uno que otro efecto de maquillaje aceptable, esta destinada al tacho de la basura. Y afortunadamente este no es el caso, ya que contamos con actuaciones bastantes dignas, y lo que es realmente importante en todo este cuento (y cuando amerita el caso) cumple con lo que esperamos ver. Quizás no es del todo generosa en hemoglobina, al menos la utilizan de muy buena forma. Incluida la tensión que es capaz de ofrecer, que esta bastante lograda. Lo interesante de todo esto radica en algo que es ajeno al horror en sí. Ya que su argumento nos retrata de muy buena forma como una familia supuestamente feliz y acomodada también le toca vivir horas de terror extremo. Y lo que es mejor aún, crea la incógnita de lo que son capaces de hacer

en situaciones limites. Y he aquí uno de los mensajes más logrados de toda la película, gracias principalmente al afortunado enfoque del director. Y puede que hasta el tema zombie sea una mera excusa para someter a sus personajes a varias pruebas, donde seremos testigos de varios de sus desafortunados desenlaces. Y todo desde la intimidad del hogar, aquel calor de familia noble y realizada que termina por darnos la satisfacción de verlos caer como moscas uno a uno (seamos sinceros, si en una película de terror donde los personajes no sean sacrificables simplemente no es una película de terror). Lo importante es que al menos podemos ver el punto de vista europeo con respecto a la temática popularizada por el maestro Romero. Y afortunadamente con una visión fresca y novedosa al momento de exponerla (que incluso juega mucho con la narrativa de manera bastante digna y elocuente) que nos ha terminado por hacer sentir conformes.

Si no lo encuentran... es que no está en este mundo

Titulo: "Phoenix Forgotten" (2017).

Director: Justin Barber.

Guión: T.S. Nowlin.

Música: Mondo Boys.

Protagonistas: Florence Hartigan - Luke Spencer Roberts - Chelsea Lopez - Justin Matthews - Clint Jordan - Cyd Strittmatter - Jeanine Jackson - Matt Biedel.

Una pareja de jóvenes visitan a la madre de uno de ellos que vive en Phoenix, Arizona. Todo parece ideal, hasta que súbitamente el hijo mayor de la familia desaparece sin dejar ningún rastro. Coincidentemente esa misma noche unas extrañas luces aparecen desconcertando a casi todo un país conocido como el incidente de Phoenix. Pero luego de un tiempo en medio del desierto es encontrada una cámara de video en una camioneta abandonada, que contiene material grabado por el mismo chico momentos previos. Al parecer la desaparición tiene una explicación sobrenatural, de la que todos seremos testigos.
Producida por Ridley Scott "Phoenix Forgotten" es una película más en formato found footage que trata de atraer la atención con mucho menos espectacularidad que otras. Pero a pesar de no conseguirlo del todo (cosa extraña) logra por lo menos entretenernos, y nos da la sensación de estar viendo un documental de un canal de cable. Y quizás ahí radica su efectismo, en no tratar de engancharnos con mucho. Pero casi no nos damos cuenta cuando somos parte del equipo de investigación y tratamos de dilucidar que carajos pasó con el dueño de la cámara encontrada. Y es por ello que quizás estamos ante una película un tanto incomprendida. Aunque tampoco exageremos, ya que hoy por hoy el formato esta dirigido principalmente a un público más adolescente que otra cosa. Y es que a esa edad cualquier cosa nos podía satisfacer la mente

ávida de emociones fuertes. Lo lamentable es que el recurso ya esta sobreexplotado y ya casi ni cosquillas nos producen, y con esto el interés en consecuencia se va perdiendo irremediablemente. Y el mejor ejemplo de esto es “El Proyecto de La Bruja De Blair” (1999) una verdadera estafa para quienes estuvimos esperándola con un coma de ansias en plena Avant Premier (cosa curiosa que desde ahí a la fecha jamás volvimos a poner un pie en algún Avant Premier). Esperábamos asustarnos aunque sea un poquito, pero en cambio los gritos de desaprobación me erizaron más los pelos al pensar que el motín se desataría en cualquier momento. Y parece que aún estoy escuchando las puteadas de los espectadores a la salida del cine, que como es obvio no se hicieron esperar, al menos las butacas no salieron disparadas para todos lados, por fortuna. Lo interesante de "Phoenix Forgotten" es que se aferra cuál parasito a una de las

noticias mejor documentadas en cuanto al tema ufológico respecta. Y si bien nada asegura que aquellos acontecimientos ocurridos a finales de los años 90´s fueran reales, al menos utiliza de buena forma el recurso sensacionalista para dar algo de impulso a una historia aparte que la une como parte del puzzle.
"Phoenix Forgotten" no es una película que vaya a sobresalir mucho (inédita aún por estos lados), pero que tiene algo diferente, pues no hay gran despliegue de efectos especiales (a excepción del clímax que cierra los acontecimientos, y quizás sería absurdo que no los tuviera), pero trata de mantener el interés desde el punto de vista investigativo y como dijimos antes, cosa extraña funciona bastante bien. Sobretodo en un formato que se va apagando cada vez más, quizás hasta que una buena historia y una elocuente dirección diga lo contrario.

En medio del desierto nadie puede escuchar tus gritos

Titulo: "It Stains The Sands Red" (2016).
Director: Colin Minihan.
Guión: Colin Minihan, Stuart Ortiz.
Música: Blitz//Berlin.
Protagonistas: Brittany Allen - Juan Riedinger - Merwin Mondesir - Kristopher Higgins - Andrew Supanz - Nico David.

Una bailarina exótica, escapa desde las Vegas junto con su acompañante porque una especie de virus se ha desencadenado agresivamente a nivel global, produciendo miles de muertes. Pero se quedan atascados en pleno desierto. Infructuosamente tratan de resolver el problema, y no les queda otra opción que esperar a que otras personas que pasen por ahí los puedan socorrer. Pero nada ocurre hasta que llega la fría noche. Con pocos víveres es muy difícil que puedan sobrevivir. Es así que el único plan que tienen es comenzar a caminar de noche hasta un aeródromo donde otras personas los estarán esperando por tiempo limitado. Pero antes que den el primer paso, son atacados ferozmente por un hombre. Siendo este el inicio de una pesadilla en un lugar que se volverá cada vez más hostil.

Considerada como una variación al subgénero apocalíptico zombie, y con una positiva recepción en varios festivales independientes, “It Stains The Sands Red” (algo así como: “Mancha Las Arenas De Rojo”). Tiene casi de todo lo que se puede esperar de este tipo de pelis, aunque con varias variantes que (para bien o para mal) tiene momentos bastantes interesantes. Uno de ellos es el hecho de que aquí contamos con el mínimo de actores para contar una historia sencilla, pero que se da el tiempo para darnos varios momentos bastante impredecibles. Y esto en tiempos en que pareciera que las ideas se han acabado (al menos en cuanto al género del terror respecta) son absolutamente bienvenidos. Lo importante es que con poco, se pueden

hacer buenas cosas. Actuaciones dignas, escenas medidas de gore (y es que se nota que no dependen de estas para mantener la historia), otras tantas bastante absurdas e innecesarias. Hacen de esta especie de road movie, una de esas películas que le dan un impulso diferente a la macro obsesión por el fin de los tiempos. Hay momentos de bastante tensión, pero el tono del argumento pasa fácilmente del terror a la comedia negra (y luego un bizarro quiebre directamente absurdo). No obstante, tiene “algo” que nos mantiene interesados, y al parecer es el simple hecho de que el director se esfuerza por ir rompiendo uno a uno todo indicio previsible. Y lo más raro es que funciona bastante bien, siempre y cuando no se le exija más de lo que realmente es capaz de dar

Mira en lo que te has convertido

Titulo: "Leatherface: La Máscara del Terror" ("Leatherface") (2017). 
Director: Alexandre Bustillo y Julien Maury. 
Guión: Seth M. Sherwood. 
Música: John Frizzell. 
Protagonistas: Lili Taylor - Stephen Dorff - Sam Strike - Vanessa Grasse.

Una familia completa es acusada de cometer secuestros y posteriores torturas a varios incautos visitantes que tienen la mala suerte de toparse con su casa. Esta se encuentra prácticamente en medio de la nada en un sector rural de Texas. El problema es que no existe ningún tipo de evidencia que los implique directamente en los crímenes. Por lo cual dichos crímenes quedan absolutamente impunes. La policía sólo los quiere ver tras las rejas, y estarán pendientes de cualquier situación que los termine por culpar. Una noche, la desequilibrada familia durante la celebración del cumpleaños del más pequeño del hogar lo obligan a asesinar a una de sus victimas, pero el asustado chico se niega rotundamente a hacerlo. Lamentablemente este tipo de experiencias lo traumatizaron de por vida. Pasados varios años, y como puede ser lógico, es tratado en una institución mental de alta seguridad. Al parecer él es uno de los más estables en comparación a los demás

“huéspedes”. Un día conoce a una nueva enfermera que se encargará de mantenerlos en constante observación, quedando varios de ellos a su cuidado. El primer día de ella en el manicomio no podía ser más incómodo, ya que uno de los pacientes se trata de sobrepasar. Pero un hombre muy corpulento que tiene un claro retraso mental llamado Bud, sale en su ayuda. Pero las cosas se complicarán cada vez más, cuando la madre de uno de los pacientes se hará presente para llevarse a su querido hijo. Y en vista que no lo ha conseguido, decide crear un caótico motín que termina con varios muertos y otros tantos pacientes fugados. Teniendo la peor de las suertes, la pobre enfermera es tomada como rehén de un peligroso grupo de psicóticos que se ha formado en el exterior con el fin de escapar del país. Al principio será protegida por algunos de los ex pacientes, pero las mentes perturbadas son impredecibles y las cosas poco a poco se transformarán en horror puro.
Concebida oficialmente como una precuela de “La Matanza De Texas”. “Leatherface” nos narra de manera bastante vertiginosa la vida y obra de uno de los asesinos homónimos más memorables del subgénero Slasher basado en la inolvidable película de Tobe Hooper (quien en esta cumple labores como productor ejecutivo). Esta vez la dirección está a cargo de dos jóvenes promesas del género del terror Alexandre

Bustillo y Julien Maury, quienes tienen varias películas realizadas en conjunto. “Leatherface” (que se estrenó tan sólo hace muy pocos días atrás) es una de las realizaciones más fieles en términos sanguinolentos de la saga. Pero no sólo por la sangre que salpica la pantalla en justa medida debemos encasillarla. Sino porque la obra no se anda con chicas, ya que va justo al núcleo de todo el asunto. Las cosas se van sucediendo sin mayor preámbulo. Y da la sensación de casi estar viendo una película de acción, pero que va mutando constantemente. Desde una road movie, pasamos a una historia dramática en un sanatorio mental, y luego sin que hayamos tenido más tiempo para digerir lo anterior nos encontramos con un macro horror que incluye amor necrofílico entre otras delicadezas. ¿Resultado? Una película que definitivamente te volará la cabeza. Bustillo y Maury conocen a la perfección lo que resulta y no con una obra como esta. Ellos desarrollaron una visión más amplia en términos en que la película no se encasilla a si misma como una obra

más de “La Matanza De Texas”. Sino que en cambio se da tiempo para explorar desde varias perspectivas tanto argumental como interpretativamente, para luego volver al inicio que todos conocemos y que nos muestra en gloria y majestad escenas absolutamente reconocibles que los fans de “La Matanza De Texas” de seguro agradecerán. Lo mejor de todo, es que rompe varios códigos típicos del género del terror, y que de seguro pueden ser identificados.
En definitiva tenemos una película que cumple con todo cuanto se le pueda exigir, y lo mejor de todo es que tiene un muy buen par de sorpresas bajo la manga que de seguro agradarán aún más.

Si la miras fijo... no vivirás para contarlo

Titulo: "Annabelle 2: La Creación" ("Annabelle: Creation") (2017).

Director: David F. Sandberg.

Guión: Gary Dauberman.

Música: Benjamin Wallfisch.

Protagonistas: Stephanie Sigman - Talitha Bateman - Anthony LaPaglia - Miranda Otto.

Año1946, Samuel Mullins es un fabricante de muñecas quien vive con su esposa Esther y su pequeña hija Bee en un pequeño sector rural. Samuel se encuentra diseñando un nuevo lote de muñecas donde la principal de ellas está inspirada en su hija. Un día, mientras regresaban de la iglesia un dramático accidente termina con la vida de Bee, sumiendo a la pareja de padres en una profunda tristeza.
Doce años después, seis niñas son llevadas a la casa de los Mullins para ser adoptadas, incluida Janice quien presenta una discapacidad en una de sus piernas. Samuel, al principio es frío y distante con ellas (limitando casi nulamente toda conexión sentimental con ellas), pero en el fondo decide darse una nueva oportunidad, al menos con las más pequeñas. Las recién llegadas tienen sus propios grupos de acuerdo a su experiencia y edad, por lo que Janice y Linda están casi siempre juntas. Pero una noche Janice se siente atraída hasta la habitación que fuera de Bee. Sin tardar mucho en darse cuenta que una presencia en la casa desea comunicarse insistentemente. Al parecer nadie más nota que algo muy extraño esta ocurriendo en aquella casa ¿será el espíritu de Bee que se quiere comunicar con ella?.
Dirigida notablemente por el sueco David F. Sandberg (¿recuerdan el cortometraje “Lights Out”?). Y esta
En conclusión “Annabelle: Creation” esta mucho mejor desarrollada (y también dirigida) y quizás rompe un poco con la barrera de la sobrevaloración (que a veces termina por marcar de forma negativa a una película,

y esta es una claro ejemplo de ello). Esta se deja ver sin problemas, sobretodo por que Sandberg se da absoluta licencia para sorprendernos en momentos muy notables, que incluso rayen en lo grotesco (y que obviamente sea muy bienvenido). Al parecer con él las cosas no son como parecen, y no teme mostrar más de la cuenta.

vez hay que reconocer que, a veces ese dicho de nunca segundas partes son buenas (a veces) suele ser escasamente errónea. Solo basta revisar películas como Aliens (1986) y Terminator 2 (1991) (ambas coincidentemente dirigidas por James Cameron) que escaparon con creces de la norma. Pues bien, podemos decir entonces que “Annabelle: Creation” es lejos muy superior a su primera parte. Y es que hay muchos factores que determinan que una película sea buena o mala. Pero estaremos de acuerdo que el principal de estos es el guión y el director, quien en definitiva es el responsable de darle impulso a la película imponiendo toda su creatividad para ello. Y es aquí que el trabajo de Sandberg es casi insuperable. Sobretodo en momentos en que esta película de cierta forma ha sido sobre o subvalorada por varios motivos, lo extraño es que independiente de todo, de igual forma atrae a muchas personas a las salas de cine. Sandberg esta vez dirige una película con las ideas mucho más claras, y por sobretodo se hizo de buenos actores para sustentarla (Miranda Otto y Anthony LaPaglia encabezan la lista). Si bien nos encontramos con viejos clichés tan propios del género, el nos sorprende con varios momentos de verdad bastante interesantes (siendo uno de ellos la secuencia del espantapájaros a modo de ejemplo). Ya que creemos estar viendo algo con lo que nos podemos identificar, pero no es a lo que estábamos acostumbrados, y en la creatividad para generar la diferencia esta el secreto. Aquí hay sustos, pero están

mucho más elaborados para no caer tan sólo en el susto fácil, y la música (que incluso se limita por momentos a sólo golpes bastante sugerentes) se complementa a la perfección para que surta el efecto deseado. Por otro lado, si una película de terror que sólo nos presenta esto para tener algún efecto en el público, en realidad no es una buena película de terror. Sandberg se encargó de presentarnos también realidades diferentes dentro del mundo de sus personajes. Y lo hace con dramatismo sobretodo cuando aparecen en escena las chicas huérfanas, quienes al parecer vienen saliendo de sus propias experiencias que no han sido de las más alegres. Asimismo la pérdida de un ser querido y el profundo vacío que implica su ausencia. Estas y muchas otras conforman no historias paralelas, pero si le dan un enfoque mucho más amplio al argumento que no se limita tan sólo a la inquietante imagen de la famosa muñeca (quienes ya deben ser muchos los que esperan que algún día se mueva por si sola).

Por sus venas corre sangre.... y plástico

Titulo: "El Culto De Chucky" ("Cult Of Chucky") (2017). 

Director: Don Mancini. 

Guión: Don Mancini

Música: Joseph LoDuca. 

Protagonistas: Brad Dourif - Alex Vincent - Fiona Dourif - Jennifer Tilly - Summer H. Howell - Christine Elise.

Andy Barclay ya es un adulto, su vida luego de vivir las traumáticas experiencias de la infancia no ha sido de las mejores. Vive sólo y los fantasmas del pasado se manifiestan en mayor parte de su vida. Aún no consigue novia y se ha transformado en una especie de torturador obsesivo circunstancial. En su casa esconde celosamente un trozo de su infancia, causante de todas y cada una de sus desgracias. Al que no duda en infringir todo tipo de vejámenes, llegando incluso a generarle mucho placer. 

Mientras tanto, en otro lugar de la ciudad, Nica Pierce tras ser la única sobreviviente de la matanza de su familia. Se encuentra recluida desde hace cuatro años en una institución mental de mediana seguridad. Luego de asegurar que el autor de los asesinatos fue nada más ni nada menos que Chucky, el muñeco ochentero de su hermana menor. Nica, agotada de estar en el lugar equivocado finge estar siendo curada de una psicosis que en realidad nunca tuvo. Pero un macabro plan de venganza se está gestando en su contra, y tarde o temprano Chucky se hará presente nuevamente con ayuda de sus esbirros. Andy se entera que una orgia de nuevos asesinatos se llevará a cabo, e irá en ayuda de Nica. Pero ninguno de ellos sospecha que esta vez Chucky trae consigo un AS bajo la manga.

Uno de los íconos del género del terror de los años 80´s, regresa esta vez para la venta directa en formato DVD y Blu-ray. 

Don Mancini (uno de los guionistas de la película original de 1988) vuelve a estar detrás de las cámaras por tercera vez. E incluye en su reparto a Alex Vincent, quien realizó post-créditos una de las mejores intervenciones de la saga cuando apareció en “Curse Of Chucky” (2013). Luego de una larga ausencia tras su última participación en “Child´s Play 2” (1990). 

Mancini recurre, en muchos niveles a varios efectos que hicieron famoso al muñeco más maniaco del cine. Aunque esta vez con varias sorpresas (incluidos varios guiños a películas de terror reconocidas). Y es esta su mejor carta de presentación, sabemos que estamos ante una saga que nos ha dado prácticamente de todo un poco. Pero a medida que avanza su historia, poco a poco se va desinflando hasta casi llegar a perder el interés. No obstante, hay que ser justos ya que “Cult Of Chucky” tiene casi de todo lo que se puede esperar de ella: humor negro, asesinatos por doquier y otra sorpresa post-créditos. Pero no logran dar el suficiente impulso para llegar a estar al nivel de sus predecesoras. Y uno de los motivos (y quizás el principal) es un

guión que al parecer fue cambiado una y otra vez, para dar consistencia a la película, o para hacer que todo encaje. Pero si bien el inicio de la película es lejos lo más notable, el ritmo va disminuyendo. Sobretodo cuando vemos a algunos actores repetirse el plato, pero esta vez lucen como si estuvieran obligados a volver a interpretar sus personajes. Y quizás, si bien la saga nos ha dado muy buenos momentos, la sobreexplotación está terminando por restarle paulatinamente interés a estas nuevas continuaciones. Lo más extraño de todo es que está confirmada una nueva película. Esperemos ver algo un poco mejor desarrollado (y que sin ser muy graves, se tome un poco más en serio así misma), y que ojalá el muñeco que nos trajo tan buenos momentos vuelva a tener mínimo, un poco más su apariencia original. Recomendable si no le exijes mucho y sólo te quieres divertir, recordando un par de asesinatos memorables y un desenlace que al parecer promete.

La perversión humana no tiene límites (+18).

Titulo: "Una Película Serbia" ("Srpski film" "Српски филм") (2010).
País: Serbia.
Director: Srđan Spasojević.
Guión: Aleksandar Radivojević, Srđan Spasojević, Jelena Gavrilović.
Música: Sky Wikluh.
Protagonistas: Srđan Todorović - Sergej Trifunović - Katarina Žutić - Jelena Gavrilović - Slobodan Beštić - Lena Bogdanović - Ana Sakić - Nenad Хeraković - Lidija Pletl.

Milos fue un legendario ex actor de cine porno, quien vive aparentemente muy tranquilo junto con su esposa Marija y su pequeño hijo Stefan. Un día es contactado por un extraño personaje llamado Vukmir, quien a través de sus empleados lo cita a una reunión. En ella es tentado para ser protagonista de un ambicioso y oculto proyecto que marcaría su regreso al mundo de la pornografía. La condición es que no

puede saber nada del proyecto hasta que llegue el primer día de filmación. Al principio Milos se muestra no muy entusiasmado con la idea, pero la verdad es que dentro de poco necesitará un trabajo como todo el mundo para poder mantener a su familia. El dinero ahorrado a lo largo de su carrera, se esta desvaneciendo poco a poco entre sus manos, y decide primero consultarlo con su esposa quien opina que no es mala idea después de todo. Hay mucho dinero en juego y esta sería la oportunidad que estaba esperando para retirarse en gloria y majestad de un mundo vicioso y morboso que le dio fama y fortuna. Manteniendo una actitud dubitativa, decide aceptar ser parte del proyecto. Al principio todo parecía tener algún sentido, las filmaciones extrañamente hasta ahora no contenían ningún tipo de encuentro sexual. Y así se mantiene hasta que una mañana despierta acostado en su cama, bañado en sangre y completamente sólo, sin tener ningún tipo de recuerdo de lo que ocurrió el día anterior. Desesperado, inicia un recorrido lugar tras lugar, que lo ayude recordar lo que aparentemente fue obligado a olvidar…

Por fin tenemos un motivo para presentar una de las películas más impactantes y polémicas del 2010 y que en esta lista de Halloween 2017 no puede faltar en tu playlist (si es que son capaces de soportarla por supuesto). 

Si bien esta cinta no fue hecha para agradar a todo el mundo (en varios foros hirvieron los comentarios que la condenaron casi unánimemente), debemos entender el concepto del director Srđan Spasojević, quien se

ha transformado en uno de los directores más viscerales que se tenga memoria dentro de los recovecos del cine más underground, y cuya película significó además su debut como realizador. Spasojević se ha declarado gran admirador de directores como William Friedkin (“El Exorcista”(1973)), David Cronenberg (“La Mosca” (1986)) y John Carpenter (“La Cosa” (1984)), entre otros. Su cine no es apto para débiles de mente (y por que no decirlo, tampoco para débiles de estomago). Y es que hablar de “A Serbian Film” es hablar de degradación  en su estado más crudo. Y fue el mismo director quien explicó la génesis de un argumento tan retorcido como degenerado: ¨Esta una directa parodia ante las películas políticamente correctas que se están produciendo en Serbia y financiadas por empresas

extranjeras. Pero su trasfondo también se centra en acontecimientos tan horribles como lo ocurrido en Bosnia, sobre todo si tienes 20 años y conoces lo que significa que bombardeen tu cuidad de la noche a la mañana. Mi película es una especie de contraataque directo a los censores y a las autoridades, asimismo la corrección política (refiriéndose concretamente a los múltiples efectos de censura) es una forma de fascismo que intenta matar la libertad de expresión¨. Y es que nadie esperaba la polémica que generaría un argumento que definitivamente a todos tomó por sorpresa. 

Lo extraño es que quizás se podía esperar que la película tuviera algún tipo de restricción en Estados Unidos por ejemplo (cuya copia se exhibió con varias escenas cortadas también en otros países). Pero en realidad fue en España donde causó mayor revuelo (incluso el director del festival de cine de Sitges fue acusado por el delito de exhibición de pornografía infantil), y lo más extraño de todo es que la película (a pesar del impacto que provocó en la mayor parte de la audiencia) ganó varios premios en múltiples festivales. Desde entonces, se prohibió cualquier tipo película que incurriera en presentar a menores de edad en cualquier tipo de actitud que atentara contra su integridad

física y mental. Y la verdad es que esta película abre el debate sobre los límites de la censura y los límites hipotéticos sobre la libertad de expresión (así como el arte que no tiene términos medios y es considerado absolutamente subjetivo). Si bien su argumento es algo que no se había visto en película alguna (al menos de forma tan explícita) Spasojević asegura que la sociedad está tan cegada, que no mostrar lo que existe es negarte a vivir en una realidad que muchas veces es más oscura de lo que se pueda creer. Y tampoco comenzaremos a enumerar las aberraciones (y degeneraciones extremas) que presenta una película como esta, porque en realidad la cinta no sugiere nada, todo lo inimaginable esta ampliamente expuesto. Lo único claro es que llega hasta los límites de lo permitido, y luego simplemente cruza la barrera, haciendo que te noquee como pocas. Y es en su horror más descarnado donde podemos identificar algunas metáforas que rayan incluso en la misoginia, la depravación máxima con criaturas inocentes, y personas de mucho poder deseosas de satisfacer sus más aberrantes placeres.

Dejando un poco de lado sus secuencias enfermizamente más perturbadoras, la visión de Spasojević tiene un ritmo degradante que va en descenso desde lo más normal y cotidiano hasta un infierno insospechado. Porque lo que no muestra inmediatamente, en un ejercicio similar cuando leemos un libro, al menos nos da tiempo para poder imaginarlo. Aunque cuando somos testigos de los horrendos flashbacks que se presentan

en la mente del protagonista nos damos cuenta lo limitada que estaba nuestra imaginación. Y desde aquí los golpes son progresivamente mucho más fuertes que el anterior. Spasojević termina por conectarnos con un mar de emociones de profundo rechazo y juicios predeterminados (y el ejercicio mental causa irremediablemente todo tipo de efectos en el espectador, difíciles de digerir en tan poco tiempo). Y es que hay películas que pueden afectar la sensibilidad del espectador, también hay otras que como esta, terminan simplemente por aniquilarla. La impactante y extrema visión de Spasojević nos golpea con degenerativa decadencia, reflejando cuan asqueroso y pervertido puede llegar a ser el comportamiento humano (no hay peor horror, del que somos capaces de inflingirnos nosotros mismos). Su propuesta al

principio nos resulta bastante chocante, pero es doblemente interesante, ya que aquí nada es gratuito, todo tiene un fin, todo tiene una conexión entre sí. Y si tan sólo por un momento dejamos de lado los momentos más inquietantes de la película, logramos ver una crítica social de lo más desgarradora. Tenemos primeramente a un personaje casi perdido, completamente carente de proyección, por otro lado están las grandes potencias que ofrecen una suculenta recompensa para ver saciados sus más degenerados deseos (y es que sugiere que hay un potencial público ávido por obtener lo que socialmente esta catalogado como no permitido y que podemos ver tan sólo a través del lente de una cámara negra, y es que no sabemos que es más aterrador: ¿tener el poder para satisfacer las perversiones o ver que existe un publico que las

consume?). Y estos son sólo algunos de los cuestionamientos que el director te logra transmitir. No obstante, una cinta como esta, es casi imposible pasarla por alto. Algunos la catalogan como género de terror, otros como gore (bastante brutal hay que decirlo). Pero independiente de esto, no deja a nadie indiferentes, a pesar que ya han pasado siete años desde su estreno. Cuenta con uno de los guiones más sólidos que podemos encontrar en este tipo de películas. Con personajes que se pierden a si mismos (convertidos en verdaderos monstruos), motivados por la envidia, la locura misma o el deseo de someter y degradar al que esta al lado, al más débil, al más vulnerable. Aquí todos están profundamente conectados con lo perverso, lo enfermizamente

prohibido y lo peligrosamente perturbador que destruye todo límite permitido entre el humano y lo despreciable. Y es que, la regla del más fuerte consiste en someter al más débil, arrebatando su poder de decisión. Transformándolo en un monstruo abominable, sin reflexión, sin empatía y carente de lo que simplemente nos debería definir: humanidad.

En definitiva una película no apta para cualquiera, que logra perturbar como pocas (y también se da tiempo para el humor negro de lo más bizarro). Pero que en el fondo es una impecable muestra en términos cinematográficos con actuaciones potentes y uno de los guiones más desgarradores que se han podido ver, y con la propuesta interesante de un director que tiene algo que expresar y cuyo estilo no dejará a nadie indiferentes. 

Madre!: Si el infierno no fue suficiente, aquí te contamos la verdad (Explicación No Spoiler!).

Titulo: "madre!" ("mother!") (2017).

Director: Darren Aronofsky.

Guión: Darren Aronofsky.

Música: Jóhann Jóhannsson.

Protagonistas: Jennifer Lawrence - Javier Bardem - Michelle Pfeiffer - Domhnall Gleeson - Ed Harris.

Una pareja de casados viven apaciblemente en medio del bosque en una casa de ensueño. Ella se encuentra restaurando algunos puntos defectuosos en su interior, y por ello esta permanentemente preocupada hasta del más mínimo detalle para arreglar cada rincón de la casa. El es un poeta que pasa por una etapa de nula inspiración, por lo que su creatividad se encuentra en una especie de trance introspectivo. Pero a pesar de todo, juntos viven tranquilos y en aparente armonía. Pero aquella tranquilidad se verá progresiva y caóticamente interrumpida, cuando un misterioso hombre golpea a su puerta. Este se presenta como un gran fan del poeta, quien lo recibe con lo brazos abiertos, mientras su esposa no aprueba desde un principio alojar a un completo extraño en su amada casa. Para empeorar la situación, aquel misterioso personaje no venía sólo. Sino que gradualmente su esposa e hijos se hacen presentes en la morada, arrastrando una discusión que poco a poco desemboca en acontecimientos tan desconcertantes y traumatizante (principalmente para la esposa) como de profundo significado.

Este es el potente y metafórico argumento de madre!, película que marca el regreso del siempre inquietante Darren Aronofsky. Quien esta vez, nos trae una de las películas más arriesgadas (por considerarla absolutamente transversal dentro de un circuito dominado por

cintas de súper héroes y otras tan vacuas como olvidables), pero que ha dejado boquiabiertos a muchos que la han visto. Esta por su parte, no ha dejado indiferentes tanto a críticos especializados (en su primera exhibición en Venecia los puso en jaque) como a espectadores (principalmente porque muchos no la han comprendido). Madre! es de aquellas películas que lo quieras o no, se quedan grabadas en la retina por mucho tiempo, y luego terminan desgarrando la mente con sus mensajes. En términos simplistas, te dejará pensando… y por que no decirlo, te perturbará como pocas, llegando incluso a jugar con la capacidad de resistencia mental del espectador. Quizás sea muy pronto para decirlo, pero con el tiempo, sea considerada como una nueva obra de culto. Nos llama la atención como siquiera llegó a las salas de cine locales, ya que casi la podríamos calificar como una cinta salida del circuito independiente pero estrenada comercialmente y respaldada por un gran estudio.

Madre! resulta una especie de ejercicio subjetivo tan inquietante como perturbador, es un descenso a la locura que traspasa los limites de la violencia más horrendamente desgarradora, y ojo que no vemos en esencia una película de terror o mucho menos como se la ha calificado erróneamente como “thriller psicológico”, madre! es casi inclasificable. Y es justamente la desconcertante visión de Aronofsky que nos azota la cabeza contra el suelo

una y otra vez, para lograr entender el horror que pasa frente a nuestros ojos con un significado tan impactante que casi no nos da tregua para reaccionar. En un principio la complejidad tanto del argumento como de cada uno de sus personajes es algo así comparable a una caja de Pandora. Aronofsky nos obliga (literalmente) a no despegar en ningún minuto la atención del personaje interpretado por Jennifer Lawrence (quien unánimemente creemos que nos entrega una de sus más sólidas interpretaciones) ya que el mismo se encarga de mantenerla siempre en primeros planos. Aronofsky nos trata de gritar con cada secuencia, con cada situación algo de suma importancia en metáforas (una casa que parece respirar por si sola, una piedra preciosa que esconde un gran poder, un bebé que nace como una especie de milagro y salvación, etc.) tan poderosas que en una acción inversamente proporcional vamos a pasar por alto, porque nadie nos había preparado para la tan reveladora verdad. Y es que los actores sabían la importancia de cada uno de sus roles. Pero Aronofsky nos somete a una tortura mental que traspasa tres importantes etapas (que deben descubrirlas por si solos) y nos obliga a cruzar el límite de la locura más aterradora, hasta ahora jamás experimentada.

Muchos críticos ya la han considerado como uno de los mejores estrenos del año (y estamos absolutamente de acuerdo con ellos). Aronofsky regresa a la etapa más cruda y visceral que lo hizo mundialmente conocido, y si bien no lo esperábamos para nada, finalmente terminamos por agradecerlo. Para algunos es una de aquellas películas que o la amas o la odias, y todo radica en si logras entenderla del todo o no. Porque esta es una especie de alegoría de descenso al infierno sin retorno, el desconcierto será la primera de las sensaciones que el espectador estará obligado a experimentar.

A continuación definiremos la atmósfera de Aronofsky detalladamente y trataremos de reducir bajo mínimos cualquier tipo de spoilers para aquellos que aún no la han visto. Pero advertimos (y recomendamos primero verla antes de seguir leyendo) porque explicaremos un par de las metáforas más potentes de toda la película que posiblemente te abrirán algo así como el tercer ojo cinéfilo que envuelve a todo el argumento implícito en esta maravilla retorcida.

Aronofsky ha tenido una visión muy personal dentro de su corta filmografía (que incluye tan solo siete películas estrenadas hasta el momento), y que comenzó con aquella obra de culto llamada “Pi: Fe En El

Caos” (1998). Su argumento giraba en torno al misterio teosófico más grande de la historia de la humanidad:

Dios y su Creación. Cuantitativamente nos saltaremos varias de sus obras que no carecen de laureles, para

centrarnos en “La Fuente De La Vida” (2006) (comentada en este Blog en su momento). Que al igual que madre! también sufrió una crisis de incomprensión masiva, y que hoy tiene un valor filosófico increíble. La

trilogía (no oficial, sino planteada por nosotros solo con un fin ilustrativo) se cierra justamente con madre! ya que en su conjunto hablan de un tema en común: el cielo, el infierno, la creación del humano y su inminente condena en la tierra. Por si las dudas persisten, iremos mucho más lejos planteando una importante interrogante: ¿notaron que casi ninguno

de los personajes tienen nombres?...... pues bien, el personaje de Lawrence es simplemente madre! (personificación humana de la madre naturaleza)….. y el personaje de Javier Bardem se conoce solo como “El” (personificación humana de Dios en “la tierra”)…… sin más es cosa de tiempo que logren dilucidar quienes eran entonces los personajes interpretados por Michelle Pfeiffer y Ed Harris…. Y por consiguiente sus hijos……  y la tragedia que los persiguió hasta la casa de madre! no representa otra cosa que..... Porque si madre! es la madre naturaleza…. “El” es Dios….. Entonces la casa es nada más ni nada menos que el……