La única realidad, es la virtualidad del alma

Titulo: "Ready Player One: Comienza El Juego" ("Ready Player One") (2018).

Director: Steven Spielberg.

Guión: Zak Penn, Eric Eason, Ernest Cline (Basada en su novela homónima).

Música: Alan Silvestri.

Protagonistas: Tye Sheridan - Olivia Cooke - Ben Mendelsohn - T. J. Miller - Simon Pegg - Mark Rylance - Lena Waithe - Win Morisaki - Philip Zhao - Ralph Ineson - Letitia Wright.

Hablar de las películas de Spielberg es como hablar de nuestra infancia. No hay generación que no atesore algún recuerdo cinéfilo de su extensa filmografía. Si bien, para la industria era uno de los directores menos tomados en serio luego de estrenar la efectista “La Lista De Schindler” (1994) las

cosas cambiaron (al menos un poco). Supo demostrar así que lo suyo no era solo estrenar películas digeribles, que se vendían bien en boleterías, y de las cuales después ya ni te acordabas de ellas. Al parecer, se dio cuenta a tiempo que habían otro tipo de historias que merecían ser contadas…. Sin necesidad de recurrir a ningún tipo de efecto especial (o al menos reconocible a lo que nos tenía ampliamente acostumbrados). Ahora bien (y aprendida la lección de que no todo lo que brilla es oro), su regreso al blockbuster tenía que ser con bombos y platillos. Esta vez, viene de la mano de una historia prestada escrita por Ernest Cline. Y sin intención de vanagloriar a nadie, no había libro más perfecto para un director como Spielberg.

Aunque tras verla, la pasamos en grande. No nos atreveríamos para nada alabarla a ojos cerrados. Y es que las diferencias con el libro son tan reconocibles, que en medio de una orgía de macro tecnología y efectos especiales de última generación (como un mero recurso distractor), es imposible pasarlas por alto. Sobretodo en la introducción (literaria), donde expone ampliamente la división entre ricos y pobres, y la función que cumple la realidad virtual en cada uno de estos marcos sociales. De haber considerado este, y muchos otros tópicos bastante interesantes del libro, tendríamos quizás una película casi perfecta. Pero lamentablemente esto aquí no ocurre. Considerando uno de los puntos más débiles de toda la película, que es el casi nulo trato emocional que Spielberg ejerce sobre sus personajes. Sobretodo dentro de su

filmografía más comercial, así como ocurre con “Ready Player One”. Prefirió cortar todo vínculo dramático, para primar que su exhibición llegue a la mayor cantidad de público posible. Y esto no es nuevo de Spielberg. En su defecto, la película es contada rápidamente sin mayor preámbulo…. su historia va directo a la acción. Y de sus personajes (sobretodo para quienes no hayan leído el libro pasa desapercibido) no se habla prácticamente nada (nada al menos que sea interesante saber o recordar). No obstante, uno de los puntos más fuertes de libro son las múltiples referencias a la cultura pop de los años ochentas y noventas (donde se nombra en más de una oportunidad al

mismo Spielberg), y que en la película (si bien surten mayor efecto por motivos obvios), son bastante limitados. Esta vez Spielberg nos ha dejado al debe en varios aspectos, pero eso no quita interés al ser ciento por ciento digna de él. Independiente del ángulo donde se la mire, y de las (inevitables) comparaciones que se le hagan “Ready Player One” tiene un par de secuencias de verdad alucinantes, que como suele ocurrir en su cine, pueden disfrutar grandes y chicos. Solo basta recordar la secuencia de “El Resplandor” para darnos cuenta que aún no hemos perdido la capacidad de absoluto asombro, y que a veces un buen par de efectos especiales pueden hacer mucho por una película…. Siempre y cuando esta sea dirigida por Steven Spielberg (a pesar que en esta, no haya mucho más que ver y en que pensar).

Recomendable si quieres pasar un buen rato frente a la pantalla, y si eres más cauto notarás una que

otra referencia (o mensaje subliminal si se quiere) que quizás en un futuro no muy lejano podamos ver y tocar (ya sea para bien, o para mal). 

¿Que le faltó?: personajes con los cuales te puedas (en la más mínima medida) identificar, y que tengan un mínimo de desarrollo (cosa extraña en el director, ya que lo logró bastante bien con “Jurassic Park” (1993)). Además de eso, existe un par de lagunas en los diálogos que son simplemente vacuos y por momentos hace que la historia termine por desinflarse al carecer de interés (cuyo parche ya sabemos cual es). Creemos que aquí la realidad virtual se comió a Oasis, y a todo el equipo de producción juntos. Pero el despliegue visual no deja de ser impresionante, y aquí al menos no vale nada más que eso. 

Tú, no eres yo.... yo, no soy tú.

Título: "Una Mujer Fantástica" (2017).

País: Chile.

Director: Sebastián Lelio.

Guión: Sebastián Lelio.

Música: Matthew Herbert.

Protagonistas: Daniela Vega - Francisco Reyes - Aline Küppenheim - Amparo Noguera - Luis Gnecco - Antonia Zegers - Nicolás Saavedra - Sergio Hernández. 

Marina es una mujer que trabaja como camarera en un restaurant, y de noche pone en práctica una de sus más grandes aficiones, el canto. Vive y comparte su vida con Orlando, un hombre veinte años mayor que ella. Una noche Orlando tiene una grave crisis de salud, por lo que Marina lo lleva de urgencia a la clínica más cercana. Sin sospecharlo, este será el inicio de una cadena de acontecimientos que marcarán para siempre su vida. Tras un deceso inesperado, Marina tendrá la no muy grata experiencia de conocer parte de la familia de Orlando. Que la harán pasar desagradables momentos, muchos de ellos marcados por el prejuicio, la ignorancia y el más absoluto rechazo. Pero Marina tiene una particular forma de escapar de tanta hostilidad, haciendo de ella una mujer fuerte y luchadora contra la adversidad.

Hace mucho tiempo debimos publicar una descripción de esta película chilena. Pero no estaba programada hasta ahora. Y el motivo ya todos lo sabemos, por el cual no es necesario mayor alarde al respecto. “Una Mujer Fantástica” marca definitivamente (se quiera o no) un antes y un después dentro del circuito cinematográfico nacional. Y el tema ya está (desde su estreno) generando debate, y por sobretodo conciencia. Y es que la visión de Sebastián Lelio no puede ser más oportuna, sobretodo porque el cine chileno está pasando por uno de sus mejores momentos. Y ya hemos exportado un par de directores que están dando que hablar en cuanto festival internacional existe. Lo interesante de todo esto, es que un tema como este, pocas veces (por no decir, casi nunca) ha tenido la repercusión que ha conseguido gracias al  inigualable carisma de Daniela Vega. 

“Una Mujer Fantástica” es de esas películas hipnóticas que te invitan a invadir la intimidad más oculta de su protagonista. Sebastián Lelio ha demostrado que una historia como esta, no sólo puede conmovernos, sino también maravillarnos con su delicada elegancia. Y terminamos por empatizar con un personaje transgresor y misterioso a la vez. Sin dejar de lado el esmerado trabajo de Lelio por expresar varios cuestionamientos implícitos dentro de sus escenas más icónicas. Que en parte reflejan una sociedad retrograda, e intolerante. Muchas de las expresiones más cuestionables de sus personajes, nos hacen ser testigos de una falta absoluta de sensibilidad. Y nos obligan a pensar en el momento del clímax de la protagonista revelándose contra la hostilidad más humillante. Pero Lelio, no cura las heridas de odio, con más odio. Esperábamos algo así como una bomba atómica de emociones reprimidas que en cualquier momento terminaría por

explotar. Pero nos da ha entender que su enfoque es absolutamente distinto y transversal. Aquella explosión nunca ocurre, y es que el hilo conductor de la película tiene un enfoque totalmente diferente, que a la larga terminamos por agradecer. Pero ante sus evidentes limitaciones, la historia se deja ver sin problemas. Lo lamentable es que el efecto sorpresa aquí es casi inexistente, y material para ello había de sobra. Sin embargo, Lelio nos regaló una cuidada producción (que nos hizo recordar a varias producciones europeas), y por sobretodo una historia honesta, creíble y que de manera inevitable abrió una puerta al debate. Aún así, ¿faltó potencia?, pues creemos que si, pero con el indiscutible talento de Lelio para plasmar sus influencias artísticas, no hay mucho que le podamos reprochar.  No obstante, aquí decidimos hacer un paréntesis muy breve, ya que es imposible no mencionar la muy acertada banda sonora compuesta por el Dj

británico Matthew Herbert. Quien por momentos nos hace sentir algo desconcertados, sobretodo en la secuencia del baile imaginario, con sonidos que rayan en lo oscuro y subliminal. Un acierto de Herbert para no caer en lo reiterativo (o cliché si se quiere), y quizás en lo que pudo llegar a ser hasta obvio en una película de estas características. Sin más, tenemos un gran logro del cine nacional en todo su esplendor, y que por su notable calidad artística ha dado la vuelta al mundo en innumerables festivales. Sin duda, una película necesaria que todo cinéfilo debe ver. 

Finalmente y considerando aquí tan sólo algunos de los atributos que “Una Mujer Fantástica” puede ofrecer, nos hacemos la pregunta de rigor: ¿es posible que sea merecedora de un Oscar en la categoría Mejor Película Extranjera? Pues no tenemos ninguna duda al respecto, aquí hay motivos de sobra para que gane, y ganará.

Premios (selección):

- Festival Internacional de Cine de Berlín (Teddy Award al mejor largometraje, Oso de Plata al mejor    guion Sebastián Lelio y Gonzalo Maza).

- Festival de Cine de Cabourg (Gran Premio del Jurado).

- Festival Internacional de Cine de San Sebastián.

- Premios Goya (Mejor película iberoamericana).

- Festival Internacional del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana (Premio Especial del Jurado,    Mejor actriz Daniela Vega, Premio Únete - Naciones Unidas). 

- Actividad reciente: Independent Spirit Awards (Mejor Película Extranjera).
- Oscar Mejor Película Extranjera 2018.

El amor no tiene forma, ni color

Título: "La Forma Del Agua" ("The Shape Of The Water") (2018).
Director: Guillermo del Toro.
Guión: Guillermo del Toro, Vanessa Taylor.
Música: Alexandre Desplat.
Protagonistas: Sally Hawkins - Michael Shannon - Richard Jenkins - Doug Jones - Michael Stuhlbarg - Octavia Spencer. 

Elisa es una mujer muda, cuya vida solitaria gira en torno a una aburrida rutina. Esta se inicia al anochecer, cuando se prepara para ir rumbo a su trabajo, donde es empleada de aseo en una planta de investigación científica de alta seguridad (algo así como una especie de Área 51). Todo parece marchar sin grandes contratiempos, hasta que una noche ella y su amiga y compañera de trabajo Zelda, son reclutadas para limpiar un  nuevo sector altamente restringido. Un grupo de científicos y la sección de seguridad se ponen de acuerdo para limitar la entrada a cualquier persona que no tenga los permisos necesarios. Ya que han traído a una extraña criatura a la que le realizarán los más diversos estudios. El Coronel Richard Strickland, conocido por su temeraria personalidad, será el encargado de que todo el personal se adhiera a las nuevas reglas del lugar. Pero una noche, un horrible accidente hace que nuevamente los servicios de Elisa y Zelda sean requeridos en la nueva sección. Y lo que era su aburrida vida rutinaria, se transformará de la noche a la mañana en una especie de sueño del que no querrá despertar jamás.

Y bueno, ya tenemos aquí a una de las películas que más han oído hablar de seguro este último tiempo. Y siendo rigurosos, hay muchos factores que pueden determinar si una película es buena o no. Ya que para muchos, la publicidad puede jugar a favor o en contra de una historia como esta. Y la mayor parte del tiempo termina por sobrevalorarla, y quizás este sea el caso. Y es que, las dos veces que tuvimos oportunidad de verla, cómodamente sentados en nuestras butacas. Hubo una especie de atmosfera extraña, sobretodo en las secuencias más inverosímiles de toda la película. Y la principal de todas es el cuestionarnos que estamos viendo. Porque si bien el universo de bichos raros de Guillermo Del Toro, es bastante extensa. Nos deja con un raro sabor a cine un poco pasado por el colador, un cine reciclado si se quiere. Pero hay que reconocer que el trabajo artístico es impecable, (y lo quieran o no, les hará recordar en varios aspectos a la magnifica “El Laberinto Del Fauno”, aunque con notorias y casi sutiles diferencias). Una de ellas (en realidad cuatro) es el excelente manejo de actores que Del Toro es capaz de construir para que la historia no se vaya al fondo del abismo. Porque al principio creímos que todo el peso se lo llevaría Sally Hawkins, interpretando a la ingenua Eliza. Pero no pudimos estar más equivocados, porque junto con ella:

Richard Jenkins (interpretando a Giles, el también solitario amigo de Eliza), Michael Stuhlbarg (como el carismático Dr. Hoffstetler),  y Octavia Spencer (interpretando a la siempre juiciosa (y divertida) Zelda), conforman un reparto de buenos actores, muy bien dirigidos. Pero nos extraña enormemente, que no hayan mencionado al gran Michael Shannon (interpretando al desagradable Coronel Strickland), en cuanta premiación ha participado “La Forma Del Agua”. Para muchos quizás, aún Shannon es un actor desconocido por estos lados, pero del que nadie se ha atrevido a mencionar que se roba, (en nuestra humilde opinión) varios de los momentos más impresionantes de toda la película. Y del cual hemos mencionado su nombre en un par de publicaciones anteriores con justa razón, al considerarlo como uno de los mejores actores de su generación. Y con esto, creemos que los medios y la Academia están al debe con él y varios de sus trabajos anteriores, que vale la pena ver.

Por otro lado, debemos dar a conocer que las primeras apreciaciones de la película nos han dejado un tanto divididos (en estricto rigor a lo que premiaciones se refiere). Ya que por un lado la historia nos

parece encantadora (ídem la interpretación de Hawkins), aunque carece de un significado más desarrollado. La película casi en su totalidad tiene una fotografía realizada por CGI, y la hace parecer una película sumamente cara, cuando en realidad para los parámetros de Hollywood no lo es. Lo que (a nuestro entender) le restaría puntos para ser la merecedora de un Oscar a Mejor Película, si la comparamos por ejemplo con “Tres Anuncios Para Un Crimen” (nuestra eterna favorita). Que no ha necesitado de tanta parafernalia de post producción para considerarla como uno de los mejores estrenos de este año. Pero dejando al margen todo esto. “La Forma Del Agua” en esencia, es una película que nos hace soñar, y también nos sorprende con la característica sensibilidad monstruosa que sólo Del Toro es capaz de manejar a la perfección. (A pesar que la interpretación de Doug Jones se terminó ahogando entremedio de tanto efecto de maquillaje, haciendo que sea lejos lo peor de toda la película). Pero que también es capaz de mostrarnos el horror más visceral y cruel que se pueda esperar en películas de su autoría. 

En definitiva: una película hermosa, con momentos tan caricaturescos que por lo menos no llega ha traicionarse a si misma. Limitadamente diferente, pero que de seguro les hará pasar un buen rato viéndola.  

Selección Premios BAFTA 2018

Ya queda poco para saber quienes serán los merecedores de lo más destacado de la cinematografía mundial en la próxima entrega de los premios Oscar. Si bien ya tenemos a nuestros favoritos, mientras tanto les presentamos la lista (escogida) de los ganadores de una de las ceremonias que no han obtenido toda la atención que se merecen. Y no menos importantes son los premios BAFTA 2018. Los Oscar ingleses (en los que se incluyen lo mejor de la televisión), que nos trajeron este pasado 18 de Febrero un par de sorpresas (algunas más gratas que otras) y que quizás nos den alguna señal de lo que podemos esperar este próximo 4 de Marzo. Pero como es nuestro estilo nos hacemos oír, al no estar de acuerdo con algunos ganadores que simplemente No! debieron ganar, pero en cosa de gustos.....

Y los ganadores a la Academia Británica De Las Artes Cinematográficas Y De La Televisión fueron:

MEJOR PELÍCULA

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN

Call Me By Your Name

El instante más oscuro

Dunkerque

La forma del agua

MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN

El instante más oscuro

La muerte de Stalin

Tierra de Dios

Lady Macbeth

Paddington 2

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

COCO

Loving Vincent

La vida de Calabacín

En desacuerdo: hay una que por estética y trabajo artístico la supera, y pronto sabrán por qué. Quizás le emocionalidad se impuso por sobre una esmerada producción. 

MEJOR DIRECTOR

GUILLERMO DEL TORO (LA FORMA DEL AGUA)

Denis Villeneuve («Blade Runner 2049»)

Luca Guadagnino («Call Me By Your Name»)

Christopher Nolan («Dunkerque»)

Martin McDonagh («Tres anuncios por un crimen»)

En desacuerdo: Aquí la pelea estaba entre Martin McDonagh, y Luca Guadagnino. Si bien McDonagh nos entregó una potente y dramática historia. Por otro lado Guadagnino, nos hizo un hermoso y sensible regalo artístico que será muy difícil de olvidar.

MEJOR ACTOR

GARY OLDMAN (EL INSTANTE MÁS OSCURO)

Daniel Day-Lewis, por «El hilo invisible»

Timothée Chalamet, por «Call Me By Your Name»

Daniel Kaluuya, por «Déjame salir»

Jamie Bell, por «Las estrellas no mueren en Liverpool»

MEJOR ACTRIZ

FRANCES McDORMAN (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Sally Hawkins, por «La forma del agua»

Annette Bening, por «Las estrellas no mueren en Liverpool»

Margot Robbie, por «Yo, Tonya»

Saoirse Ronan, por «Lady Bird»

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

ALLISON JANNEY (YO, ANTONIA)

Kristin Scott Thomas, por «El instante más oscuro»

Laurie Metcalf, por «Lady Bird»

Lesley Manville, por «El hilo invisible»

Octavia Spencer, por «La forma del agua»

MEJOR ACTOR DE REPARTO

SAM ROCKWELL (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Christopher Plummer, por «Todo el dinero del mundo»

Hugh Grant, por «Paddington 2»

Willem Dafoe, por «The Florida Project»

Woody Harrelson, por «Tres anuncios por un crimen»

Más que merecido: Una de las mejores actuaciones masculinas de este año. Y si bien no obtuvo el premio de más alta categoría en su momento por "Moon", creemos que este es definitivamente su año. No lo pierdan de vista, repetimos: NO lo pierdan de vista!

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

DANIEL KALUUYA (DÉJAME SALIR)

Florence Pugh

Josh O'Connor

Tessa Thompson

Timothée Chalamet

Relativamente merecido: Si bien, no sabíamos de la existencia de Kaluuya (y sin desmerecer su gran trabajo en la que se convirtió la película revelación del año pasado). Timothée Chalamet, debió ganar en esta categoría, porque su personaje siempre estuvo un paso más allá de lo que podríamos esperar. Convincente y absolutamente revelador.

MEJOR GUION ORIGINAL

MARTIN McDONAGH (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Déjame salir

Yo, Tonya

Lady Bird

La forma del agua

MEJOR GUION ADAPTADO

LUCA GUADAGNINO, JAMES IVORY, WALTER FASANO (CALL ME BY YOUR NAME)

The Death of Stalin

Film Stars Don't Die in Liverpool

Molly's Game

Paddington 2

MEJOR BANDA SONORA

ALEXANDRE DESPLAT (LA FORMA DEL AGUA)

Blade Runner 2049

El instante más oscuro

Dunkerque

El hilo invisible

MEJOR FOTOGRAFÍA

BLADE RUNNER 2049

El instante más oscuro

Dunkerque

La forma del agua

Tres anuncios por un crimen

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

BLADE RUNNER 2049

Dunkerque

La forma del agua

La guerra del planeta de los simios

Star Wars: Los últimos Jedi

A veces, el fin no justifica los medios...

Título: "Tres Anuncios Por Un Crimen" ("Three Billboards Outside Ebbing, Missouri") (2018).
País: Reino Unido, EE.UU.
Director: Martin McDonagh.
Guión: Martin McDonagh.
Música: Carter Burwell.
Protagonistas: Frances McDormand - Woody Harrelson - Sam Rockwell - John Hawkes - Peter Dinklage. 

Mildred Hayes es una aguerrida mujer que vive con su hijo adolescente en un pueblo llamado Ebbing. Las cosas para ella no han sido nada de fáciles y vive un infierno constante al sufrir la pérdida de su hija mayor, quien fuera cruelmente violada y asesinada. Y que aún la policía local no encuentra ninguna pista concluyente, que dé con el paradero de él o los culpables. Por ello es evidente su molestia con todo el equipo de investigación, que al parecer han cerrado el caso por falta de evidencias. Es por ello, que decide hacerse escuchar, y en una clara actitud de protesta alquila tres vallas publicitarias abandonadas, ubicadas a las afueras del pueblo. Cada una de ellas tiene un mensaje claro, directo e incendiario que leído en secuencia es inevitable que logren pasar

desapercibidas. Como es de esperar, la noticia es ampliamente rechazada por los habitantes del pueblo, haciendo que Mildred y su hijo Robbie sean constantemente acosados especialmente por el departamento de policía local. Uno de ellos, Dixon se transformará en una especie de bomba de tiempo quien poco a poco será su enemigo número uno. Ocasionando más de algún abuso policial contra quienes han ayudado a una madre desesperada, capaz de hacer cualquier cosa con tal que el misterio que rodea la muerte de su hija, salga a la luz de una vez por todas. Pero en medio del odio, el acoso, y el rechazo absoluto Mildred, también tendrá que lidiar con las consecuencias más inesperadas, que terminarán por definir su personalidad, una personalidad que no dará su brazo a torcer tan fácilmente. 

Este es el inusual argumento de “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” y que se perfila como la ganadora absoluta en la categoría de Mejor Película en la próxima entrega de los premios Oscar 2018 (en los recientemente entregados premios BAFTA (los Oscars ingleses) ya fue merecedora del premio a Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Actor de reparto (muy merecido para Sam Rockwell), entre otras categorías). Y es que sin hacernos muchas expectativas, esta película en particular nos trae

lo mejor de diferentes géneros, siendo el humor negro una de ellas. Y el mérito recae en un casi desconocido Martin McDonagh (director y guionista de esta sorpresiva maravilla cinematográfica).  

McDonagh es un dramaturgo anglo irlandés, quien ha ganado cierto reconocimiento principalmente en obras de teatro basadas en la violencia y en lo grotesco, como recurso interpretativo y publicitario (por el cuál y como es de esperar ha sido ampliamente criticado en su momento). En el 2006 dirigió un cortometraje llamado “Six Shooter” que lo hizo merecedor del Oscar. En el 2008 dirigió su primer largometraje llamado “In Bruges” que ganó varios premios. Y hoy su nombre brilla en la palestra con esta cinta protagonizada por Frances McDormand, Woody Harrelson y Sam Rockwell (estos dos últimos ya habían trabajado anteriormente con McDonagh). 

Independiente de lo que se pueda pensar, la apabullante actuación de McDormand, interactúa

enérgicamente con la de Harrelson y Rockwell (quién al parecer, se roba casi gran parte de la atención en algunos de los momentos más logrados e interesantes de toda la película. Y de verdad que se nos ha quedado en la retina). Y es que esta parte, la omitiremos porque lo que necesitan saber está ampliamente expuesta en pantalla, y no hace falta más para darnos cuenta que tenemos a tres de los mejores actores de su generación, en una sola (más que buena) película. Lo interesante es la propuesta del guion. El absoluto manejo del director McDonagh para jugar con la emocionalidad de sus situaciones, y hacernos reír (cuando deberíamos llorar) y llorar (cuando tal vez deberíamos reír). Pero eso no es todo, porque tiene la capacidad (absolutamente visceral implícita) de romper con ciertos códigos donde  (supuestamente) no se permite jugar con los momentos más sensibles de su historia. Transformando todo en aleatorias situaciones manchadas con el humor más retorcido y negro que hemos podido ver en una película de estas características. Y lo mejor de todo, es que logra tal sutileza y buen manejo, que jamás se deja de tomar en serio a si misma. Por ejemplo el personaje de McDormand es el “no temor” hecho mujer, y el sufrimiento que la persigue puede llegar a ser por momentos hasta absurdo, pero empatizamos ciento por ciento con sus motivaciones, y lo que es mejor disfrutamos con cada una de sus alocadas acciones, producto de las presiones a las que es sometida. Pero en el fondo, no cae en lo caricaturesco, ni en lo burdo, y

menos en la risa fácil. Cada detalle de  “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” no es gratuito, aquí todo es posible en justa medida. En esencia estamos ante un drama que nos empuja a un foso sin fondo del que no sabremos si podremos salir en algún momento. Hay muchos cuestionamientos (muchas de ellas sin respuestas), pero las pistas están ocultas para bien o para mal (y es que aquí hay mucho en que pensar). Y aseguramos con esto que los cinefilomaniacos se darán un verdadero festín mientras la van descubriendo. Y repetimos: es muy probable que esta memorable cinta sea la merecedora del galardón a Mejor Película esta próxima entrega de los premios de la Academia. 

Y no hay más que decir, ya que “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” (inspirada en hechos reales) ha sido una gran sorpresa en términos de propuestas diferentes con gran carga interpretativa y artística. Con un guion sólido y absolutamente inteligente desde donde se la mire. Un logro, un gran acierto cinematográfico que vale la pena ver mil veces. 

"...Cuándo menos lo esperas, la naturaleza encuentra nuestros puntos más débiles..."

Título: "Llámame Por Tú Nombre" ("Call Me By Your Name") (2017).

Países: Italia, Francia, Brasil, Estados Unidos.

Director: Luca Guadagnino.

Guión: Luca Guadagnino, James Ivory, Walter Fasano (Basada en la novela homónima escrita por André Aciman).

Música: Sufjan Stevens.

Protagonistas: Timothée Chalamet - Armie Hammer - Michael Stuhlbarg -Amira Casar - Esther Garrel - Victoire Du Bois - Vanda Capriolo.

Elio es un chico especial, sensible e introvertido que vive con sus padres en un sector rural de Italia. Su vida gira en torno a la música, donde deleita a sus cercanos y visitas con su magnífica forma de tocar el piano. Escribe sobre casi todo lo que le rodea, pasa largos momentos leyendo todo tipo de libros, y ha iniciado una relación con Marzia. Pero un día la llegada de Oliver (el nuevo ayudante académico de su padre), cambiará

para siempre su manera de ver la vida. Al principio sus personalidades, gustos y vivencias denotan que no tienen absolutamente nada en común, sin mencionar que Oliver es varios años mayor que él. Pero casi de forma natural, Elio comienza a sentir al principio una extraña atracción, que lo lleva a escribir sobre sus emociones más ocultas. Pero los sentimientos no tardarán en aflorar, y es así que lo inesperado hará que esta vivencia marque definitivamente su vida para siempre.

Ganadora de varios premios internacionales (en los que se incluye tres nominaciones a los Globos de Oro como mejor película, mejor actor dramático, y mejor actor de reparto). “Call me by your name” es una película, sensible y poética basada en la novela homónima escrita por André Aciman, que fue considerada incluso como una de las mejores estrenadas en 2017. Y con justa razón. 

Dirigida por Luca Guadagnino (quien se apronta a estrenar muy pronto el remake de “Suspiria” una de las más enigmáticas obras cinematográficas dirigida por el padre del giallo italiano Darío Argento). Guadagnino nos conecta con nuestras emociones más inmediatas, y con ello nos invita paradojalmente a reflexionar (sobretodo con el significativo y necesario diálogo que el Sr. Perlman tiene con su hijo, uno de los más potentes, imperdibles y sensibles de la película). El núcleo de “Call me by your name”  no habla de otra cosa que de la vida y las personas que la componen, que entran y salen de ella aleatoriamente, sin importar si existe o no un propósito. Y la esencia de todo es eso, porque hay personas que entran en determinados

momentos a nuestras vidas, con un fin (siempre es con un fin). Independiente si somos capaces de notarlo o no inmediatamente. Y eso sólo da pie para pensar que somos parte de un mundo, un mundo cíclico que no se detiene, que está en constante cambio, y muchas veces no estamos preparados para recibir, y menos para dar. Lo que nos lleva a experimentar distintas etapas dentro de la sensibilidad de los personajes, y con esto llegamos a la única conclusión posible: Independiente de todo, las relaciones humanas son complejas (muy complejas). Pero Guadagnino supo como entregarle sentido a algo que a simple vista puede que no lo tenga (y que vale la pena que lo descubran por sí mismos). Las personas nos pueden sorprender cuando menos lo esperamos. Y todo comienza a fluir mejor cuando de la vida nada se espera.

Somos parte de una naturaleza, pero olvidamos como fluir con ella (o lo que es peor olvidamos justamente eso: que somos parte de ella). Y es aquí donde Guadagnino hace presente su magnifica forma de dirigir, y nos entrega imágenes llenas de nostalgia y sensibilidad pocas veces vistas (al menos este último tiempo) y que se complementan con una hermosa puesta en escena y la sincronización de la oportuna banda sonora compuesta por Sufjan Stevens. Que en su conjunto, terminan por dar vida a una de las historias más significativas que hemos visto este año que ya se inició. Sumando a todo esto, potentísimas actuaciones que de seguro no dejará a nadie indiferentes (y que incluso rayan en la utopía más anhelante). “Call me by your name” es una especie de oda a los regalos que la vida suele entregar de manera muy caprichosa, y que es capaz de tocar

la puerta indemne y fortuita, como la brisa matutina más tibia de verano. No obstante, (y como conclusión) en las reflexiones de Eli, podemos encontrar algunas de sus reflexiones más profundas, que en definitiva describe lo indescriptible (todo aquello que sentimos, pero que muy rara vez podemos expresar): “Creí que no te agradaba, porque me ignorabas, pero mi falta de experiencia no supo alertarme sobre los detalles  que denotaban que la sensibilidad era mutua. Miraba completamente sólo el atardecer, pero sin más preámbulo apareciste como el mejor de los amaneceres, sacándome de mi ostracismo. Haciendo que naciera en mí, las ganas incontrolables de acariciarte y estar contigo. Sin que supieras que por dentro sufría en silencio (y es que el motivo poco importa). Lo que realmente importa, es que me llenaste por completo, me hiciste sentir lo que jamás creía que podía sentir. Mirando las estrellas agradecía al cielo, por el simple hecho de estar abrazados. Y que entre mis brazos sentías el calor que buscábamos, todo fue mágico, hermoso como nunca podrás imaginar, y al menos me siento doblemente afortunado porque fui feliz, muy feliz, y ante eso, no queda más que agradecer a quien te envío fugaz a mi vida, por esto y muchas cosas más….gracias…”

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A veces, lo inesperado ocurre para cambiar el curso de la vida

Título: "Ame y Yuky: Los Niños Lobo" ("Ōkami Kodomo no Ame to Yuki") (2012).
País: Japón.
Director: Mamoru Hosoda.
Guión: Aoi Miyasaki, Takao Osawa, Haru Kuroki, Yukito Nishii.
Música: Takagi Masakatsu.
Protagonistas: Shigeru Nishiyama - Haru Kuroki - Mitsuki Tanimura - Takao Osawa - Tamio Ōki - Tadashi Nakamura - Kumiko Aso.

Hana es una joven estudiante universitaria de 19 años. Su vida aparentemente apacible tiene todos los pormenores propios de su edad, salir con sus amigos, y en algún momento encontrar el amor. Un día como cualquiera, conoce a un misterioso hombre un par de años mayor que ella. Algo en él, hace que se sienta poco a poco atraída, y sin más, eventualmente se enamoran. Todo parece marchar bien, hasta que él le revela un gran secreto: sólo en apariencia es como los demás hombres, pero en realidad es el último descendiente de un linaje de lobos exterminados. Evidentemente ella queda absolutamente sorprendida con la noticia, pero esto no es impedimento para que juntos inicien una relación seria que dura un buen tiempo.

Es así que Hana queda embarazada de un niño y una niña respectivamente. La mayor y más revoltosa la llaman Yuki (nieve), al menor más tímido y retraído Ame (lluvia). La particular familia sentirá con el paso del tiempo, que el lugar donde viven en realidad no es su hogar. Los niños están creciendo y sobretodo Yuki, no tiene problemas en cambiar de forma peligrosamente delante de algunas personas de acuerdo a su estado anímico. Por lo que deciden buscar un lugar que no ponga en peligro a los niños y el resto de la familia, no sin antes enfrentar difíciles pruebas.
Con un argumento que podríamos calificar como poéticamente creativo, “Los Niños Lobo” (como también se la conoce). Tiene absolutamente lo mejor del cine animé. Pero lo que también resulta interesante es el contexto oculto dentro de la historia, y la importancia de cada uno de sus personajes. Y no le resta importancia al tratarse de una película de estas características, vale decir, no por ser animé la vamos a tomar a la ligera. Claramente tiene algo que decir, y es así que se deja ver sin problemas con la naturalidad esperada en este tipo de cintas.
Uno de los principales motivos por el cual la destacamos es, porque retrata de manera magnífica como nos desenvolvemos en un mundo, en que la creación humana aún no sabe coexistir con la naturaleza. Y quizás lo que puede ser peor aún, el simple hecho de no aceptar que al parecer estamos destinados a algún misterioso propósito en la vida. Un propósito no revelado hasta que el momento se haga presente. Y la mejor forma de

retratarlo es a través de los nombres de los niños: Nieve (un elemento frío e inquebrantable, pero que también suele generar alegría y felicidad). Y Lluvia (un elemento primordial que entrega vida, pero que también esta asociado a la introspección y a la melancolía). Y son estas las principales características que los definen individualmente, considerando que los dos son agua, pero en diferentes estados. No obstante, la película es magnifica, independiente del punto de vista. Tiene una interesante historia (a ratos un poco naif, pero que no afecta en nada al mensaje más filosófico que es su núcleo principal). Sin dejar de lado, el impresionante trabajo artístico empleado, que de seguro maravillará a grandes y a chicos. En conclusión, (y como solemos decir con obras sobresalientes) “Los Niños Lobo” es absolutamente imperdible, que incluso hace recordar (porque casi es obvio el guiño) a las primeras obras de Hayao Miyazaki. Otro logro del animé.

"Cuando uno viene de abajo... no cae de muy alto"

Titulo: "Señor Chocolate" ("Monsieur Chocolat") (2016).
País: Francia.
Director: Roschdy Zem.
Guión: Cyril Gély.
Música: Gabriel Yared.
Protagonistas: Roschdy Zem - Omar Sy - James Thiérrée - Clotilde Hesme - Olivier Gourmet - Frédéric Pierrot - Noémie Lvovsky - Alice de Lencquesaing - Alex Descas - Olivier Rabourdin - Xavier Beauvois.

En las afueras de Francia de 1897 Kananga (cuyo nombre real es Rafael Padilla) es hijo de un esclavo cubano que trabaja en un circo de mala muerte representando a un caníbal como una de las atracciones principales. George Foottit es un payaso blanco cuyas presentaciones necesitan de una urgente renovación. Un día tiene una disparatada ocurrencia cuando decide incluir en su espectáculo a Kananga en un dueto de payasos. La formula parece arriesgada en tiempos donde el racismo aún imperaba en una sociedad progresista. Pero

sorprendentemente el espectáculo es todo un éxito, es así que se les presenta la oportunidad de su vida cuando Joseph Oller (director de un prestigioso teatro circense en Francia) les ofrece ser parte de la parrilla de espectáculos. El dueto se presenta como Foottit y Chocolate y son considerados como la gran novedad del teatro. El éxito es instantáneo y se transforman rápidamente en celebridades. Sus shows son sencillos e ingenuos. Pero pronto serán blancos de críticas al representar a Chocolate como el personaje que por ser de color es quien reciba los golpes y bromas del payaso Foottit. Siendo este el principal motivo de las risas del público. Chocolate es criticado por sus pares como una especie de bufón, un animal de circo al servicio

del entretenimiento de los blancos. Pero para él es su forma de mostrar su arte. Vive su éxito y puede dar rienda suelta a dos de sus debilidades más notorias: las mujeres y las apuestas. Pero tarde o temprano los cuestionamientos morales no tardarán en hacerse presente, y lo motivarán para mostrar otra faceta de su histrionismo. Una faceta que lo hará entender mejor los tiempos en el que vive y la sociedad que creía conocer.
“Señor Chocolate” es una magnifica película biográfica concebida como la historia del primer payaso negro francés dirigida por el también actor Roschdy Zem, y merecedora de dos premios César (Mejor Decorado (James Duchier) y Mejor Actor Secundario (James Thierrée, nieto de Charles Chaplin)). Que cuenta con muchos puntos a su favor para considerarla en tus próximas películas a ver. La principal de ellas es el soberbio nivel interpretativo de los personajes principales y la cuidada puesta en escena. Lo interesante de esta historia en particular es que no recurre a la exageración lacrimógena como suele ocurrir con otras obras biográficas como recurso dramático. Sino más bien es una especie de testigo ocular ante los diferentes

estados y cambios que se van presentando en la vida de sus personajes, sin caer en lo burdo ni en la exageración. Aquí hay prácticamente de todo, el inicio de una carrera artística con diferentes matices que podemos disfrutar sin problemas. Y por sobretodo no olvida el núcleo principal de la historia, la lucha de principios en tiempos en que los derechos de igualdad aún estaban en desarrollo.
Llena de magia y poesía. Absolutamente recomendable, un verdadero y nuevo acierto del siempre imprescindible cine francés, que incluye fotogramas reales que todo cinéfilo sabrá aprovechar y disfrutar.