Selección Premios BAFTA 2018

Ya queda poco para saber quienes serán los merecedores de lo más destacado de la cinematografía mundial en la próxima entrega de los premios Oscar. Si bien ya tenemos a nuestros favoritos, mientras tanto les presentamos la lista (escogida) de los ganadores de una de las ceremonias que no han obtenido toda la atención que se merecen. Y no menos importantes son los premios BAFTA 2018. Los Oscar ingleses (en los que se incluyen lo mejor de la televisión), que nos trajeron este pasado 18 de Febrero un par de sorpresas (algunas más gratas que otras) y que quizás nos den alguna señal de lo que podemos esperar este próximo 4 de Marzo. Pero como es nuestro estilo nos hacemos oír, al no estar de acuerdo con algunos ganadores que simplemente No! debieron ganar, pero en cosa de gustos.....

Y los ganadores a la Academia Británica De Las Artes Cinematográficas Y De La Televisión fueron:

MEJOR PELÍCULA

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN

Call Me By Your Name

El instante más oscuro

Dunkerque

La forma del agua

MEJOR PELÍCULA BRITÁNICA

TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN

El instante más oscuro

La muerte de Stalin

Tierra de Dios

Lady Macbeth

Paddington 2

MEJOR PELÍCULA DE ANIMACIÓN

COCO

Loving Vincent

La vida de Calabacín

En desacuerdo: hay una que por estética y trabajo artístico la supera, y pronto sabrán por qué. Quizás le emocionalidad se impuso por sobre una esmerada producción. 

MEJOR DIRECTOR

GUILLERMO DEL TORO (LA FORMA DEL AGUA)

Denis Villeneuve («Blade Runner 2049»)

Luca Guadagnino («Call Me By Your Name»)

Christopher Nolan («Dunkerque»)

Martin McDonagh («Tres anuncios por un crimen»)

En desacuerdo: Aquí la pelea estaba entre Martin McDonagh, y Luca Guadagnino. Si bien McDonagh nos entregó una potente y dramática historia. Por otro lado Guadagnino, nos hizo un hermoso y sensible regalo artístico que será muy difícil de olvidar.

MEJOR ACTOR

GARY OLDMAN (EL INSTANTE MÁS OSCURO)

Daniel Day-Lewis, por «El hilo invisible»

Timothée Chalamet, por «Call Me By Your Name»

Daniel Kaluuya, por «Déjame salir»

Jamie Bell, por «Las estrellas no mueren en Liverpool»

MEJOR ACTRIZ

FRANCES McDORMAN (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Sally Hawkins, por «La forma del agua»

Annette Bening, por «Las estrellas no mueren en Liverpool»

Margot Robbie, por «Yo, Tonya»

Saoirse Ronan, por «Lady Bird»

MEJOR ACTRIZ DE REPARTO

ALLISON JANNEY (YO, ANTONIA)

Kristin Scott Thomas, por «El instante más oscuro»

Laurie Metcalf, por «Lady Bird»

Lesley Manville, por «El hilo invisible»

Octavia Spencer, por «La forma del agua»

MEJOR ACTOR DE REPARTO

SAM ROCKWELL (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Christopher Plummer, por «Todo el dinero del mundo»

Hugh Grant, por «Paddington 2»

Willem Dafoe, por «The Florida Project»

Woody Harrelson, por «Tres anuncios por un crimen»

Más que merecido: Una de las mejores actuaciones masculinas de este año. Y si bien no obtuvo el premio de más alta categoría en su momento por "Moon", creemos que este es definitivamente su año. No lo pierdan de vista, repetimos: NO lo pierdan de vista!

MEJOR ACTOR REVELACIÓN

DANIEL KALUUYA (DÉJAME SALIR)

Florence Pugh

Josh O'Connor

Tessa Thompson

Timothée Chalamet

Relativamente merecido: Si bien, no sabíamos de la existencia de Kaluuya (y sin desmerecer su gran trabajo en la que se convirtió la película revelación del año pasado). Timothée Chalamet, debió ganar en esta categoría, porque su personaje siempre estuvo un paso más allá de lo que podríamos esperar. Convincente y absolutamente revelador.

MEJOR GUION ORIGINAL

MARTIN McDONAGH (TRES ANUNCIOS POR UN CRIMEN)

Déjame salir

Yo, Tonya

Lady Bird

La forma del agua

MEJOR GUION ADAPTADO

LUCA GUADAGNINO, JAMES IVORY, WALTER FASANO (CALL ME BY YOUR NAME)

The Death of Stalin

Film Stars Don't Die in Liverpool

Molly's Game

Paddington 2

MEJOR BANDA SONORA

ALEXANDRE DESPLAT (LA FORMA DEL AGUA)

Blade Runner 2049

El instante más oscuro

Dunkerque

El hilo invisible

MEJOR FOTOGRAFÍA

BLADE RUNNER 2049

El instante más oscuro

Dunkerque

La forma del agua

Tres anuncios por un crimen

MEJORES EFECTOS ESPECIALES

BLADE RUNNER 2049

Dunkerque

La forma del agua

La guerra del planeta de los simios

Star Wars: Los últimos Jedi

A veces, el fin no justifica los medios...

Título: "Tres Anuncios Por Un Crimen" ("Three Billboards Outside Ebbing, Missouri") (2018).
País: Reino Unido, EE.UU.
Director: Martin McDonagh.
Guión: Martin McDonagh.
Música: Carter Burwell.
Protagonistas: Frances McDormand - Woody Harrelson - Sam Rockwell - John Hawkes - Peter Dinklage. 

Mildred Hayes es una aguerrida mujer que vive con su hijo adolescente en un pueblo llamado Ebbing. Las cosas para ella no han sido nada de fáciles y vive un infierno constante al sufrir la pérdida de su hija mayor, quien fuera cruelmente violada y asesinada. Y que aún la policía local no encuentra ninguna pista concluyente, que dé con el paradero de él o los culpables. Por ello es evidente su molestia con todo el equipo de investigación, que al parecer han cerrado el caso por falta de evidencias. Es por ello, que decide hacerse escuchar, y en una clara actitud de protesta alquila tres vallas publicitarias abandonadas, ubicadas a las afueras del pueblo. Cada una de ellas tiene un mensaje claro, directo e incendiario que leído en secuencia es inevitable que logren pasar

desapercibidas. Como es de esperar, la noticia es ampliamente rechazada por los habitantes del pueblo, haciendo que Mildred y su hijo Robbie sean constantemente acosados especialmente por el departamento de policía local. Uno de ellos, Dixon se transformará en una especie de bomba de tiempo quien poco a poco será su enemigo número uno. Ocasionando más de algún abuso policial contra quienes han ayudado a una madre desesperada, capaz de hacer cualquier cosa con tal que el misterio que rodea la muerte de su hija, salga a la luz de una vez por todas. Pero en medio del odio, el acoso, y el rechazo absoluto Mildred, también tendrá que lidiar con las consecuencias más inesperadas, que terminarán por definir su personalidad, una personalidad que no dará su brazo a torcer tan fácilmente. 

Este es el inusual argumento de “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” y que se perfila como la ganadora absoluta en la categoría de Mejor Película en la próxima entrega de los premios Oscar 2018 (en los recientemente entregados premios BAFTA (los Oscars ingleses) ya fue merecedora del premio a Mejor Película, Mejor Actriz y Mejor Actor de reparto (muy merecido para Sam Rockwell), entre otras categorías). Y es que sin hacernos muchas expectativas, esta película en particular nos trae

lo mejor de diferentes géneros, siendo el humor negro una de ellas. Y el mérito recae en un casi desconocido Martin McDonagh (director y guionista de esta sorpresiva maravilla cinematográfica).  

McDonagh es un dramaturgo anglo irlandés, quien ha ganado cierto reconocimiento principalmente en obras de teatro basadas en la violencia y en lo grotesco, como recurso interpretativo y publicitario (por el cuál y como es de esperar ha sido ampliamente criticado en su momento). En el 2006 dirigió un cortometraje llamado “Six Shooter” que lo hizo merecedor del Oscar. En el 2008 dirigió su primer largometraje llamado “In Bruges” que ganó varios premios. Y hoy su nombre brilla en la palestra con esta cinta protagonizada por Frances McDormand, Woody Harrelson y Sam Rockwell (estos dos últimos ya habían trabajado anteriormente con McDonagh). 

Independiente de lo que se pueda pensar, la apabullante actuación de McDormand, interactúa

enérgicamente con la de Harrelson y Rockwell (quién al parecer, se roba casi gran parte de la atención en algunos de los momentos más logrados e interesantes de toda la película. Y de verdad que se nos ha quedado en la retina). Y es que esta parte, la omitiremos porque lo que necesitan saber está ampliamente expuesta en pantalla, y no hace falta más para darnos cuenta que tenemos a tres de los mejores actores de su generación, en una sola (más que buena) película. Lo interesante es la propuesta del guion. El absoluto manejo del director McDonagh para jugar con la emocionalidad de sus situaciones, y hacernos reír (cuando deberíamos llorar) y llorar (cuando tal vez deberíamos reír). Pero eso no es todo, porque tiene la capacidad (absolutamente visceral implícita) de romper con ciertos códigos donde  (supuestamente) no se permite jugar con los momentos más sensibles de su historia. Transformando todo en aleatorias situaciones manchadas con el humor más retorcido y negro que hemos podido ver en una película de estas características. Y lo mejor de todo, es que logra tal sutileza y buen manejo, que jamás se deja de tomar en serio a si misma. Por ejemplo el personaje de McDormand es el “no temor” hecho mujer, y el sufrimiento que la persigue puede llegar a ser por momentos hasta absurdo, pero empatizamos ciento por ciento con sus motivaciones, y lo que es mejor disfrutamos con cada una de sus alocadas acciones, producto de las presiones a las que es sometida. Pero en el fondo, no cae en lo caricaturesco, ni en lo burdo, y

menos en la risa fácil. Cada detalle de  “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” no es gratuito, aquí todo es posible en justa medida. En esencia estamos ante un drama que nos empuja a un foso sin fondo del que no sabremos si podremos salir en algún momento. Hay muchos cuestionamientos (muchas de ellas sin respuestas), pero las pistas están ocultas para bien o para mal (y es que aquí hay mucho en que pensar). Y aseguramos con esto que los cinefilomaniacos se darán un verdadero festín mientras la van descubriendo. Y repetimos: es muy probable que esta memorable cinta sea la merecedora del galardón a Mejor Película esta próxima entrega de los premios de la Academia. 

Y no hay más que decir, ya que “Three Billboards Outside Ebbing, Missouri” (inspirada en hechos reales) ha sido una gran sorpresa en términos de propuestas diferentes con gran carga interpretativa y artística. Con un guion sólido y absolutamente inteligente desde donde se la mire. Un logro, un gran acierto cinematográfico que vale la pena ver mil veces. 

"...Cuándo menos lo esperas, la naturaleza encuentra nuestros puntos más débiles..."

Título: "Llámame Por Tú Nombre" ("Call Me By Your Name") (2017).

Países: Italia, Francia, Brasil, Estados Unidos.

Director: Luca Guadagnino.

Guión: Luca Guadagnino, James Ivory, Walter Fasano (Basada en la novela homónima escrita por André Aciman).

Música: Sufjan Stevens.

Protagonistas: Timothée Chalamet - Armie Hammer - Michael Stuhlbarg -Amira Casar - Esther Garrel - Victoire Du Bois - Vanda Capriolo.

Elio es un chico especial, sensible e introvertido que vive con sus padres en un sector rural de Italia. Su vida gira en torno a la música, donde deleita a sus cercanos y visitas con su magnífica forma de tocar el piano. Escribe sobre casi todo lo que le rodea, pasa largos momentos leyendo todo tipo de libros, y ha iniciado una relación con Marzia. Pero un día la llegada de Oliver (el nuevo ayudante académico de su padre), cambiará

para siempre su manera de ver la vida. Al principio sus personalidades, gustos y vivencias denotan que no tienen absolutamente nada en común, sin mencionar que Oliver es varios años mayor que él. Pero casi de forma natural, Elio comienza a sentir al principio una extraña atracción, que lo lleva a escribir sobre sus emociones más ocultas. Pero los sentimientos no tardarán en aflorar, y es así que lo inesperado hará que esta vivencia marque definitivamente su vida para siempre.

Ganadora de varios premios internacionales (en los que se incluye tres nominaciones a los Globos de Oro como mejor película, mejor actor dramático, y mejor actor de reparto). “Call me by your name” es una película, sensible y poética basada en la novela homónima escrita por André Aciman, que fue considerada incluso como una de las mejores estrenadas en 2017. Y con justa razón. 

Dirigida por Luca Guadagnino (quien se apronta a estrenar muy pronto el remake de “Suspiria” una de las más enigmáticas obras cinematográficas dirigida por el padre del giallo italiano Darío Argento). Guadagnino nos conecta con nuestras emociones más inmediatas, y con ello nos invita paradojalmente a reflexionar (sobretodo con el significativo y necesario diálogo que el Sr. Perlman tiene con su hijo, uno de los más potentes, imperdibles y sensibles de la película). El núcleo de “Call me by your name”  no habla de otra cosa que de la vida y las personas que la componen, que entran y salen de ella aleatoriamente, sin importar si existe o no un propósito. Y la esencia de todo es eso, porque hay personas que entran en determinados

momentos a nuestras vidas, con un fin (siempre es con un fin). Independiente si somos capaces de notarlo o no inmediatamente. Y eso sólo da pie para pensar que somos parte de un mundo, un mundo cíclico que no se detiene, que está en constante cambio, y muchas veces no estamos preparados para recibir, y menos para dar. Lo que nos lleva a experimentar distintas etapas dentro de la sensibilidad de los personajes, y con esto llegamos a la única conclusión posible: Independiente de todo, las relaciones humanas son complejas (muy complejas). Pero Guadagnino supo como entregarle sentido a algo que a simple vista puede que no lo tenga (y que vale la pena que lo descubran por sí mismos). Las personas nos pueden sorprender cuando menos lo esperamos. Y todo comienza a fluir mejor cuando de la vida nada se espera.

Somos parte de una naturaleza, pero olvidamos como fluir con ella (o lo que es peor olvidamos justamente eso: que somos parte de ella). Y es aquí donde Guadagnino hace presente su magnifica forma de dirigir, y nos entrega imágenes llenas de nostalgia y sensibilidad pocas veces vistas (al menos este último tiempo) y que se complementan con una hermosa puesta en escena y la sincronización de la oportuna banda sonora compuesta por Sufjan Stevens. Que en su conjunto, terminan por dar vida a una de las historias más significativas que hemos visto este año que ya se inició. Sumando a todo esto, potentísimas actuaciones que de seguro no dejará a nadie indiferentes (y que incluso rayan en la utopía más anhelante). “Call me by your name” es una especie de oda a los regalos que la vida suele entregar de manera muy caprichosa, y que es capaz de tocar

la puerta indemne y fortuita, como la brisa matutina más tibia de verano. No obstante, (y como conclusión) en las reflexiones de Eli, podemos encontrar algunas de sus reflexiones más profundas, que en definitiva describe lo indescriptible (todo aquello que sentimos, pero que muy rara vez podemos expresar): “Creí que no te agradaba, porque me ignorabas, pero mi falta de experiencia no supo alertarme sobre los detalles  que denotaban que la sensibilidad era mutua. Miraba completamente sólo el atardecer, pero sin más preámbulo apareciste como el mejor de los amaneceres, sacándome de mi ostracismo. Haciendo que naciera en mí, las ganas incontrolables de acariciarte y estar contigo. Sin que supieras que por dentro sufría en silencio (y es que el motivo poco importa). Lo que realmente importa, es que me llenaste por completo, me hiciste sentir lo que jamás creía que podía sentir. Mirando las estrellas agradecía al cielo, por el simple hecho de estar abrazados. Y que entre mis brazos sentías el calor que buscábamos, todo fue mágico, hermoso como nunca podrás imaginar, y al menos me siento doblemente afortunado porque fui feliz, muy feliz, y ante eso, no queda más que agradecer a quien te envío fugaz a mi vida, por esto y muchas cosas más….gracias…”

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A veces, lo inesperado ocurre para cambiar el curso de la vida

Título: "Ame y Yuky: Los Niños Lobo" ("Ōkami Kodomo no Ame to Yuki") (2012).
País: Japón.
Director: Mamoru Hosoda.
Guión: Aoi Miyasaki, Takao Osawa, Haru Kuroki, Yukito Nishii.
Música: Takagi Masakatsu.
Protagonistas: Shigeru Nishiyama - Haru Kuroki - Mitsuki Tanimura - Takao Osawa - Tamio Ōki - Tadashi Nakamura - Kumiko Aso.

Hana es una joven estudiante universitaria de 19 años. Su vida aparentemente apacible tiene todos los pormenores propios de su edad, salir con sus amigos, y en algún momento encontrar el amor. Un día como cualquiera, conoce a un misterioso hombre un par de años mayor que ella. Algo en él, hace que se sienta poco a poco atraída, y sin más, eventualmente se enamoran. Todo parece marchar bien, hasta que él le revela un gran secreto: sólo en apariencia es como los demás hombres, pero en realidad es el último descendiente de un linaje de lobos exterminados. Evidentemente ella queda absolutamente sorprendida con la noticia, pero esto no es impedimento para que juntos inicien una relación seria que dura un buen tiempo.

Es así que Hana queda embarazada de un niño y una niña respectivamente. La mayor y más revoltosa la llaman Yuki (nieve), al menor más tímido y retraído Ame (lluvia). La particular familia sentirá con el paso del tiempo, que el lugar donde viven en realidad no es su hogar. Los niños están creciendo y sobretodo Yuki, no tiene problemas en cambiar de forma peligrosamente delante de algunas personas de acuerdo a su estado anímico. Por lo que deciden buscar un lugar que no ponga en peligro a los niños y el resto de la familia, no sin antes enfrentar difíciles pruebas.
Con un argumento que podríamos calificar como poéticamente creativo, “Los Niños Lobo” (como también se la conoce). Tiene absolutamente lo mejor del cine animé. Pero lo que también resulta interesante es el contexto oculto dentro de la historia, y la importancia de cada uno de sus personajes. Y no le resta importancia al tratarse de una película de estas características, vale decir, no por ser animé la vamos a tomar a la ligera. Claramente tiene algo que decir, y es así que se deja ver sin problemas con la naturalidad esperada en este tipo de cintas.
Uno de los principales motivos por el cual la destacamos es, porque retrata de manera magnífica como nos desenvolvemos en un mundo, en que la creación humana aún no sabe coexistir con la naturaleza. Y quizás lo que puede ser peor aún, el simple hecho de no aceptar que al parecer estamos destinados a algún misterioso propósito en la vida. Un propósito no revelado hasta que el momento se haga presente. Y la mejor forma de

retratarlo es a través de los nombres de los niños: Nieve (un elemento frío e inquebrantable, pero que también suele generar alegría y felicidad). Y Lluvia (un elemento primordial que entrega vida, pero que también esta asociado a la introspección y a la melancolía). Y son estas las principales características que los definen individualmente, considerando que los dos son agua, pero en diferentes estados. No obstante, la película es magnifica, independiente del punto de vista. Tiene una interesante historia (a ratos un poco naif, pero que no afecta en nada al mensaje más filosófico que es su núcleo principal). Sin dejar de lado, el impresionante trabajo artístico empleado, que de seguro maravillará a grandes y a chicos. En conclusión, (y como solemos decir con obras sobresalientes) “Los Niños Lobo” es absolutamente imperdible, que incluso hace recordar (porque casi es obvio el guiño) a las primeras obras de Hayao Miyazaki. Otro logro del animé.

"Cuando uno viene de abajo... no cae de muy alto"

Titulo: "Señor Chocolate" ("Monsieur Chocolat") (2016).
País: Francia.
Director: Roschdy Zem.
Guión: Cyril Gély.
Música: Gabriel Yared.
Protagonistas: Roschdy Zem - Omar Sy - James Thiérrée - Clotilde Hesme - Olivier Gourmet - Frédéric Pierrot - Noémie Lvovsky - Alice de Lencquesaing - Alex Descas - Olivier Rabourdin - Xavier Beauvois.

En las afueras de Francia de 1897 Kananga (cuyo nombre real es Rafael Padilla) es hijo de un esclavo cubano que trabaja en un circo de mala muerte representando a un caníbal como una de las atracciones principales. George Foottit es un payaso blanco cuyas presentaciones necesitan de una urgente renovación. Un día tiene una disparatada ocurrencia cuando decide incluir en su espectáculo a Kananga en un dueto de payasos. La formula parece arriesgada en tiempos donde el racismo aún imperaba en una sociedad progresista. Pero

sorprendentemente el espectáculo es todo un éxito, es así que se les presenta la oportunidad de su vida cuando Joseph Oller (director de un prestigioso teatro circense en Francia) les ofrece ser parte de la parrilla de espectáculos. El dueto se presenta como Foottit y Chocolate y son considerados como la gran novedad del teatro. El éxito es instantáneo y se transforman rápidamente en celebridades. Sus shows son sencillos e ingenuos. Pero pronto serán blancos de críticas al representar a Chocolate como el personaje que por ser de color es quien reciba los golpes y bromas del payaso Foottit. Siendo este el principal motivo de las risas del público. Chocolate es criticado por sus pares como una especie de bufón, un animal de circo al servicio

del entretenimiento de los blancos. Pero para él es su forma de mostrar su arte. Vive su éxito y puede dar rienda suelta a dos de sus debilidades más notorias: las mujeres y las apuestas. Pero tarde o temprano los cuestionamientos morales no tardarán en hacerse presente, y lo motivarán para mostrar otra faceta de su histrionismo. Una faceta que lo hará entender mejor los tiempos en el que vive y la sociedad que creía conocer.
“Señor Chocolate” es una magnifica película biográfica concebida como la historia del primer payaso negro francés dirigida por el también actor Roschdy Zem, y merecedora de dos premios César (Mejor Decorado (James Duchier) y Mejor Actor Secundario (James Thierrée, nieto de Charles Chaplin)). Que cuenta con muchos puntos a su favor para considerarla en tus próximas películas a ver. La principal de ellas es el soberbio nivel interpretativo de los personajes principales y la cuidada puesta en escena. Lo interesante de esta historia en particular es que no recurre a la exageración lacrimógena como suele ocurrir con otras obras biográficas como recurso dramático. Sino más bien es una especie de testigo ocular ante los diferentes

estados y cambios que se van presentando en la vida de sus personajes, sin caer en lo burdo ni en la exageración. Aquí hay prácticamente de todo, el inicio de una carrera artística con diferentes matices que podemos disfrutar sin problemas. Y por sobretodo no olvida el núcleo principal de la historia, la lucha de principios en tiempos en que los derechos de igualdad aún estaban en desarrollo.
Llena de magia y poesía. Absolutamente recomendable, un verdadero y nuevo acierto del siempre imprescindible cine francés, que incluye fotogramas reales que todo cinéfilo sabrá aprovechar y disfrutar.

Para sobrevivir a los monstruos, hay que transformarse en uno de ellos

Titulo: "Frontiers" (2007).

Países: Francia, Suiza.

Director: Xavier Gens.

Guión: Xavier Gens.

Música: Jean-Pierre Taieb.

Protagonistas: Karina Testa - Aurélien Wiik - Patrick Ligardes - David Saracino - Chems Dahmani - Maud

Forget - Samuel Le Bihan - Estelle Lefébure - Jean-Pierre Jorris.

Durante las elecciones en Francia las personas están  divididas entre un partido de extrema derecha y otro conservador. La disconformidad política genera violentos enfrentamientos. Y en medio de las manifestaciones un grupo de jóvenes aprovechan el caos para perpetrar un robo. Todo sale relativamente bien, y deciden dividirse. Uno de ellos está gravemente herido, así es que como último recurso se arriesgan a llevarlo de urgencia al hospital. Pero la policía los persigue y deben escapar cuanto antes. Por ello deciden reunirse cerca de la frontera en un aislado hostal. Dos de ellos se han adelantado y al parecer esperarán algo más que al resto del grupo.
Dirigida por el siempre inquietante Xavier Gens. Quien con el sólo hecho de saber que está detrás de una película como “Frontières” sabemos que el horror tarde o temprano se desencadenará. Generalmente su cine se basa en develar lo peor del ser humano, sometiéndolos a experiencias extremas. Y en una especie de experimento enfermizo, observarlos que tan primitivos estos pueden llegar a ser. Sólo basta sacarlos de la

ilusión que es la seguridad en la que sus personajes viven (y que quizás no está tan alejado de una realidad que pocos son capaces de ver) para que se transformen en verdaderos monstruos caníbales.
Comparada (no se sabe si justa o injustamente) en términos narrativos con “La Matanza De Texas” pero en versión francesa (y con muchos más recursos). Aunque hay que decir que la comparación no es antojadiza, ya que la obra de Gens contiene un muy buen par de “guiños” a la obra de Hooper. Pero más que eso, nos atrevemos a aventurar que más bien se trata de un homenaje de lo más desvergonzado.
 “Frontières” es una especie de híbrido bastante peculiar, ya que encontramos en ella varios géneros que se conjugan sin problemas (del drama pasamos a la acción, de la acción a una road movie, y luego todo es una atrocidad mayor que la anterior). Y quizás el más notorio de todos es el reclamo político de la historia, el descontento, el eterno desacuerdo generado por los ideales como único interés solvente. Y el descontento se transforma en horror, el victimario se transforma en víctima y la ley del más fuerte poco a poco se deja ver dentro de una batalla sin tregua, dónde todo vale con tal de sobrevivir. Y Gens si que sabe ilustrarnos (para bien o para mal) de todas las consecuencias a los que cada uno de sus personajes son cruelmente sometidos. Y es aquí, donde nos llama la atención enormemente un factor común dentro de la filmografía del

realizador: la misoginia. Y es que no tiene reparo alguno para mostrarnos varios “ejemplos” de la manera más grafica posible. Es como si la mujer necesitara de ser doblegada de la peor de las formas, para demostrar finalmente que es la única capaz de soportar un horror producto de la más extrema de las deshumanizaciones. Pero ¿y cuáles son las motivaciones de los agresores? …. Al parecer la simple satisfacción de sentir que se está por encima del resto, basta para que comience a ser derramada la sangre, (y no precisamente sangre inocente). Y justo aquí el shock recién comienza, porque Gens no deja nada a la imaginación, y es que en realidad tampoco necesita hacerlo, su cine casi siempre es en extremo gráfico y bastante mórbido. Por ello abstenerse impresionables, o a quienes no les guste mucho el gore más cruel. Pero juzgar esta película sólo por su nivel de violencia, es negarse a

que Gens es capaz de jugar también con el espectador en más de alguna oportunidad, pasando de género en

género con total naturalidad (y por momentos nos hace creer algo que simplemente no existe). Por un lado

nos deja claro que estamos frente a una película de psicópatas despiadados, pero por otro lado también nos deja entrever que ciertos fanatismos (usualmente basados en el odio y considerando las manifestaciones políticas que dan inicio a la historia), jamás llegan a buen puerto. Y las consecuencias de todo esto están a la vista. No obstante “Frontières” es de esas películas que fácilmente las puedes volver a ver sin problemas, porque además entretiene, tiene buenas actuaciones y buenos efectos especiales. Lo cuestionable es cuando se quiere sobrepasar todos los niveles de tortura, obteniendo el efecto contrario (y quizás hay una clara doble intención en ello, ya que no generan otra cosa que un humor muy negro, al obligar al espectador a ser testigos de tanta brutalidad junta). No obstante, y lo más importante de todo, dejará conformes a los fans del género. Para verla de seguro con escudo en mano para que no te salpique la sangre (y ojo no vale taparse la cara).

Que una película gamberra no es nada

Titulo: "The Black Room" (2016).

Protagonistas: Natasha Henstridge, Lukas Hassel, Lin Shaye, Dominique Swain, Augie Duke, Caleb Scott, James Duval.

Una pareja de tortolitos se mudan a su nueva casa, felices de la vida. Su vida es apacible, pero al parecer tienen problemas íntimos que no han podido solucionar. Mientras tanto, ignoran que algo extraño ha ocurrido en el lugar mucho antes que se mudaran. Cuenta la leyenda que un Incubo (demonio de género masculino que seduce a mujeres mientras estas duermen) fue invocado en un ritual satánico con el fin de someter a los humanos a su reino de placer infernal (algo que de verdad no suena nada de mal). Pero durante la ceremonia el demonio fue vencido y ¿adivinen donde fue enclaustrado el pobre? Si, en una habitación oscura con un amuleto de protección contra fuerzas demoníacas. Pero de eso, ya ha pasado un buen tiempo, y el Incubo ya esta más que nervioso (si saben a lo que me refiero) y necesita nutrirse de alguna doncella que caiga en sus redes, para así poder engendrar su propia familia. Es así que en un intento desesperado por volver a probar la carne humana, posee el cuerpo del hombre de la casa para cumplir con su orgásmico propósito.
Un argumento como este no podía quedar exento de al menos una mínima mención. Y es que tienen frente a uds una de las peores películas de terror del año (aunque el terror es absolutamente cuestionable). Y hay que ser justos (y no es necesario tampoco utilizar eufemismos), ya que esta es deliberadamente una parodia por donde se la mire (mala, pero parodia al fin y al cabo). Pero eso no es suficiente para considerarla

siquiera como una rareza. Hay muchas películas que cumplen a cabalidad esta especie de categoría algo efímera (o inexistente si se quiere). Pero esta es directamente una película serie Z, con un pésimo director (incluido todo su personal técnico) y con actores sorpresivamente reconocibles quienes al parecer viven el ocaso de sus carreras al haber aceptado un proyecto tan gamberro como cutre. Y comenzaremos con la espectacular Natasha Henstridge (quien a mediados de los 90´s se convirtió en el deseo imposible del género masculino al interpretar a una de las más sexys alienígenas que han pasado por la pantalla con “Species”) ¿Qué hace ella en esta película? (y tampoco decimos que sea pecado, ya que tampoco la  recordamos en interpretaciones memorables, ya que a decir verdad son simplemente inexistentes). Como pueden suponer, la respuesta la ignoramos (y bueno sinceramente poco importa). Luego sigue un par más de rezagados, en el que se incluye a Lin Shaye, quien se parodia así misma y que al menos nos puede caer simpática en un par de escenas. Ahora bien, ocurre algo raro con algunas películas de esta calaña, y es el hecho que de lo malas que son, algunas al menos nos

pueden hacer pasar un buen rato viéndolas (aunque sea sólo para burlarnos de sus tan notorias falencias a nivel global). Y es que no se puede hacer mucho, ni siquiera pensar en el enfoque que el director quiso darle a la historia, porque simplemente aquí todo va de calentura en calentura. Y en eso es generoso, hay tetas casi por todos lados, orgasmos en público de lo más ridículo. Y casi todos se quitan la ropa, menos la protagonista (quien el espectador de seguro esperará con ansias, pero lamento informar que eso no ocurre, aunque hay una escena de sexo con una lavadora de lo más hermosa, con eyaculación incluida). Sin dejar de lado los humildes efectos especiales de telefilme de tarde de domingo (con relámpagos de lo más ochenteros), y la música (a veces desfasada, a veces innecesaria) que termina por poner los pelos de punta.
En definitiva, esta es una película que se hizo para…. La verdad es que tampoco lo tenemos claro, pero que al menos te sacará un par de sonrisas al detectar todas sus evidentes (y casi intencionales fallas).

Esta noche algo vendrá a visitarte

Titulo: "Be Afraid" (2017). 
Director: Drew Gabreski. 
Guión: Gerald Nott. 
Música: Corey Wallace. 
Protagonistas: Brian Krause - Kevin Grevioux - Louis Herthum - Jaimi Paige - Callie Thorne - Jared Abrahamson - Noell Coet - Michelle Hurd - Michael Leone - Sade Kimora Young - Kevin M. Horton - Todd Goble - Bill Laing - Kevin Corrigan - Eric Chandler.

John y su familia se mudan a su nueva casa ubicada en las afueras de Pennsylvania. El pueblo parece tranquilo y viven sin grandes contratiempos. Pero al cabo de un tiempo, el hijo menor Nathan comienza a tener extrañas pesadillas. Asegura que por las noches es visitado por un extraño hombre con sombrero que lo atemoriza profundamente. Jack y su esposa Heather lo toman simplemente como un mal sueño alimentado por el exceso de imaginación del niño. Pero John vivirá en carne propia una extraña experiencia que lo deja

completamente inmóvil en su cama. Esto abrirá una puerta entre lo que consideraba fantasía y realidad. No obstante, algunas personas del pueblo parecen saber algo que John y su familia ignoran: un par de niños han desaparecido misteriosamente mucho antes que ellos llegaran. Las personas involucradas, aseguran que una amenazadora presencia se los ha llevado desde sus propias casas para que nunca más ser encontrados. Algo muy extraño ocurre en aquel pueblo, algo de lo que por temor no se habla, y al parecer Jack y su familia corren un gran peligro.
Con una mezcla entre misterio y terror, “Be Afraid” es una película que trae como novedad el tema de la parálisis del sueño como alternativa ante la evidente baja creativa en lo que a cine de terror respecta. Y al parecer esta nueva fuente de lo desconocido llegó para quedarse. Ya que existen un par de películas más de similar temática, que inicia un nuevo subgénero a explotar (y explotar). Si bien “Be Afraid” es una especie de

experimento argumental con respecto a la parálisis del sueño, en estricto rigor esta aún no tiene explicación lógica. No existe algún estudio comprobable y concreto que explique de que se trata y por que lo padecen sólo algunas personas. Y la película tampoco hace el más mínimo intento por sacarnos de la duda. Y puede que sea este el núcleo que defina si te gusta o no esta película. Ya que los efectos especiales son casi nulos, algunas actuaciones de verdad dejan mucho que desear, y uno que otro diálogo innecesario y algo extenso, entorpecen el ritmo de los acontecimientos. Y con esto no digo que sea una mala película (aunque sinceramente tampoco es la gran maravilla). Pero esta cinta en formato independiente tiene algo que ofrecer, y es su muy logrado tono de misterio. Concretamente no es una película de terror (así es que los que esperan demasiado de ella, se llevarán una muy desagradable desilusión). Ésta más bien, es una película de misterio con ciertos guiños, ciertos toques o influencias al género del terror. Y si la vemos desde esta perspectiva, funciona de las mil maravillas. Aunque hay algunos vacíos tanto en la narrativa, como en la propuesta visual que deja con gustito a poco. Por momentos recurre a varios clichés propios del terror, pero lo importante es que tampoco abusa

de ellos. Rescatando esto, podemos decir que “Be Afraid” mantiene el misterio hasta el final y puede entregar un par de gratas sorpresas. Sin necesidad tampoco de salpicar de sangre tu pantalla (aunque obviamente tampoco decimos que esto tenga algo de malo). Lo mejor de todo y como ya hemos dicho, es que de todas las preguntas que se pueden ir generando a medida avanza el metraje, las principales (que son detonantes en la historia) no tienen respuesta alguna. Como la misma parálisis del sueño, puede que te pase a ti esta misma noche y no seas capaz de explicar que te ha ocurrido. Y es que es mejor mantener algunas cosas ocultas.

No seremos nunca más los de antes

Titulo: "What We Become" ("Sorgenfri") (2015).

País: Dinamarca.

Director: Bo Mikkelsen.

Guión: Bo Mikkelsen.

Música: Martin Pedersen.

Protagonistas: Mille Dinesen - Ole Dupont - Mikael Birkkjær - Troels Lyby - Marie Hammer Boda - Benjamin Engell - Therese Damsgaard -  Diana Axelsen - Rita Angela - Sonny Lahey - Michael Molin.

En un día como cualquiera una familia disfruta en un idílico sector de Dinamarca llamado Sorgenfri. Pero inesperadamente extrañas cosas comienzan a suceder en el sector. Fuerzas armadas han aislado el perímetro y de manera individual cada una de las casas, haciendo de sus habitantes verdaderos prisioneros. Nadie sabe exactamente lo que ocurre, y el toque de queda es declarado sin más remedio y múltiples familias son sometidas. Pero Gustav no está conforme con la vaga información que se les ha entregado, y decide salir a explorar en medio de la noche. No tardará mucho en darse cuenta que la situación es mucho más peligrosa de la que ellos creían. Una especie de virus se ha propagado por casi todo el país, y hasta ahora ellos son los únicos que han estado lejos de sus efectos, pero no por mucho tiempo. Los militares les prohíben escapar a tiempo, por lo que tendrán que enfrentar la situación con una reducida capacidad de recursos.
A estas alturas, ya hemos visto casi prácticamente de todo en cuanto al tema de virus zombie. Y hay que reconocer que también hemos sido testigos de verdaderos bodrios absolutamente olvidables. Y por otro
Recomendable para quienes buscan algo diferente (y puede que quizás no es tan inédita en este aspecto, pero que al menos se esfuerza por no caer en lo obvio y absurdo). Incluidos uno que otro momento que todo amante del cine zombistico quedará satisfecho. Entretenida y con buenos y oscuros momentos (vale decir uno que otros más medidamente brutales).

lado verdaderas obras de culto. Y aunque “Sorgenfri” es una película menor dentro de este subgénero (ampliamente manoseado), hay que ser justos y declararla como la evolución a esta temática. Y es que aquí no encontraremos grandes efectos especiales, ni tampoco actores conocidos. Pero esta filmada de una manera diferente, que resulta muy interesante de ver. Aunque convengamos en que una película de zombies que no tiene aunque sea un mínimo de sanguinolencia y uno que otro efecto de maquillaje aceptable, esta destinada al tacho de la basura. Y afortunadamente este no es el caso, ya que contamos con actuaciones bastantes dignas, y lo que es realmente importante en todo este cuento (y cuando amerita el caso) cumple con lo que esperamos ver. Quizás no es del todo generosa en hemoglobina, al menos la utilizan de muy buena forma. Incluida la tensión que es capaz de ofrecer, que esta bastante lograda. Lo interesante de todo esto radica en algo que es ajeno al horror en sí. Ya que su argumento nos retrata de muy buena forma como una familia supuestamente feliz y acomodada también le toca vivir horas de terror extremo. Y lo que es mejor aún, crea la incógnita de lo que son capaces de hacer

en situaciones limites. Y he aquí uno de los mensajes más logrados de toda la película, gracias principalmente al afortunado enfoque del director. Y puede que hasta el tema zombie sea una mera excusa para someter a sus personajes a varias pruebas, donde seremos testigos de varios de sus desafortunados desenlaces. Y todo desde la intimidad del hogar, aquel calor de familia noble y realizada que termina por darnos la satisfacción de verlos caer como moscas uno a uno (seamos sinceros, si en una película de terror donde los personajes no sean sacrificables simplemente no es una película de terror). Lo importante es que al menos podemos ver el punto de vista europeo con respecto a la temática popularizada por el maestro Romero. Y afortunadamente con una visión fresca y novedosa al momento de exponerla (que incluso juega mucho con la narrativa de manera bastante digna y elocuente) que nos ha terminado por hacer sentir conformes.

Si no lo encuentran... es que no está en este mundo

Titulo: "Phoenix Forgotten" (2017).

Director: Justin Barber.

Guión: T.S. Nowlin.

Música: Mondo Boys.

Protagonistas: Florence Hartigan - Luke Spencer Roberts - Chelsea Lopez - Justin Matthews - Clint Jordan - Cyd Strittmatter - Jeanine Jackson - Matt Biedel.

Una pareja de jóvenes visitan a la madre de uno de ellos que vive en Phoenix, Arizona. Todo parece ideal, hasta que súbitamente el hijo mayor de la familia desaparece sin dejar ningún rastro. Coincidentemente esa misma noche unas extrañas luces aparecen desconcertando a casi todo un país conocido como el incidente de Phoenix. Pero luego de un tiempo en medio del desierto es encontrada una cámara de video en una camioneta abandonada, que contiene material grabado por el mismo chico momentos previos. Al parecer la desaparición tiene una explicación sobrenatural, de la que todos seremos testigos.
Producida por Ridley Scott "Phoenix Forgotten" es una película más en formato found footage que trata de atraer la atención con mucho menos espectacularidad que otras. Pero a pesar de no conseguirlo del todo (cosa extraña) logra por lo menos entretenernos, y nos da la sensación de estar viendo un documental de un canal de cable. Y quizás ahí radica su efectismo, en no tratar de engancharnos con mucho. Pero casi no nos damos cuenta cuando somos parte del equipo de investigación y tratamos de dilucidar que carajos pasó con el dueño de la cámara encontrada. Y es por ello que quizás estamos ante una película un tanto incomprendida. Aunque tampoco exageremos, ya que hoy por hoy el formato esta dirigido principalmente a un público más adolescente que otra cosa. Y es que a esa edad cualquier cosa nos podía satisfacer la mente

ávida de emociones fuertes. Lo lamentable es que el recurso ya esta sobreexplotado y ya casi ni cosquillas nos producen, y con esto el interés en consecuencia se va perdiendo irremediablemente. Y el mejor ejemplo de esto es “El Proyecto de La Bruja De Blair” (1999) una verdadera estafa para quienes estuvimos esperándola con un coma de ansias en plena Avant Premier (cosa curiosa que desde ahí a la fecha jamás volvimos a poner un pie en algún Avant Premier). Esperábamos asustarnos aunque sea un poquito, pero en cambio los gritos de desaprobación me erizaron más los pelos al pensar que el motín se desataría en cualquier momento. Y parece que aún estoy escuchando las puteadas de los espectadores a la salida del cine, que como es obvio no se hicieron esperar, al menos las butacas no salieron disparadas para todos lados, por fortuna. Lo interesante de "Phoenix Forgotten" es que se aferra cuál parasito a una de las

noticias mejor documentadas en cuanto al tema ufológico respecta. Y si bien nada asegura que aquellos acontecimientos ocurridos a finales de los años 90´s fueran reales, al menos utiliza de buena forma el recurso sensacionalista para dar algo de impulso a una historia aparte que la une como parte del puzzle.
"Phoenix Forgotten" no es una película que vaya a sobresalir mucho (inédita aún por estos lados), pero que tiene algo diferente, pues no hay gran despliegue de efectos especiales (a excepción del clímax que cierra los acontecimientos, y quizás sería absurdo que no los tuviera), pero trata de mantener el interés desde el punto de vista investigativo y como dijimos antes, cosa extraña funciona bastante bien. Sobretodo en un formato que se va apagando cada vez más, quizás hasta que una buena historia y una elocuente dirección diga lo contrario.