Un clásico del animé que no te puedes perder.... (+18)

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A veces, lo inesperado ocurre para cambiar el curso de la vida

Título: "Ame y Yuky: Los Niños Lobo" ("Ōkami Kodomo no Ame to Yuki") (2012).
País: Japón.
Director: Mamoru Hosoda.
Guión: Aoi Miyasaki, Takao Osawa, Haru Kuroki, Yukito Nishii.
Música: Takagi Masakatsu.
Protagonistas: Shigeru Nishiyama - Haru Kuroki - Mitsuki Tanimura - Takao Osawa - Tamio Ōki - Tadashi Nakamura - Kumiko Aso.

Hana es una joven estudiante universitaria de 19 años. Su vida aparentemente apacible tiene todos los pormenores propios de su edad, salir con sus amigos, y en algún momento encontrar el amor. Un día como cualquiera, conoce a un misterioso hombre un par de años mayor que ella. Algo en él, hace que se sienta poco a poco atraída, y sin más, eventualmente se enamoran. Todo parece marchar bien, hasta que él le revela un gran secreto: sólo en apariencia es como los demás hombres, pero en realidad es el último descendiente de un linaje de lobos exterminados. Evidentemente ella queda absolutamente sorprendida con la noticia, pero esto no es impedimento para que juntos inicien una relación seria que dura un buen tiempo.

Es así que Hana queda embarazada de un niño y una niña respectivamente. La mayor y más revoltosa la llaman Yuki (nieve), al menor más tímido y retraído Ame (lluvia). La particular familia sentirá con el paso del tiempo, que el lugar donde viven en realidad no es su hogar. Los niños están creciendo y sobretodo Yuki, no tiene problemas en cambiar de forma peligrosamente delante de algunas personas de acuerdo a su estado anímico. Por lo que deciden buscar un lugar que no ponga en peligro a los niños y el resto de la familia, no sin antes enfrentar difíciles pruebas.
Con un argumento que podríamos calificar como poéticamente creativo, “Los Niños Lobo” (como también se la conoce). Tiene absolutamente lo mejor del cine animé. Pero lo que también resulta interesante es el contexto oculto dentro de la historia, y la importancia de cada uno de sus personajes. Y no le resta importancia al tratarse de una película de estas características, vale decir, no por ser animé la vamos a tomar a la ligera. Claramente tiene algo que decir, y es así que se deja ver sin problemas con la naturalidad esperada en este tipo de cintas.
Uno de los principales motivos por el cual la destacamos es, porque retrata de manera magnífica como nos desenvolvemos en un mundo, en que la creación humana aún no sabe coexistir con la naturaleza. Y quizás lo que puede ser peor aún, el simple hecho de no aceptar que al parecer estamos destinados a algún misterioso propósito en la vida. Un propósito no revelado hasta que el momento se haga presente. Y la mejor forma de

retratarlo es a través de los nombres de los niños: Nieve (un elemento frío e inquebrantable, pero que también suele generar alegría y felicidad). Y Lluvia (un elemento primordial que entrega vida, pero que también esta asociado a la introspección y a la melancolía). Y son estas las principales características que los definen individualmente, considerando que los dos son agua, pero en diferentes estados. No obstante, la película es magnifica, independiente del punto de vista. Tiene una interesante historia (a ratos un poco naif, pero que no afecta en nada al mensaje más filosófico que es su núcleo principal). Sin dejar de lado, el impresionante trabajo artístico empleado, que de seguro maravillará a grandes y a chicos. En conclusión, (y como solemos decir con obras sobresalientes) “Los Niños Lobo” es absolutamente imperdible, que incluso hace recordar (porque casi es obvio el guiño) a las primeras obras de Hayao Miyazaki. Otro logro del animé.

La conexión con la complejidad de un universo infinito

Titulo: "La Tortuga Roja" ("La Tortue Rouge") (2016). 
País: Francia, Bélgica, Japón.
Director: Michaël Dudok de Wit. 
Guión: Pascale Ferran, Michaël Dudok de Wit. 
Música: Laurent Perez Del Mar. 
Protagonistas: Animación Muda.

Un naufrago, cuya embarcación zozobra en medio de una tormenta. Se da cuenta que es el único sobreviviente, y las fuertes corrientes lo llevan hasta las orillas de una isla perdida en medio de la nada. Confundido y desesperado, tratará con un reducido sistema de recursos de salir lo antes posible de aquella isla inexplorada. Para ello diseña una improvisada balsa, que al parecer flota sin problemas, pero luego de cierto trayecto algo esta causando que su vía de escape fracase, al golpearlo fuertemente hasta desarmarla en su totalidad. Sin darse por vencido, construye otra, corriendo la misma suerte. Al parecer hay algo que no quiere que abandone el lugar, quizás con algún importante propósito aún no develado.  

Francia, Bélgica y Japón (Studio Ghibli) unieron sus fuerzas en esta emotiva y poética obra de animación que fue nominada a un Oscar como mejor película extranjera 2017 (premio que terminó llevándose “Zootrópolis” (¡¿...?!)).

 Dirigida por el debutante Michaël Dudok de Wit, y presentada como la nueva maravilla del estudio Ghibli propiedad de Hayao Miyazaki (entre otros) (quien en reunión con uno de los productores extranjeros les mostró un cortometraje llamado “Padre e Hija” que finalmente inspiró la película). Sin más tenemos una obra que puede parecer bastante alejada de lo que podríamos esperar del estudio (y que quizás también nos tenían acostumbrados), ya que “La Tortuga Roja” en cuanto a la factoría artística es absolutamente simplista desde donde se la mire, aquí no tenemos grandes decorados y definición en la expresividad de sus personajes (y que se atribuye más bien al arte francés), tampoco hay primeros planos de estos, quizás por el mismo motivo. 

Y es que aquí no hacen falta, cada secuencia tiene fuerza (y belleza) en sí misma.

Por las situaciones en las que se desarrollan los personajes, y por mostrar al humano en una inmensidad en la que él es tan solo un punto en medio de la nada, la historia se sustenta por permitir a los personajes a soñar…. Y lo que es mejor, permite al espectador soñar con ellos. Y por esto la maravillosa música empleada en los momentos de más emotividad nos transportará a un mundo paralelo que se dejará ver progresivamente vayamos descubriendo su magia. Y ese mundo es aquel que olvidamos siempre cuando nos encontramos viviendo algún problema que nos haga tropezar. Ese mundo no es otro, que el de la aceptación cuando no tengamos más nada a nuestro favor. 

Aceptar las dificultades como vengan, porque no obstante (al ser capaces de aceptarlas) podemos saber que no hay felicidad sin antes ser merecedores de ella. Y esa es la esencia de  “La Tortuga Roja”, aceptar todo cuanto vivimos, sin calificarla como malo o bueno, sino como una oportunidad de conexión con la complejidad de un universo al que nunca comprenderemos del todo. Todo en el mundo es. Sólo les tomará tiempo a sus personajes darse cuenta de ello, que hay algo que ocurre mágicamente a nuestro alrededor que necesita ser aprendido. 

En conclusión: una corta, pero poderosa y sensible historia llena de emotividad y significado que bien vale la pena ver. (No es recomendada, sino absolutamente esencial verla).

Si la vida no le dio una nueva oportunidad... la muerte lo hará.

Titulo: "Colorido" ("カラフル" "Colorful") (2010). 

País: Japón

Director: Keiichi Hara. 

Guión: Miho Maruo (Basado en la novela homónima escrita por  Eto Mori). 

Música: Kow Otani. 

Con las voces de: Kazato Tomizawa - Aoi Miyazaki - Akina Minami - Jingi Irie - Keiji Fujiwara - Akiyoshi Nakao -Kumiko Aso - Katsumi Takahashi.

Un alma ha cometido el peor de los pecados, y se encuentra en el purgatorio para pagar su error. Pero la gracia divina le ha dado una nueva oportunidad. Deberá reencarnar en un chico de catorce años que ha atentado contra su vida llamado Makoto Kobayashi. Deberá vivir su vida y asumir todas las complicaciones que giran en torno a ella, al igual que deberá interactuar con todo tipo de personas. Pero no estará sólo, ya que un espíritu llamado Purapura le servirá de guía en un camino que resultará más doloroso de lo que piensa, pero que tendrá un gran significado para su vida pasada, presente y futura.

Soberbio animé dramático que presenta todo tipo de conjeturas muy poco vistas dentro de la cinematografía en general y que definitivamente habla por sí sola. Imperdible.

EL PODER DE LA AMISTAD

Titulo: "Ponyo en el acantilado" ("崖の上のポニョ") (Gake no ue no Ponyo) (2008).
Director: Hayao Miyazaki.
Guión: Hayao Miyazaki.
Música: Joe Hisaishi.
Voces: "Ponyo" (Yuria Nara) - "Sosuke" (Hiroki Doi) - "Fujimoto" (Jòji Tokoro).

Conocido mundialmente como el Walt Disney Japonés, Hayao Miyasaki es pieza fundamental a lo que en animación convencional respecta (siendo los estudios Ghibli productora de casi la mayoría de sus películas), ya que ha podido rescatar como ninguno la esencia real infantil, ver sus películas resultan todo un mundo maravilloso que te transportan nuevamente a la infancia mas pura, ingenua y poética, y así lo ha retratado en películas tan inolvidables como “Tonari no Totoro” (Mi vecino Totoro) (1988), “Mononoke Hime” (La princesa Mononoke) (1997), “Sen to Chihiro no Kamikakushi” (El viaje de Chihiro) (2001), “Haru no ugoku shiro” (El castillo ambulante de Howls) (2004), y ahora nos deleita con “Gake no ue no Ponyo” (Ponyo en el acantilado) (2008) su nueva película donde cuenta la historia de “Sousuke” un niño de nueve años que vive cerca del mar junto con su madre y su padre (embarcado en alta mar desde hace un tiempo), un día jugando en la playa se encuentra con un extraño pez que pareciera inerte con la cabeza atascada en un tarro, la rescata, la mete en un balde y la bautiza como “Ponyo”, “Sousuke” se encariña rápidamente de la que pareciera es una prófuga de las profundidades del mar, cuyo poderoso padre utiliza sus recursos para hacerla regresar donde pertenece, pero el pez vuelve a escapar con la decisión de convertirse en humana y amiga de “Sousuke” para siempre, produciendo un cíclico cambio en la vida natural que podría hacer peligrar a la raza humana, haciendo que el cariño incondicional y puro de un niño sea puesto a prueba. Realizada con una sensibilidad solo percibida en las películas de Miyasaki y con un profundo mensaje reflexivo hacia el daño que estamos produciendo irremediablemente al ecosistema “Ponyo en el acantilado” es poesía, ternura y expresividad del mas alto nivel, jamás en una película infantil se han retratado a los niños tal cuales son, con sus manías, su fidedigna curiosidad y su eterno amor desinteresado que no dejara indiferente a ningún adulto y que también hará reír sanamente, convirtiéndose indiscutidamente en una película que quizás no olvides jamás, así como en algún momento olvidamos que todos fuimos niños alguna ves.

GHOST IN THE SHELL: METAFISICA VIRTUAL

Titulo: "Ghost in the Shell" (Kokatu Kidotai) (Basada en la obra homónima creada por Masamune Shirow) (1995).
Director: Mamoru Oshii.
Guión: Kazunori Ito.
Música: Kenji Kawai.
Protagonistas: Atsuko Tanaka - Akio Otsuka - Tamio Oki - Iemasa Kyumi - Koichi Yamadera.
En un futuro próximo plagado de redes corporativas el avance de la tecnología aun no es capaz de acabar con el crimen organizado cuyo líder conocido como"el maestro de las marionetas" utiliza a personas y cyborgs borrando sus mentes y haciéndoles vivir una experiencia virtual para así infiltrar virus dentro del sistema. Los departamentos de policía de Hong Kong cuentan con cyborgs que alternan con los humanos para descubrir cualquier indicio de hackeo goburnamental.

La compañía "Wiecitie" a creado cyborgs multifuncionales de personalidad autónoma, híbridos aparentemente perfectos llamados Proyecto 2501, uno de ellos escapa y es reportado a la policía, donde sus científicos descubren una falla en su sistema conocida como virus hA-3, quien dice ser el alma del cyborg planteando una incógnita mecánica/espiritual que los científicos creían inexistente.

Basado en un manga creado por Shirow Masamune y dirigida para el cine de forma magistral por Mamoru Oshii, "Ghost in the Shell" se ha convertido con el transcurso de los años en una obra clave dentro del genero del anime e inspiradora directa para la que seria años posteriores la trilogía de "The Matrix", entre otras. Oshii, de vasta tragectoria dentro del genero, expone de forma inquietante el resultado de la coexistencia entre los humanos y cyborgs donde estos son creados y programados en función de los primeros limitandolos como una extensión de la red tecnológica, en apariencia perfectos pero con un complejo cuestionamiento interno que raya bajo los tópicos de la metafisica; carentes de individualidad pero con una definición en extremo revolucionaria de lo que para ellos significa sentir y aislar su "yo" interno para así resolver la posible existencia de un alma habitante en cada cerebro virtual. Oshii recurre a la mas alta tecnología disponible en Japón para ilustrar el núcleo del argumento de "Ghost in the Shell" (1995), haciéndola pionera en el uso y mezcla de animación tradicional con efectos generados por computadora, mención aparte la dramática y elocuente banda sonora creada por Kenji Kawai, deriban a la cinta a recibir innumerables premios tanto dentro como fuera de oriente, siendo un referente obligado del cine anime.

El mensaje de Masamune es claro: "la posibilidad de un alma existente dentro de un cyborg puede cambiar para siempre nuestra percepción ante la muerte, el cuerpo sera facilmente reemplazado, su "yo" interno seguirá vivo por una eternidad ¿acaso serán en un futuro próximo los cyborgs quienes resuelvan la incógnita de la reencarnación y el secreto de la vida?".